EU SUBJETIVO

FILME "LARANJA MECÂNICA" (1971)

2011-05-04T13:19:00.000-07:00

A estória é em torno de Alex (Malcolm McDowell, o eterno “Calígula”), líder de uma gangue de delinquentes que, como fonte de satisfação, no que eles chamam de “ultraviolência”, matam, roubam e estupram. Mais tarde, Alex cai nas mãos da Polícia e é usado em um experimental e desumano método que visa refrear seus maléficos impulsos. Ao final, Alex, agora em um ser extremamente impotente, retorna indefeso à sociedade.

O estranho título, "Laranja Mecânica”, tem no mínimo significados – isso mesmo, significados – curiosos, tão incomuns quanto o próprio título.
Ao pé da letra, o título original, “Clockwork Orange”, quer dizer “Laranja com Mecanismo de Relógio”. O que nos remonta a uma visão mecânica, forçada e robótica da qual se pode condicionar o comportamento humano.
Quanto ao substantivo frutífero “laranja”, pesquisei sobre e, aqui, propriamente dito, tem semelhança com a palavra inglesa “orang – utan”, ou seja, indireta a uma conhecida espécie de macaco (Orangotango), certamente alaranjado, fácil de dominar.
Ainda em relação ao título, existe também a alusão ligando-o a uma velha expressão londrina (o filme se passa em Londres) que apropriadamente significa: “muito estranho”. Nesse aspecto, liga-se à visão do autor sobre o comportamento dos jovens delinqüentes ou, mais corretamente, como já se apontou no início, ao tratamento que o criminoso Alex fora submetido.
A ideia que prevalece então é que o título abrange todo o procedimento supramencionadamente mecânico e artificial em que Alex é inserido sob o subterfúgio de “reabilitação”, por qualificarem o ser humano como um ser programável; um verdadeiro animal “domesticável”.

Sem dúvida, o grande trunfo do filme, muito polemizado na época – até mesmo proibido de ser exibido no Brasil –, foi apresentar a violência de forma tão aberta e ampla, abusando totalmente da complexidade do tema, em uma chocante e irônica narrativa.
No tocante ao personagem Alex, pode-se dizer que as barbaridades antes fomentadas e praticadas por ele, subjugadas como sem razão, são, na verdade, uma represália contra esse mesmo governo, corrompido, regido por paradigmas egoístas, motivado unicamente pelo interesse e benefício próprio.
Independente de como ele se portasse, agora “civilizada”, ou antes, desordeiramente, ele sempre seria a repressiva vítima.
Por tal motivo, Alex poderia ser incontestavelmente o herói da estória, mas ao analisar toda a monstruosidade cometida por ele contra inocentes [ou não... tanto faz], mesmo sendo fruto de sua considerável revolta, a exata justificativa de seus atos não aparece. Sendo assim, nessa retratação, mocinho e antagonista se contrasta.
Kubrick, satisfatoriamente, não isenta ninguém, ele simplesmente explora os dois lados, revelando intrinsecamente cada intenção, para que o expectador chegue a um veredito, segundo o que lhe apraz.

Em equiparação com a nossa realidade, “Laranja mecânica”, nos faz perceber que, pela má e controladora atuação do Estado como regente da ordem, a sociedade se torna apática no que diz respeito aos infortúnios com as quais se depara como, impunidade, desrespeito, preconceito, corrupção, guerras, assassinatos. Isso porque a indiferença foi bem imputada pela subordinação. O que é muito bem representado na cena final em que o vilão/herói Alex, “regenerado”, tem o seu silêncio obrigatoriamente comprado.
E é isso que o roteiro basicamente denuncia: A violência é notavelmente aflorada quando somos duramente inibidos por pseudolálicos e invasivos concebimentos morais, cotidianamente sustentados pela hipocrisia e conivência, seja governamental, religiosa ou meramente social. Pois a prática da violência, em tese domada pelo conceito civil, nos é inerente e instintiva. No entanto, o que mais ocorre em nosso meio é a rendição voluntária à inatividade, por ser assim mais cômodo.

Os agentes controladores do filme, governo e igreja, tanto um como o outro podem [e por vezes o fazem] manipular em prol de seus ideais. Um agente utiliza-se de argumentos inspirados no que denominam como “boa conduta”; o outro se apega àquilo que julga ser aprovado ou não por Deus. Então, o que fosse considerado “politicamente incorreto”, ou “heresia”, tinha como resultado a punição.
É, talvez Stanley Kubrick estivesse suscitando repúdio a política e a religião, talvez não, pois, pelo que conheço de seus filmes, mesmo polêmicos e “rebeldes”, são abertos à interpretação pessoal. Baseado nisso, a mensagem que eu extraio como espectador, simplória ou equivocada que seja, é acima de tudo, um alerta no que diz respeito às nossas atitudes tomadas, decisões pessoais e/ou qualquer manifestação que venhamos expressar.
Segundo meu ponto de vista, ao contrário do que alguns pensam sobre o filme conforme pesquisei, acho descartável a ideia de que a obra apoie à anarquia ou, redundamente, a total abdicação de lei, fé e ordem.
Aceitar assim é generalizar, e isso pode soar como insensato no tocante ao contexto, ainda mais se o motivo for baseado na leviandade de alguns. Eu prefiro ressaltar que o problema não está nos agentes em si, e sim na deturpação que eles sofrem ao serem direcionados por pessoas más intencionadas.

Muitos concordarão que, quando se trata de opinião, dificilmente encontramos algo absoluto ou infalível. E com o diretor Kubrick não é diferente. Ele também é passível de refute, erros e relatividade como qualquer um, porém, admito que é irrevogável sua coerência à frente de "Laranja mecânica".
Parece contraditório, mas não, a discussão levantada pela trama vai além do que possamos compreender. Qualquer impressão é inteiramente pálida, diante de tudo o que mostrado nesta película.
Fato: sempre fomos condicionados a algum tipo de controle abusivo, e hoje esse campo foi ampliado e mascarado, sendo intermediado por mídias, por sociedades alternativas, facções, grupos, e etc, que nos impõe conceitos, doutrinas e diretrizes, na tentativa de nos privar de pensar e agir naturalmente.
Portanto, se aprendi algo com este filme foi que devemos ser autênticos no que somos e convictos do que queremos.

Uma última observação pertinente a se fazer é que “Laranja mecânica” não é um exemplar prazeroso de se ver. Estou falando de um clássico cult, forte, único e duramente confrontador. Confesso que fiquei impressionado quando o assisti.
Entretanto, é importante reconhecer a importância do mesmo para a sétima arte, e sua genialidade em abordar tal assunto, com tamanha presteza. Ainda mais ao ver que esse é um dos poucos filmes em que sexo e violência não são meros artifícios de apelação visual. Cada cena tem, necessariamente, um objetivo por de trás, seja implícita ou explicitamente. Por isso é que Kubrick, revolucionário e original como era, conseguiu criar uma obra visionária e indelével para história!
Sem mais, afirmo: “Laranja mecânica” não é o melhor do entretenimento; “laranja mecânica” é um duro exemplar da mais intimista arte cinematográfica...

FILME "O RITUAL" (2011)

2011-05-03T12:46:00.000-07:00

Eu hesitei em escrever sobre “O ritual” logo que o assisti porque entendo a decepção que o mesmo gerou no público - vou explicar o motivo logo mais. Inclusive, concordo com as negativas críticas que este recebeu, mas achei necessário repensar sobre redigir ou não uma opinião sobre ele já que Anthony Hopkins está presente, e maravilhosamente bem.

Quando se fala em “exorcismo” é inevitável não se reportar ao clássico “O exorcista” protagonizado por Linda Blair em 73, e todo aquele vômito verde, cabeça girando, cama trepidando e etc. Surgiram também alguns herdeiros interessantes como “O exorcismo de Emily Rose”, “O último exorcismo”, tão assustadores e peculiares quanto o precursor da ideia.
Devido a isso, “O ritual” não foi tão bem recebido, principalmente pelos americanos, pois ao abordar uma temática tão bem representada e variadamente explorada, o mínimo que se esperava eram muitos sustos e sangue, afinal, sempre que aparece um filme de proposta derivada espera-se que este tente superar, ou maximizar as possibilidades do tema. Mas não foi o que ocorreu.

Acredito que “O ritual” seja o filme mais honesto no assunto, pois ele opta por mostrar o lado oposto do que já foi visto, voltando-se aos rituais em si, como o próprio título indica.
No filme, este que é baseado num livro não-fictício, revela que os tais exorcismos ainda são praticados pela Igreja Católica, com autorização e respaldo da mesma, só que por um grupo seleto e bem reduzido, isso nos EUA. Portanto, o filme tenta perambular pelo lado crível e austero da coisa, se comparado aos outros filmes que abordam o tema em questão. Mas já adianto, o “chá de cadeira” é certo, os sustos são previsíveis e mínimos, sem contar que os primeiros minutos são uns martírios de chatos, e a estória só engrena quando Hopkins aparece, o que demora um bocado.

Em relação ao grande astro, ele está magnífico aqui. Enfático, preciso, compenetrado e muito convincente, como não se via há algum tempo. E ainda consegue introduzir certo humor ao personagem, o que não prejudica sua composição; atributos que só um “velho de guerra” consegue com tanta eficácia.
É também percebido que Hannibal Lecter, seu antológico e pronunciado personagem, foi uma inspiração aqui, para não dizer uma voluntária reminiscência, talvez por este motivo ele próprio tenha sido só elogios para com este filme.

Mas o personagem central, na verdade, é o sonolento Colin O´Donughue, importado da série “The Tudors”. Ele aqui é um jovem cético e humilde que, em busca de uma educação de qualidade, parte para o seminário. Dificuldades à parte, ele é mandado para a Itália, para estudar em uma escola especializada em exorcismos. Lá ele é encaminhado para uma pequena aldeia em que se concentram os casos mais recorrentes de possessões demoníacas.
Como sempre, a figura endemoniada é uma figura feminina, sob a posse de mais um espírito resistente e extremamente desafiador. Mas ao contrário de todos os exorcismos já vistos no cinema, como já sobredito, tudo aqui é muito “tranquilo”. Até mesmo “Constantine” de Keanu Reeves é mais assustador no que concerne às esconjurações.

O filme conta também com a notável participação de Alice Braga (“Predadores”). Ela, com certeza, a brasileira mais presente em longas ianques, com papéis significativos até, tem seu considerável esforço comprovado aqui.
Alice não fica devendo em nada e mostra aptidão no que faz. E isso não é simpatia pátria [somente], é o reconhecimento de um talento nosso em ascensão em um meio tão hermético como Hollywood.

Continuando no que diz respeito ao roteiro, não levando em conta algumas incoerências contextuais, o grande furo do filme mesmo é partir para uma linha investigativa, acentuando a dramaticidade da situação e esquecendo de aguçar o necessário medo no espectador, afinal, é isso que normalmente os filmes de horror proporcionam.
O público que é atraído por essa espécie de entretenimento, ainda mais se tratando de algo que envolva manifestações demoníacas, espera que o pavor seja aflorado no decorrer da projeção, não obstante, em “O ritual” tudo isso é, erroneamente, deixado em segundo plano, perdendo a chance de ser mais um expressivo integrante do time das possessões. Ainda mais tendo Hopkins no casting, abrilhantando a película.
Por fim, é mais que compreensível às críticas negativas que recebeu o filme em terras do "Tio Sam". Os fãs não polpam filmes, aparentemente proeminentes para o gênero, sendo desperdiçados assim. Contudo, que fique claro, o filme não é de todo ruim, só não é o que se espera.

FILME "IRREVERSÍVEL" (2002)

2011-05-03T12:04:00.000-07:00

O diretor argentino Gaspar Noe conseguiu gerar com esta altercada obra, denominada como “Irreversível”, múltiplos sentimentos em seus espectadores, em suma, negativos. Com o decorrer de minha resenha, vou esclarecer o porquê...

Acredito que a maioria das pessoas que resolveram ver “Irreversível”, foi motivada a fazê-lo devido a sua famigerada cena de estupro, pois filmes que abordam tal temática costumam causar essa curiosidade suspeita, e comigo não foi diferente, apesar de o tema me incomodar bastante.

Quanto ao roteiro, este é basicamente sobre um homem que busca implacavelmente o estuprador de sua namorada. Uma premissa consideravelmente fraca, entretanto com alguns diferenciais, dentre eles o ímpeto irracional do tal homem ao tentar encontrar o algoz, os lugares escabrosos pelos quais ele percorre, e o estupro propriamente dito.

Outro diferencial que poderia se destacar na estória é que a mesma é contada de trás pra frente, mas como tal recurso já foi utilizado em alguns filmes – como bom exemplo, “Amnésia” de Christopher Nolan –, não se vê nisso novidade. Aliás, esse detalhe até aborrece um pouco porque só vamos entender o que está acontecendo lá pela metade do filme, conforme retrocede a trama.
Devido a isso, o início é extremamente confuso, sombrio, contando ainda com um abusivo filtro vermelho na fotografia. Mas o que torna tudo ainda mais conturbado é a câmera que gira por vários ângulos freneticamente.
Como o final do filme é o começo, o diretor tenta aliviar toda a barbaridade do início com um belo e romantizado “final”, mas essa artimanha não funciona por se saber que o desfecho é totalmente contrário e aterrador, mesmo que mostrado antecipadamente.
Como o próprio título sugere, qualquer tentativa de amenizar o impacto inicial seria em vão, já que o tal ocorrido é “irreversível”.

Monica Belluci, sempre linda, está impecável na pele de vítima. Como já citado, a cena do estupro é angustiante, e acredito que seja a mais real e perturbadora já feita até então. O que se deve em grande parte ao brilhantismo da bela em transmitir todo o desespero do momento.
Pra se ter uma idéia, a cena tem aproximadamente 10 minutos, sem corte, com a câmera posicionada em um mesmo e “privilegiado” ângulo. Não é à toa que uma multidão abandonou a sala de exibição no Festival de Cannes em 2002, quando o filme chegou nesta parte.
E é difícil de assistir mesmo. A personagem além de ser submetida ao sexo forçado, como conclusão de toda a brutalidade, é ainda afligida à violência física, expressada da pior forma possível, com direito a socos e chute, fazendo com que insurja revolta e indignação em quem assiste.
O mais triste é que, o estupro é um dissimulado fetiche em nossa sociedade, fato preocupante e mais do que desvirtuado, e como a cena é estendida, o espectador ainda corre o risco de achar doentiamente excitante toda aquela violência sexual, o que torna o episódio ainda mais controverso.

Na verdade, a primeira impressão que eu tive ao tentar refletir sobre o filme é que Gaspar queria chocar e criar alvoroço, nada mais. Isso porque ele provoca o público com situações nauseantes e deliberadamente cruéis. Vi-me acuado com a descabida - porém realista - violência demonstrada. Destaque também para uma fortíssima cena em que um homem tem seu rosto destroçado por meio de um extintor de incêndio.
Então, questionei inicialmente se seria essa a razão de “Irreversível”, mostrar sem pudor a imundície da natureza humana que estupra, agride, mata, friamente, sem relevar as implicações de tais atos... Realmente não me decidi. Mas se for só isso, pensei “é justificável a idealização do diretor em optar por uma retratação tão empedernida?” Também não sei... Na verdade, as especulações ficam abertas à subjetividade.

Agora, se o filme tem alguma qualidade a ser ressaltada, é a ambiguidade do ser humano, muita bem delineada aqui, quando nos é apresentado um namorado romântico e pacato, que se transforma em um descontrolado, capaz de tudo para se vingar, impulsionado pela desgraça que lhe foi envolta.
Conforme adiantei, se vê que “Irreversível” não é um filme de massa, muito menos de proposta afeita. Vê-lo é realmente uma experiência crua, desgastante, intimidadora, intensa, espúria... e por aí vai.

Mas, pra concluir, ouso dizer que “Irreversível” não é um filme totalmente dispensável. Assisti-lo será uma tarefa complicada, mas se você optar por ver, faça, nem que seja somente para criar aversão no que diz respeito à pessoa do diretor e sua ideia subversiva de elaborar algo tão crível, sujo e traumático como é esta película.
O cinema precisa, relativamente, de momentos polêmicos e dissociativos como esse, para que a sétima arte se torne ainda mais epopéica. Mas que sejam momentos eventuais, pois se isso se torna recorrente, eu tenho medo das mentes fracas que veem filmes assim como inspiração para a maldade...
Não acontece de a arte imitar a vida, ou vice-versa? Pois é, é o que eu temo.

Filme "PASSE LIVRE" (2011)

2011-03-19T10:30:00.001-07:00

Um filme que tem à frente da direção os irmãos Peter e Bobby Farrelly ("Quem vai ficar com Mary?"; "O amor é cego"; "Ligado em você"; "Débi & Lóide"...), contando com Owen Wilson (“Marley & eu”) e jason sudeikis (“Saturday Night Lives”) como estrelas, o que pode se esperar?

Bom, dos manos diretores, se fosse há alguns anos, eu diria que a possível melhor comédia da atualidade. Já tirando pelos protagonistas, Owen Wilson nunca me convenceu, enquanto Jason, um tanto desconhecido, a não ser por sua atuação no mediano “Saturday Night Lives”, passou-me melhor impressão se comparado ao seu companheiro de filmagens, mesmo sendo Owen veterano.

Esta comédia retrata a vida de dois amigos adultos e casados, donos de uma notável e incômoda libido adolescente. Por tal motivo, os dois recebem de suas respectivas e expectantes esposas a liberação para curtirem uma semana de paqueras descompromissadas no intuito de os dois compreenderem a importância do amadurecimento etário e do envolvimento estrito e sem reservas com suas parceiras.

Filmes assim, lógico, não trazem nenhuma novidade. O foco é o mesmo de sempre, explorar o constrangimento que os astros principais irão passar. Alguns surreais, outros mais críveis, contudo, é somente isto.
A escatologia, os estereótipos, os personagens secundários excêntricos, as situações desconfortáveis em lugares impróprios, é no que se resume “Passe Livre”. É até difícil desviar-se do habitual ao analisar tal película, pois realmente o filme transborda inautenticidade, forçando a barra mesmo, numa tentativa desesperada de arrancar risos fáceis e descerebrados.

Sempre curti filmes cômicos que seguissem uma linha mais sacana, com algumas funcionais e empíricas gags, como os irmãos Farrelly costumavam fazer, e com certo requinte até. Eles atingiam o grau exato de irreverência sem cair no ofensivo. E mesmo que o fizessem, eram justificados pela singularidade. Porém, parece que essa parceria cineástica, que transcende o fraterno, caiu na própria armadilha do enredo de “Passe livre”. Eles atingiram assim a maturidade e agora não entregam mais produções ousadas e eficazes em suas propostas como antes. O que esclarece o resvalo final niquento e piegas da projeção, atitude recorrente nas comédias de hoje.

Durante o decorrer do longa é possível se entreter, rir um bocado, até mesmo se simpatizar pela dupla formada por Owen e Jason, mas ainda não é era o esperado.
Diria que Jason roubou a cena, ainda que me passasse a idéia de caricatura extrema. Owen, por outro lado, prefiro não me aprofundar. Sua inexpressividade, paradoxal a sua esgares, não pode ser perdoada nem mesmo em um filme que não exija tanto de seu desempenho como ator. Ele é estigmaticamente risível no pior dos sentidos.
Mas o que mais me aborreceu em detrimento do elenco, foi ver Christina Applegate, aqui encarnada no tipo “housewife”, tão inerte, sem seu conhecido e profuso timming para o gênero. Quem a viu no saudoso seriado “Married with children”, sabe do que estou falando.

No tocante a parte técnica do filme, os farrelly mantêm o mesmo estilo, sem muitas novidades, mas competentes no que fazem.
É claro que em “Passe livre” há resquícios do que os brothers farrelly tem de melhor, ao julgar pela composição de cada tomada, extraindo ao máximo a comicidade de seus atores, mesmo quando estes não são naturalmente divertidos. O problema é que a fórmula utilizada está agora desgastada, e perambular pelo absurdo para se render a sobriedade familiar final não condiz com o perfil que eles traçaram no início de carreira. Tempos esse em que Jim Carrey foi revelado e Ben Stiller era engraçado.

Voltando-se agora às cenas de "Passe livre", no geral, são demasiadamente impulsivas e embaraçosas, sem contar com o forçado comportamento importuno e púbere da dupla. Parece uma versão alternativa piorada de “Se beber, não case”, apostando em aparentes trintão-quarentões com uma esbulhada postura juvenil, beirando sempre o exagero.

O supramencionado desfecho teria um significado mais persuasivo se a previsível guinada que a trama teria não fosse tão óbvia. E insisto: não combina com os Farrelly comédias que se concluem de forma politicamente correta, por mais bonita e precisa que seja a mensagem.
É uma pena que tantos disparates conferidos em “Passe livre” tinham a única intenção de entregar um fim panfletário.
Jennifer Aniston e Adam Sandler devem estar se sentindo lesados neste momento.

Filme "DOCE VINGANÇA" (2010)

2011-03-13T20:29:00.000-07:00

Violência gratuita sempre foi uma questão objetável pra mim. Não vejo razão, justificativa, nem sequer atrativos. Incomodo-me, sinto repugnância... mais pelos doentes que produzem do que pelo plano de fundo dos filmes propriamente ditos.

Com seu irônico título, “Doce vingança”, o filme aqui em questão, é um dos mais atuais exemplares desse perfil desnecessário de cinema.

Nele, Jennifer é uma escritora que opta por alugar uma casa em um lugar recluso para concluir seu romance, em busca de inspiração. E graças à vida e suas nuances, ela é sexualmente brutalizada por um grupo de moradores adjacentes da região. Como represália, ela cria engenhosas armadilhas para se vingar de cada um.

O filme é um remake do sexploitation “A vingança de Jennifer” de 1978. E ao comparar os dois, posso dizer que é fácil identificar as mutações que sofreu “Doce vingança” no tocante ao original, pois cada projeção foi questionavelmente peculiar em seus propósitos.
No primeiro, lançado a mais de 30 anos, o tema era extremamente polêmico, autêntico e profligado por diversos países devido a sua exacerbada violência e misoginia. A ousadia se encontrava nas cenas de estupro e todo o clima sadomasoquista da situação, inclusive na vingança em si, quando a moça se “aproveitava” dos verdugos.
Já na refilmagem, datada, por sinal, a elaboração está nas armadilhas arquitetadas pela “vítima”, dignas de qualquer “Jogos mortais” da vida, visando somente o lucro sobre as mentes más e vazias que compõem grande parte de nossa civilização hoje; mentes estas que teimam em classificar isso como entretenimento.

Mesmo causando frisson na época e sendo revolucionário por sua audácia, “A vingança de Jennifer” caiu no esquecimento e tornou-se irrelevante para a sétima arte. Seguindo a oportuna retórica, o que dizer então de sua re-produção?
O niilista “Doce vingança” não se salva em nada! Nem mesmo a forte cena de curra sofrida por Jennifer – o estopim do filme –, fundamenta suas ações, afinal, seus feitos se igualam à “monstruosidade” de seus agressores, e ainda tenta dar a insalubre impressão de dever cumprido à anti-heroína.
O crime sexual e a vingança, basicamente o resumo do filme, nem sequer sugerem à narrativa uma silogia, logo, os argumentos também não tem respostas, tornando o filme mais incômodo por seus inúmeros porquês do que pelas cenas fortes.

Por exemplo: como alguém tão suscetível e indefeso, julgando-se assim pela situação, escapou sem sérias sequelas de uma investida tão cruel? Como seu contra-ataque conseguiu ser tão pragmático e rápido? O que motivou aqueles homens a cometerem tal ato? E como eles, com toda aquela hostilidade, tornaram-se - constrangedoramente - presas tão fáceis após mostrarem tanta habilidade para o sadismo?

Em suma, “Doce vingança” é um remake redundantemente “mais do mesmo”, regado de clichês e duvidosos arquétipos, apostando novamente em uma mocinha isolada, lugares ermos, jovens incompreensivelmente violentos, policial arbitrário, câmeras trêmulas com captações pessoais e fechadas, sem contar com todos aqueles “sustos” sem sucesso, sob o pretexto de brindar um “final feliz” após tanto sangue e mutilação.

Filme "BRUNA SURFISTINHA - O DOCE VENENO DO ESCORPIÃO" (2011)

2011-03-03T07:46:00.000-08:00

Raquel, uma jovem com os complexos físicos oriundos da idade púbere, mesmo sendo de uma família estabilizada financeiramente decide-se mudar de vida, o que culmina em sua fuga de casa. Sua decisão agora é tornar-se prostituta, e passa a usar o codinome “Bruna surfistinha”.

Qualquer marmanjo que se preze, já ouviu falar de Bruna Surfistinha. Ela ficou conhecida por relatar seus verídicos episódios sexuais com os clientes por intermédio de um blog. Mas alçou fama mesmo por ter seu diário virtual impresso em livro, o famigerado “O doce veneno do escorpião”, além de ter uma passagem transitória pela carreira pornográfica.
Para a moça isso rendeu entrevistas, participações em programas televisivos populescos, outros títulos publicados derivados de seu primeiro livro, e foi assim que “Raquel Surfistinha” instigou o diretor Marcus Baldini a retratar sua história em um longa.
Eu não tenho dúvidas que o filme será sucesso, afinal, foi bem divulgado, extremamente aguardado, é uma película naturalmente polêmica e posso adiantar que as expectativas não serão abaladas.

Primeiramente, porque o espectador, no caso os homens, que se decide por assisti-lo tem por inicial intenção ver apenas uma coisa: Débora Secco – aqui a protagonista na pele de Bruna – seminua em tórridas cenas de sexo. E verá.
Mais o filme vai além. Eu pressupunha que o filme seria apenas isso, cenas de sexo gratuitas sob o pretexto do tema, mas não. É claro que o filme não é o melhor exemplo do que é ser profundo ou introspectivo, mas ele é sincero.

O tema por si só é difícil de abordar, e na maioria das vezes, os que optam por trabalhar o mesmo transmitem a impressão bifurcada de moralismo ou apologia. Mas aqui nada é desmedido ou transtornado.
O diretor foi, em tese, fiel ao livro, sendo transparente e, por vezes, imparcial, pois o roteiro apresenta a história sem focar nitidamente em julgamentos.
Porém, ainda assim o filme não deixa de ser didático em alguns pontos, pois a narrativa, gradativa e implicitamente, tenta justificar alguns dos, digamos, "desvios de caráter" da personagem.

No filme ela está mais para uma adolescente vingativa, autopunitiva, que tenta conquistar pelo corpo o que lhe foi negado, como: atenção familiar, respeito dos colegas, destaque entre as meninas...
No livro ela é mais complexa, do tipo rebelde sem causa - se comparado a sua família estruturada -, escolhendo a vida libertina simplesmente pela sua simpatia e vaidade inerente ao sexo.
Pode-se até dizer que incoerência entre filme e livro se dá somente em sua essência, mas nada que prejudique a ideia em si, afinal, a descrição das situações pelas quais ela passa, juntamente com a cronologia dos fatos, estão de acordo.

Quanto à sobredita protagonista, Débora Secco, esta foi precisa em sua atuação. Surpreendeu-me até, já que eu nunca a vi como uma atriz destacável.
A princípio, apresentando Raquel adolescente, ela aparenta involuntariamente desconforto e insegurança, mas nada que a comprometa seriamente, diria até que tal fato auxiliou sua representação, afinal, vivenciando uma situação como a da personagem, ela deveria mesmo sentir-se confusa e despreparada.
O único problema quanto à reprodução deste exato período da vida da protagonista se dá no tratamento pouco convincente dado a aparência de Débora. É visível a idade da atriz, ainda mais quando ela interage no colegial. Por outro lado, na fase adulta, eu não consigo ver ninguém mais apropriado que ela para interpretar tal papel. Destaque também para o seu físico que não poderia estar em melhor forma, nem mais exuberante. É elogiável a absorção e dedicação que ela teve com a personificação de Bruna.

Mantendo o foco ainda na performance de Débora Secco, sem dúvida, segundo ela mesma, teve em “Bruna Surfistinha - O veneno do escorpião” seu maior desafio. Na maior parte do tempo ela está intensa, compenetrada, até caricata – o que pode ser conferido nos momentos em que apresenta o vício da personagem por cocaína. Mas são nas cenas de sexo – catálises de toda a metamorfose de Raquel – que Débora precisa transferir ao espectador verossimilhança, ao invés de pura apelação visual. O que também não impede que o filme se descambe em cenas de sexo – para o delírio dos mais sedentos –, o que no caso, não é exatamente negativo. Convenhamos que a história não teria lógica se seguisse pelo recato.

Enfim, o filme termina de forma aceitável, diria até que elegante, somando aí mais um ponto para o cinema nacional que não tem feito feio nos últimos anos.
Eu não poderia ser muito exigente no tocante a parte técnica, até porque a proposta do filme é expor a vida de uma garota de programa que "se regenerou" e alcançou fama. O que se espera de uma história assim, foi visto aqui, com certeza. Só isso é suficiente para prestigiarmos a projeção.

Filme "ENROLADOS" (2010)

2011-01-21T11:24:00.000-08:00

A Disney sempre enalteceu a imagem das figuradas intituladas como “princesas”, tornando-as sonho de consumo entre a maioria das garotinhas, e uma de suas marcas registradas. Ultimamente até mesmo a forma de retratá-las tem sido tão variada, quanto constante, desde o tradicional formato em desenho animado, como visto no recente “A princesa e o sapo” – este inova pelo fato de a princesa ser a primeira representante da raça negra –, a versões live-action, como no chatíssimo “Encantada”.

Agora, como era de se esperar, nos aparece à estória de Rapunzel, diria até que tardiamente, debutando como a primeira princesa em animação CGI.

Como acontece em todo desenho que leva o nome Disney, este é também embalado por uma trilha sonora enfastiada, sob um clima totalmente pueril, contando com a presença de personagens secundários, normalmente animaizinhos exóticos, responsáveis por todas as piadinhas mais do que batidas.
É claro que isso não resume “Enrolados” – o título mais masculino que encontraram para Rapunzel, na tentativa de tornar a estória unissex –; o filme é bom e tem seus momentos, tanto engraçados como romântico. Destaque para a cena do lançamento das lanternas iluminadas ao céu, recheada de brilho e enlevo, tanto visual como climático, por assim dizer.
Mas não posso negar que sinto a saturação rodear o gênero. Quando se trata de Disney então, a lista extensa de princesas e historinhas do tipo, já deu o que tinha que dar.

Tudo bem que a direção de Byron Howard (da também animação “Bolt – o super cão”), compartilhada com o desconhecido Nathan Greno, deu uma repaginada no estilo, na ambientação e na estrutura desse antigo conto de fada, conforme comprova-se aqui, ressaltando a princesa, já não tão ingênua, e o príncipe, sob efeito do bastante utilizado recurso de desmoralização da classe, bem mais interessante que os convencionais... Mas ainda assim, eu não consigo deixar de ver “Enrolados” como um filme bobinho que, logo será apontado como mais um integrante do time das animações-carbono que dão sequência a esse novo perfil, digamos, um tanto "subversivo", de príncipes e princesas. Afinal, esse tipo de ideia alternativa não é tão novidade em animações de estúdios concorrentes, como já vimos, muito bem representados por sinal, em “Shrek” e “Deu a louca na Chapeuzinho Vermelho”. E convenhamos também que, "Enrolados" não tem a mesma intensidade e sagacidade dos sobreditos.

E não tem porquê falar mais sobre isso... Eu sei que o máximo que se dá pra fazer em um filme infantil foi feito aqui, pois estamos falando de um filme que tem como público-alvo, pelo menos nominalmente, as crianças. Ou seja, é o tipo de filme que não se pode esperar muita inovação, pela necessidade que seus infantes espectadores tem de algo que seja facilmente compreensível. Até mesmo as histórias de amor adultas estão seguindo uma linha padronizada e desgastada, seria então covardia esperar mais de uma animação infantil.
O que me incomoda mesmo é o tema. E olha que eu sou um acompanhador assíduo de filmes dessa espécie.
Mas, sem problemas, não vou tornar isso motivo para desqualificar o filme. A qualidade do mesmo está acima da média e marca o retorno da diversão nos filmes Disney, o que há tempos não podia ser conferido. E não posso negar que o casalzinho aqui tem uma química admirável.

Os efeitos tridimensionais estão em perfeita sintonia, apesar de eu não ter gostado muito do aspecto do cabelo da heroína – acho que foram descuidados em alguns momentos com ele deixando-o sintético, sei lá, ainda mais se tratando de um detalhe tão pertinente –, mas o restante está bem desenvolvido e adequado a proposta do longa.
A verdade é que o maior atributo de "Enrolados" se acha mesmo em seu gráfico, como já dito. O cavalo Maximus é super divertido, o camaleão tem suas tiradas, Rapunzel é fofa e o princípe, trocadilhamente falando, encanta (!!), mas o visual realmente é o ponto forte!
Enfim, eu o recomendo, pois é um filme proveitoso, apesar de eu ainda resistir à idéia por se tratar de mais um filme de princesas.

Filme "SEX AND THE CITY 2" (2010)

2011-01-20T19:18:00.001-08:00

Apesar de muitos espectadores masculinos terem o acompanhado, até quem não assistia sabe que o extinto seriado “Sex and the city” foi um produto televisivo estrito e premeditadamente feminino.

O sucesso da série foi inevitável, e seus derivados longas cinematográficos também, entretanto, por mais que tais filmes transpareçam inutilidade, infelizmente a opinião formada na mente dos fãs será, até que se prove o contrário, positiva.

Eu acompanhei descompromissadamente alguns episódios do seriado, e confesso que até tinha simpatia pela série, mesmo quando os questionamentos levantados eram rasos ou extremamente feministas – afinal, quem assistia o seriado, sabia do que se tratava.
Porém, com este segundo filme, estas questões foram se acentuando e ganharam dimensões à beira do ridículo.
Eu cheguei a comentar o primeiro filme da série, podendo assim identificar qualidades e deformidades na fórmula usada no mesmo. Diria até que, o primeiro foi uma bela homenagem mesmo sendo-o deficiente em sua estrutura. Já do segundo eu não posso dizer o mesmo, aliás, não tenho muito que dizer...

Começo pelo fato de eu não me lembrar que as personagens na série eram tão superficiais, a ponto de poder reduzi-las a meras escravas da moda aqui. A dependência das mesmas em torno de homens e roupas chega a incomodar até mesmo o mais leviano dos seres humanos!
Na verdade, a identidade de cada uma, que era meticulosamente definida a cada temporada, foi totalmente desfigurada neste segundo filme. Eu só consegui ver quatro senhoras sem noções de limites, sem um resquício qualquer de maturidade – mesmo, involuntariamente, ostentando idade –, sob um ar de glamour totalmente imposto, vivenciando situações irrelevantes que, por assim dizer, não justificam boa parte do drama que o filme se esforça, infrutuosamente, em passar.

Nem mesmo todo o luxo que permeia os figurinos e os cenários consegue desviar a atenção do pobre roteiro, que não tem rumo, foco, muito menos objetivo. A esquálida trama se resvala em roupas exóticas e festas socialmente frívolas, parecendo mais se importar com a exibição desenfreada do mais excêntrico da indumentária moderna, do que contribuir para com a história da série que, em algum momento, teve importância no mundo dos seriados.

Não posso me esquecer também de comentar sobre o desgaste dos conflitos pessoais das personagens, o que é notável e incômodo. Digo isso porque a personagem central, Carrie Bradshaw, vivida por Sarah Jessica Parker, não tem mais charme. Ela está amorfa, irritante e mais indecisa que antes. O mesmo digo de Samanta, outra personagem que perdeu o brilho, tornando-se uma mulher neurótica em torno da idade, mesmo isto sendo, no caso dela, preocupante.

"Sex and the city - o filme" tinha conteúdo, ou pelo menos um tema – o casamento de Carrie –, o segundo, no entanto, não tem nada, a não ser participações dispensáveis e um bocado de momentos desconfortáveis. Lisa Minelli me fez perder o sono – no mal sentido – com sua pontinha mais do que burlesca e nonsense.
A estadia das quatro protagonistas em terras árabes então foi extremamente surreal e maçante, dominando praticamente a metade do filme. O pior de tudo foi ver mulheres típicas da região, geralmente reprimidas pela cultura do local, se rendendo a “clubes do livro” e se “refugiando” em roupas ocidentais, que elas suprimiam por meio de suas burcas, como se consumismo e futilidade fossem resposta para a felicidade.

O final previsível, comportado e clichê, com todas as resoluções positivas deixou tudo ainda mais chato.
Mas como citei no início, não adianta analisar, nem bombardear “Sex and the city 2”. Quem curte, irá assisti-lo e aprová-lo, mesmo o filme sendo uma perda de tempo. Contudo, se você não é um fã cativo da série, mas tem curiosidade sobre o filme, corra, mas corra muuito dele! Pois o filme além de ser vazio, é extremamente longo.

VALEU PELO CARINHO!!!

2010-10-08T08:20:00.000-07:00

Este é só um espaço para agradecer a todos os que comentaram minhas críticas, e os que estão me seguindo.
Eu estou de volta, já escrevendo. É só aguardar as postagens.

Abraços!!

FIlme "O AMOR ACONTECE"

2010-03-06T07:37:00.000-08:00

Dentre tantos filmes românticos produzidos em 2009, “O amor acontece” é um dos poucos em que o substantivo “amor” inserido no título não foi uma escolha oportunista do gênero, pois esta é, literalmente, a tradução de “Love happens”.

Porém, por incrível que pareça, justamente quando ocorre de o título original explicitamente sugerir o romance, como neste caso, na prática o mesmo não é eficiente, embora ainda sirva de alento para àquelas - gênero feminino, por normalmente ser este o público-alvo - que se julgam apaixonadas ou desiludidas.

Pois bem, logo na primeira frase do filme nos é entregue um conceito ultra-batido: “quando a vida te dá limões, você pode ficar chateado ou fazer uma limonada...”. A partir daí é possível deduzir o quão previsível e convencional é o filme.
Nele, Jennifer Aniston é Eloise, uma florista independente, recém-solteira, dona de seu próprio e suficiente negócio, no qual com sua vã no estilo “Scooby-Doo”, faz entregas em locais variados. Em meio as tais entregas, por acaso ela conhece o escritor Burke, interpretado por Aaron Eckhart (“Sem reservas”), um homem que perdeu a esposa em um acidente de carro e, para amenizar a sua dor, decidiu escrever um livro sobre o assunto. Ao contrário do que planejava, seu livro se torna um best-seller, motivo pelo qual ela passa a dar palestras motivacionais.

O ator Aaron Eckhart até está bem em sua atuação, transmitindo com precisão o leve transtorno e a autocensura do personagem. O único – e significativo – problema é que, sua composição é moldada sob um dos estereótipos mais antiquados: o cara benevolente e pouco experiente no quesito "paquera".
Em razão disso, quase tudo o que se possa imaginar de clichê e lugar-comum está presente em “O amor acontece”, contando ainda com a participação irritante dos melhores amigos excêntricos e semi-engraçados dos personagens centrais que, não somam nada a estória.

De certa forma, eu já imaginava que o roteiro seria levado por uma linha desgastada e óbvia, na qual os momentos típicos do gênero apareceriam sequencialmente, só não sabia que seria numa escala tão proeminente.
Temos aqui o frustrante encontro inicial do casal, com o personagem masculino voltando atrás em sua performance inicialmente desajeitada, para tentar reverter à má situação causada por sua distração; temos também a hora desconfortável em que a genitora de um deles os coloca em uma saia-justa; entre outros fatos e argumentos exaustivamente habituais que não faz em diferença se citados ou não.

Entretanto, o que mais me aborreceu em “O amor acontece”, foi o grupo de pessoas que interagia com Burke (Aaron) na intenção de aprender a lidar com a perda de entes queridos. Tinha um que resistia aos argumentos do escritor, porém, a maioria era manipulável e excessivamente receptiva às suas idéias, aparentando uma forçada e ingênua passividade se comparado à realidade. Ainda pior foi aturar as insuportáveis palestras de superação prelecionadas por ele, sem qualquer habilidade para realizá-las.
Jennifer Aniston, por sua vez, estrelou filmes razoavelmente bons ao longo de sua carreira como, “Fora de rumo”, “Separados pelo casamento”, “Marley & eu”, entre outros, no entanto, ao optar por estrelar este filme com cara de repeteco, inconscientemente, ela marca um retrocesso em sua filmografia.

Voltando agora ao sentimento “amor” sugerido pelo título, no contexto ele é totalmente nominal e indeferido, uma vez que Jennifer e Aaron não tem química, e nem sequer um beijo é dado entre eles durante o decorrer da projeção. Sendo assim, tudo parece não passar de um flerte inexperiente que, consequentemente, não incita qualquer torcida ou expectativa em prol dos dois.
E como se não bastassem tantos deslizes, os diálogos são pobres, o decorrer da estória é morno e quase sem empecilhos, e a trilha sonora tão adocicada como se tivesse se inspirado nos melosos clássicos da Disney.
Um dos poucos momentos prazerosos desta película envolveu uma calopsita; cenas estas que valem a pena serem conferidas, graças ao carisma do bichinho que, realmente é um artista, ao contrário de outros componentes do elenco.

Enfim, nesta suposta estória de amor, a direção deliberadamente despeja gratuitas sessões de auto-ajuda, tornando tudo muito melodramático e piegas. Inclusive, pesando a mão em algumas questões que poderiam ser revistas, como a cena do caminhar sobre brasas (????).
Após tal análise, só resta dizer que, ironicamente acontece de tudo um pouco neste filme, menos o tal amor...

Filme "GUERRA AO TERROR"

2010-02-26T08:51:00.000-08:00

Eu já havia assistido, em meados do ano passado, o filme em questão “Guerra ao terror”, logo que lançado diretamente em DVD, e por incrível que pareça, quando o vi não achei grande coisa, nem sequer fiz questão de pesquisar sobre o tal para possivelmente comentá-lo.

Mas ao que parece, sua repercussão inicialmente chocha em nosso país ficou restrita ao nosso território, porque o filme é simplesmente sucesso absoluto, e um dos mais cotados para o Oscar deste ano como melhor filme, apontado até como grande ameaça ao favoritíssimo “Avatar” de James Cameron.

Bom, diante deste fato eu tenho que perguntar: como isso aconteceu? Eu simplesmente fiquei pasmo, boquiaberto, sem qualquer reação diante dessa notícia. Não fazia ideia de que eu havia visto antecipadamente o filme sensação da vez de forma tão despercebida.
Como não poderia ser diferente, eu fiz questão de o rever com toda a meticulosidade necessária, e compreendi então, sem qualquer oportunismo, o porquê de todo esse “boom” em torno dele.

Indispensável é afirmar em um momento tão propício que há inúmeros filmes proveitosos do gênero bélico como, o oscarizado “Platoon” de Oliver Stone e o clássico “Apocalipse Now” de Coppola, pra mim os mais consideráveis. No entanto, não preservo qualquer simpatia pelo universo cinematográfico das forças armadas, obviamente por isso eu não me envolvi a princípio com “Guerra ao terror” – eu até cochilei em boa parte dele.
O meu argumento para sustentar meu desinteresse nesse caso, vai desde a mesmice do próprio tema a antipática abordagem patriótica. Só que em “Guerra ao terror” algumas de suas particularidades mudam o aspecto negativo que tenho com relação a filmes de guerra, e tudo isso se deve ao diferencial que o mesmo apresenta, começando por seu baixo orçamento. Normalmente em produções assim o custo é dispendioso e o protagonista costuma ser do tipo “figurinha fácil”, mas este, com apenas U$ 11 milhões (mixaria se comparado aos seus antecessores) ,e com um elenco pouco expressivo, exceto pelo ator David Morse, conseguiu com muita competência ser a surpresa - exceção da vez.

Tudo começa de forma dispersa e pouco envolvente, e sua narrativa altamente lenta, como já dito, chega a provocar sono nas primeiras tomadas. No obstante, a trama notavelmente extensa com seus 131 minutos, gradualmente vai ganhando outro rumo a partir de sua metade, desde então a emoção e a adrenalina não deixam mais o espectador. O curioso é que o foco não se dá pelas explosões, confrontos ou tiroteios em si, mas sim, pela tensão em torno dos soldados.

A guerra (claro...) se passa no Iraque e atenta-se em específico ao personagem sargento William James (Jeremy Renner), integrante de uma unidade do Exército americano em Bagdá especializada em desarmar bombas. Juntamente com ele temos outros dois militares, o sargento J.P. Sanborn (Anthony Mackie), e o soldado Owen Eldridge (Brian Geraghty). E sob a visão destes três personagens é que vemos o verdadeiro teor de um combate: seu lado viciante e insano. O que envolve consequentemente outros fatores também como: a pressão psicológica; a inquestionável submissão em grupo a ordens reacionárias; a aliciante imagem de heroísmo; e, não menos importante, a desprendida dedicação pessoal a missão... tudo transmitido com um realismo impressionante.
As cenas de tocaia são as mais angustiantes e convincentes a meu ver. Sem contar com os momentos apreensivos que os militares passam ao se depararem com situações de desarme de bomba. Tudo graças à elogiável linha traçada pelo roteiro de Mark Boal, que verificou a fundo o cotidiano de um exército durante semanas por volta de 2004.

As atuações são precisas e críveis, sem ter onde pôr defeito, principalmente em relação à intensa interpretação de Jeremy Renner como o sargento Willian James, bastante aproveitada graças aos belos e inquietos ângulos captados de suas cenas.
Agora, o que me deixou desconcertado foi ver a ótima direção de Kathryn Bigelow – ela, ex-mulher de James Cameron, seu maior concorrente na corrida rumo à estatueta – junto a “Guerra ao terror”. Quem diria que um trabalho tão comentado e positivamente criticado seria fruto de um trabalho feminino? Não que eu julgue mulheres incapazes, por favor, mas alguém há de convir que seja extremamente raro encontrarmos uma cineasta que não opte por estórias mais delicadas e sob uma ótica um tanto cor de rosa. Portanto, devido à ousadia de Kathryn, rompendo barreiras, inclusive com pouco recurso, esta obra se torna ainda mais admirável.

Quanto ao final do filme, este é sem dúvida o momento mais emblemático, concluindo com louvor o que foi expresso no início do filme por meio de uma frase: “a guerra é uma droga”. Se fazendo entender que assim o é não só pela dissimulada estupidez de sua causa, mas também pelo seu efeito viciante. Afinal, se de alguma forma, por mais doentio que pareça, a guerra não fosse prazerosa ou gratificante, tais batalhas já teriam sido extintas em nossa sociedade que se diz evoluída e civilizada.
Enfim, diante de tantas qualificações, apesar de seu início paulatino, “Guerra ao terror” merece sua atual ascensão. E como eu faço parte do movimento que não se fascinou com o bazófio “Avatar”, embora não o desmereça por isso, minha torcida, além de minha recomendação, lógico, é incontestavelmente direcionada a projeção sob os cuidados Kathryn Bigelow, que conseguiu me render inteiramente a uma obra sobre guerra.

Filme "À PROVA DE FOGO"

2010-02-24T07:05:00.000-08:00

Que a atual safra cinematográfica tem se concentrado em estórias tragicamente violentas não é novidade. Assassinatos, sequestros, suicídio, desaparecimento, rompimentos amorosos, entre outras infelicidades, são alguns dos assuntos já tratados. Porém, ainda que tais temas elevem o impacto diante do público, simultaneamente, eles não caem no gosto do mesmo. O que é compreensível, pois ao nos depararmos com um dia-a-dia desesperador, espera-se no mínimo uma abordagem mais suave de nossos problemas civis no cinema, nem que seja casualmente.

E por falar nisso, Alex kendrick, o inexperiente diretor e roteirista cristão, que tem como seu maior trabalho o irregular “Desafiando gigantes”, reaparece com mais uma estória sobre vitória pessoal agora intitulada como “À prova de fogo”.
Neste, a estória gira em torno de Caleb, um bem sucedido capitão dos bombeiros, que está passando por sérios problemas conjugais, devido as diferenças que impera entre ele e a esposa.
Ele é um homem ambicioso e impaciente que visa sua carreira e seus bens acima de tudo, alternando seu tempo entre trabalho e pornografia na internet. Sua mulher, por outro lado, carente e decididamente distante - reflexo do tratamento que recebe do marido -, parece se interessar por outro homem em seu trabalho.
Apesar de não ser um filme intenso, Kendrick consegue desta vez, e com muita coerência, se aproximar da rotina de um casal normal. Ainda mais quando este enfoca as discussões entre os cônjuges e os motivos pelos quais elas surgem. Até me lembrei de “Separados pelo casamento” nesse sentido.

Umas das características mais marcantes de Kendrick como diretor é sua sede por retratar estórias de superação. Sem muita experiência e sem muita verba para dar vida a projeções no mínimo respeitáveis, ele sempre mantém a mesma linha, buscando finalizar suas tramas de forma positiva e exemplar.
Nesta película não é diferente. O casal tem um árduo caminho para reatar os fragmentos de seu casamento que, apesar de não estar oficialmente desfeito, na prática já não existe qualquer indício de intimidade e cumplicidade.
E esse dificultoso caminho rumo à resutaração matrimonial tem início quando o pai de Caleb, percebendo então o iminente divórcio do filho, propõe-lhe um método denominado como “desafio do amor”, que consiste em colocar em prática um simples programa de 40 dias no qual a pessoa realiza pequenas atividades diárias com o objetivo de reconquistar o parceiro.
Caleb, então, ainda relutante, parte nessa jornada. E mesmo sob uma narrativa extremamente corriqueira, tudo é contado de forma bem eficiente e objetiva. Diversas das dificuldades enfrentadas por Caleb ao tentar se adaptar ao plano oferecido pelo pai são totalmente críveis e visivelmente torturantes, pois envolvem submissão, mudança de temperamento, abdicação de diversos defeitos causados pelo ego, a lascívia e a vaidade, visto que o maior empecilho é o próprio “eu”.
Até o slogan estampado na capa do DVD, transmite apropriadamente esse ideal: “Nunca deixe seu parceiro para trás”. Um dual significado em relação a Caleb por se aplicar tanto para bombeiros quanto para casais.

No entanto, a possível qualificação do filme se resume estritamente em sua proposta, pois este tem múltiplos problemas, desde sua estrutura à parte técnica. Tendo ainda a "contribuição" do superficial desempenho dos aspirantes aqui – recuso-me a chamá-los de atores, porque falta muuuito para tal classificação.
O desfecho também não é muito interessante devido a sua previsível e fácil resolução. Por isso, “À prova de fogo”, repleto de inúmeras e notáveis limitações, inclusive textuais, se salva por um específico, sobredito e elogiável ponto: inspirar casais em crise.

Muitos das críticas que li sobre o filme, reclamaram da essência maniqueísta que ele transpassa. Também pudera, o mesmo é catalogado como um filme cristão, então, não haveria outro foco. Porém, a questão maior é que muitos se incomodam exatamente pelo filme seguir o gênero “religioso”.
A meu ver, qualquer pessoa, seja de qual religião for, quando se tem algo consistente a dizer, merece ser ouvida. Preconceitos relacionados a crenças deveriam ser ignorados no que diz respeito a cinema, pois cada indivíduo tem capacidade o suficiente para distinguir o que deve ou não ser absorvido por si.
Em “À prova de fogo”, acima de qualquer discursivo religioso, panfletário ou dicotômico envolvendo o bem e o mal, é um longa que vem com ótimos princípios sociais.
Entre tantos filmes vazios e desconexos presenciados no mundo da sétima arte, este tem um objetivo totalmente altruísta. Seus argumentos para se salvar o casamento são consistentes e adaptáveis a qualquer pessoa, independente da enaltecida inspiração divina reconhecida pelo protagonista quando este se decide por viver o programa de 40 dias. E se a retratação cai no clichê, posso certificar que não é o único filme a recorrer a essa medida, a diferença é que o fim de tudo vai além do simples fato de emocionar gratuitamente o espectador. Sendo assim, eu o considero um bom filme; um filme que tem uma razão e se esforça por transmiti-la sem ofender.

Enfim, resumindo, eu faço um apelo: não ignore seu senso crítico ao assistir “À prova de fogo”, apenas deixe seu egocentrismo de lado, e da forma mais humilde possível, tente assimilar as mensagens positivas emitidas pelo mesmo. Como já dito, dentre tantos filmes hollywoodianos negativamente influenciáveis e propositalmente polêmicos, esta simples película independente, despretensiosa e bem intencionada não o fará perder tempo ao vê-la, você só precisará se desprender de alguns conceitos negativos para deleitar-se com ele de forma plena. Não é fácil, mas também não é impossível.

Filme "UM OLHAR DO PARAISO"

2010-02-24T06:46:00.000-08:00

Se algum dia o diretor Peter Jackson fez por merecer qualquer reconhecimento em relação à sua carreira, foi devido à trilogia "O senhor dos anéis", e talvez, também pelo ótimo remake de "King Kong". No entanto, ao falar de "Um olhar do paraíso", seu mais novo filme, não consigo pensar em outra definição que não seja essa: trivial.

A estória de uma menina assassinada que busca resolver seu caso do além, por seu assassino ainda estar à solta, não soa, a meu ver, nada interessante.

Eu cheguei a pensar que depois das adaptações literárias e remake tão criativos e bem produzidos, Peter Jackson seria capaz de, satisfatoriamente, dar vida a todo tipo de obra que fosse... ledo engano. O mesmo que cometi com o diretor dinamarquês Lars Von Triers, até assistir “Anticristo”.

“Um olhar do paraíso”, mesmo sendo também uma materialização literária, além de explanar uma estória pouco atraente e nada inovadora (não me lembro de nenhum filme em específico, mas sei que já vi filmes similares), o faz de forma batida e um tanto lânguida. Isso pra não dizer desagradável.
Porém, os problemas deste longa não se limitam à trama em si. Ao pesquisar um pouco sobre o filme descobri que o mesmo foi rejeitado pelo público em suas primeiras exibições, resultando-se assim em sua suspensão nos cinemas, tudo para reformular a campanha de marketing, em que o retornariam mais chamativo aos adolescentes – estes mais fáceis de engambelar...

Se toda a alteração com a publicidade funcionou com o, digamos, agora público-alvo, não posso ao certo dizer, mas ao me basear na estória em si, ouso arriscar um palpite desprendido de qualquer expectativas, pois, a crítica americana a bombardeou implacavelmente, e nesse caso, com toda razão.
E como não poderia ser assim? O roteiro por si só é uma tristeza - e no sentido literal da palavra. As falhas são gritantes, a narrativa não se decide por qual gênero seguir, enquanto o visual do filme, apesar de belo e ligeiramente exibido, não deixa de ser demodé. O enredo até tem suas parcelas de terror, suspense e fantasia, mas no fim não passa de uma salada sem nexo, sob uma estendida e maçante duração.

Por outro lado, o elenco quanto as suas interpretações está muito bem, destacando, claro, a airosa jovem Saoirse Ronan ("Cidade das Sombras") como a infeliz assassinada, em um exemplo de delicadeza e sensibilidade.
Mark Wahlberg (“Fim dos tempos”) como o pai da moça na estória, está com um visual, pode-se dizer, repaginado e bem jovial (totalmente incoerente se comparado a aparência de sua filha na estória). E como sempre, sua interpretação quase indecifrável não passa da mediania, o que para ele é um elogio.
A mãe é feita por Rachel Weisz (“Constantine”), esta sempre bem em tudo que faz. O único problema que ronda sua personagem é a ausência sem mais nem menos da mesma na estória, muito mal desenvolvida por sinal.

De qualquer modo, eu acredito que a estória não emplacou por de fato ser extremamente incômoda e mórbida.
Pense: que sentido tem o espectador presenciar o hediondo assassinato de uma jovem e por duas horas vê-la postumamente sofrendo, e assim também seus pais, sabendo que, obviamente, ela não terá um final dos mais dignos?
Tudo bem, ela vai pro céu, aparentemente o melhor destino após o seu precoce fim. Porém, mesmo assim, a circunstância que a levou até o dito paraíso não deixa de ser deprimente. O que fica ainda pior ao presenciarmos um céu tão limitado e tatibitati como o representado aqui.

Sem mais a dizer, concluo com o seguinte pensamento: a experiência de assistir "Um olhar do paraíso" só me fez confirmar que a competência de alguém pode ser tanto relativa quanto temporal, afinal, todos somos suscetíveis a erros ...
Pra quem não entendeu, essa necessária ressalva é uma negativa indireta ao desempenho do diretor Peter Jackson, do qual eu esperava mais... pelo menos algo que fosse superior a uma perspectiva clichê e um céu chinfrim.

Filme "LUA NOVA"

2010-02-18T13:53:00.000-08:00

Stephenie Meyer, a criadora da saga “Crepúsculo”, obviamente não é nenhum exemplo de eloquência e autenticidade na arte de redigir, mas temos que reconhecer sua elogiável sagacidade, afinal, criar uma estória batida que relata a interação de uns poucos humanos com utópicos vampiros, envolvendo duas dessas distintas figuras em um romance shakespeariano, e a transformar em uma febre tanto literária quanto cinematográfica, não é pra qualquer um.

Ao contemplarmos sucessos juvenis cinematográficos como “Harry Potter”, também adaptação de uma obra escrita, é compreensível devido à ação da estória, aos temas atrativos, sempre evoluindo e recriando, ao contrário da série idealizada por Meyer que dá lugar somente a tramas excessivamente açucaradas, regadas de insipidez, lamúria e bastante pó compacto. Sem falar de seus títulos altamente ingênuos e romantizados – cada um indica o momento pelo qual a protagonista está passando, relacionando metaforicamente o sentimento dela às variantes da lua.
Se eu pudesse indicar um nome para um suposto quinto livro, seria “Minguante”, pois assim tal título fecharia com “chave de ouro” a estória, compendiando totalmente a qualidade da mesma num todo: mirradinha, mirradinha...

Bom, optando eu por comentar sobre a segunda edição de “Crepúsculo” intitulada como “Lua nova”, adianto que o foco continua sendo o amor do descorado vampiro Edward e da insossa humana Bella. Porém, desta vez a película retrata o pior momento da vida da mocinha: quando seu amado a abandona.
Pormenorizando, Edward decide deixá-la ao perceber o quão inseguro é para ela manter-se ele próximo com tantos vampiros em derredor.
A partir daí surgem as cenas mais irritantes e risíveis do longa: a desilusão de Bella, com direitos a chiliques e muita histeria – lastimável ter presenciado isso.

Mas confesso que para o público se envolver realmente com a estória é necessário se ter qualquer familiarização que seja com os livros, pois se assim não o for, muitos detalhes não farão sentido, como por exemplo, o clã dos vampiros, totalmente esquemático e sem sustentação.
Inclusive, muitos são os furos temporais para adequar a extensa trama do livro ao filme, como o fato de Bella em menos de 12 horas conseguir realizar uma viagem que no livro é descrita sob a duração de três dias.
Sendo assim, muitos detalhes foram fiéis ao livro, enquanto outros importantes foram sem mais nem menos cortados ou desvirtuados aqui, mesmo com o filme tendo aproximadamente 2hr de duração. Ou seja, um tempo bastante justo para se retratar um romance tão simplório.

A caracterização dos vampiros continua berrante e exagerada, em que purpurina e maquiagem rolavam a solta nas composições. Por outro lado, os lobisomens, agora realmente visíveis e consideráveis, não necessitam de se travestir, basta apenas ficarem sem camisa e esperar que os efeitos especiais – melhores, por sinal – façam todo o trabalho de inseri-lhes pêlos e garras.
E por falar em lobisomens, se existia algum motivo pelo qual o ator Taylor Lautner, que vivencia o personagem Jacob, chamava a atenção no primeiro filme, era pela quantidade de cabelo que o mesmo ostentava. Agora em “Lua nova”, sofrendo seu personagem uma reviravolta plástica, sob o efeito de alguns exercícios físicos e total extirpação de suas madeixas, ele rouba a luz dos holofotes, quase empalidecendo – ainda mais – a presença de Robert Pattinson.
E essa dedicação toda dele ao papel quanto à exigida aparência sarada do personagem, foi necessária, porque se ele não adquirisse pelo menos mais 14 quilos de massa muscular, o papel não seria seu.
Mas, asseguro as garotas de plantão que não se entusiasmem, porque o máximo que ele faz é aparecer descamisado no melhor estilo Marcos Pasquim em seus tempos áureos de novela das sete da Rede Globo.
Se bem que para elas isso é razão suficiente para criar alvoroço em torno dele.

A direção desta vez ficou ao encargo de Chris Weitz (“A bússola de ouro”), substituindo Catherine Hardwicke, no entanto, parece que a cada sequela a direção será aventurada por outro profissional. No terceiro longa, denominado como “Eclipse” (aff...), já se sabe que o responsável é David Slade.
Pelo menos este tem experiência em criar figuras vampirescas mais interessantes, baseado em seu trabalho à frente do terror “30 dias de noite”, também encabeçado por vampiros, só que, digamos, menos dóceis.

E como não poderia ficar de fora, minha análise sobre o desempenho da mocinha Kristen Stewart, constatou que esta continua desinteressante e apática, só que desta vez sua representação afetada me fez questionar a estabilidade psicológica de sua rasa personagem, pois tanto descontrole e renúncia em torno de um vampiro não indica muito equilibrio emocional.
Por sua vez, o galã da saga Robert Pattinson, em relação a “Crepúsculo” apareceu bem menos nesta continuidade, o que também não fez diferença. A meu ver, seu personagem continua chato e indecifrável.
Quanto ao restante do elenco, sob um apanhado geral, não tem muito que se comentar. Ninguém, nem mesmo os estrelas da vez brilham aqui – a não ser Pattinson sob a luz solar... brincadeirinha.
Até mesmo Dakota Fanning, sempre reconhecida e enaltecida por mim devido ao seu trabalho, ao fazer parte do elenco em uma participação pouco aproveitada, se mostrou mais convencida do que convincente.

Enfim, “Lua nova” é um filme volúvel, sem grandes expectativas, que visa mais agradar as enlouquecidas fãs a se manter consistente.
Sem dúvida é melhor e mais movimentado que o primeiro, mas, ainda assim, continua sendo uma projeção meia-boca de se ver.

Filme "RESISTINDO ÀS TENTAÇÕES"

2010-02-05T07:22:00.000-08:00

Beyoncé por ser a evidência da vez no meio musical, me inspirou a resenhar sobre o filme “Resistindo às tentações” estrelado por ela em 2003, época de seu debute em carreira solo.

Quando o assisti pela primeira vez, logo que lançado direto nas locadoras, instantaneamente me deslumbrei com a estória e a trilha sonora. Hoje, estando eu um pouco mais experiente e com uma visão mais apurada no que diz respeito à sétima arte, tenho outra postura concernente à estória, embora algo continue imutável em relação ao mesmo: a aprovação pelas músicas.

O filme traz também a presença de Cuba Gooding Jr. na pele de Darrin Hill, um executivo desonesto recém despedido de uma agência de publicidade.
Como um promissor escape de sua situação desesperadora, ele descobre que sua tia, moradora de uma pequena cidade no estado de Geórgia, a qual também é sua cidade natal, faleceu e lhe deixou uma herança de 150 mil dólares. Entretanto, para ele se apossar de tal bagatela, será necessário cumprir uma cláusula nada fácil exigida por sua finada tia como último desejo: gerenciar um coral na igreja em que ela era membro e transformá-lo no vencedor de uma concorridíssima competição gospel.
Sem opção, ele então retorna ao lugar, se passando por produtor musical e ingressando nessa aventura totalmente nova para ele.

Como se pode ver, o enredo desde o princípio apresenta uma essência evangélica bastante expressiva, o interessante é que o filme não é regado de oportunismo, apologia ou manipulação como costuma ser as projeções de cunho religioso.
Na verdade, “Resistindo às tentações” não passa de uma comédia ligeiramente cristã embalada pelo o melhor da música Gospel, tendo ainda a contribuição de várias tiradinhas sarcásticas (com certa reserva, lógico) junto ao tema.
Quanto à direção do filme por conta do indiferente Jonathan Lynn, dono de um currículo marcado unanimemente por comédias sem originalidade, não passou de mera colaboração, pois o resultado do filme depende muito mais do talento vocal dos participantes do que propriamente dito do diretor.
E talento é o que não falta, graças aos ótimos e variados representantes nomes do Gospel, R&B e hip-hop, entre eles: a reverenda Shirley Caesar, a dupla Mary & Mary, os garotos cegos de Alabama, Angie Stone, Melba Moore, The O'Jays, entre outros.

Já a atriz principal, Beyoncé, em termos de atuação está sofrivelmente apática, no entanto, quando abre a boca, seu talento musical é indiscutível, fazendo-nos compreender plenamente o porquê de sua escalação como tal.
Enquanto Cuba Gooding Jr, reconhecido por seu competente timming cômico, não está em sua melhor forma no papel, aparentando até um ligeiro desconforto. No obstante, seus piores momentos mesmo, desprovidos de qualquer química, se dão quando há interação entre ele e Beyoncé.
Inda assim, dentre as películas estreladas por Beyoncé, esta, na intenção de destacar sua imagem, foi a mais bem sucedida, diferente do mais recente e também musical “Dreamgirls”, no qual ela foi totalmente desfocada pela presença de Jennifer Hudson.

De qualquer forma, filmes musicais, em suma, costumam ser duvidosos graças à mesmice que paira sobre seus roteiros.
Não fugindo à regra, “Resistindo às tentações” se rende aos clichês mais gritantes e sequenciais, com direito a um desfecho previsível e açucarado. Portanto, para avaliar esta película que, como todo musical, se sustenta em meio às canções e não ao argumento estrutural, o jeito é analisar estritamente as canções.

E como já foi mencionado, o longa nesse quesito, não fica devendo a ninguém. Entre tantos representantes do gênero como o potente e supracitado “Dreamgirls”, o incessante e exagerado “Hairspray” e o insosso “Nine”, "Resistindo às tentações" dá a sua precisa contribuição, conseguindo ainda por cima evitar um erro muito comum no gênero: o excesso de cantoria.
Tudo bem que são películas especificamente sonoras, mas esse fato não extingue por inteiro uma trama que seja. E aqui, mesmo sendo seu roteiro ingênuo, floral e óbvio, não deixa de ser divertido.
As canções não substituem simplesmente os diálogos, elas são partes imprescindíveis durante as passagens da história. E apesar de ser mais fraco, é impossível não compará-lo à “Mudança de hábito” de Whoopi Goldberg – com certeza, sua maior inspiração, tanto pela semelhante estória, quanto pelo pano de fundo religioso.

Porquanto, admito que pra mim seja extremamente difícil ser imparcial em relação ao longa, afinal, ele atende inteiramente minhas preferências musicais... é por este motivo que minhas constatações soam um tanto apaixonadas – posto que, qualquer pessoa de bom senso saiba reconhecer quando uma música é bem representada, inda que esta não supra seu gosto pessoal.
Mas nem por isso deixo de reconhecer que “Resistindo às tentações” não é uma obra-prima, nem o melhor do gênero, muito menos inovador, e sim, somente um filme auditivamente belo que soube conquistar tal título com louvor (!) – a rima foi péssima, mas o trocadilho foi apropriado...
Logo, não se podendo exatamente analisá-lo, visto que sua estória é extremamente convencional, independente disso, ele merece ser ouvido, pois uma trilha sonora gospel ao transitar pelos estilos seculares denominados como Hip Hop, Black, R&B e jazz, sem envolver o senil conservadorismo litúrgico é uma tremenda façanha!

Então, sem mais, a você que aprecia música em todos os sentidos, o consentimento positivo por esta retratação caricata e bem-humorada do cotidiano de uma igreja protestante americana dominantemente negra, será inevitável!
Agora, caso você seja avesso a essa arte, reformulo minha recomendação: simplesmente ignore-o, porque além das músicas não sobra muito.

Filme "PREMONIÇÃO 4"

2010-02-02T16:07:00.000-08:00

Antes de comentar sobre “Premonição 4”, eu acho mais justo fazer uma retrospectiva sobre a série para se achegar ao ponto necessário da minha opinião.

Seguindo então essa ordem, no inicio dos anos 2000, surgiu “Premonição” (Final destination), um suspense no qual o foco era seu personagem central Alex (interpretado pelo sumido ator canadense Devon Sawa) e sua habilidade de prever a morte.

Por falar na dita cuja, normalmente em filmes do gênero a morte é uma peça imprescindível como o resultado do terror, só que em "Premonição", embora ela fosse legitimamente retratada de forma invisível, a grande novidade girava em torno de sua atípica atuação, o que se devia ao fato de ela ter sido propriamente à vilã da estória, ou melhor dizendo, a causa de si mesma.
Assim, vingativa e implacável, a indesejada perseguia todos àqueles que de alguma forma saíram ilesos de suas primeiras investidas, conseguindo ser tão eficaz como qualquer outro vilão palpável.

Pra você que não conhece nenhum dos filmes, eu sei que descrevendo assim a premissa aparenta ser ingênua, mas não se engane, pois o notável roteiro foi uma tremenda surpresa, ainda mais pelo filme ter sido lançado após a década de 90, a qual foi marcada por películas cujo antagonista era predominantemente um serial killer.
Por tal motivo, esta substancial projeção não só obteve um diferencial em meio aos filmes de terror adolescente na época, como deu uma guinada na mesmice que pairava sobre os tais.

Em consequência disso, “premonição”, obviamente, acabou ganhando três sequelas – ao que parece, esta é a obrigação de todo filme junto à Hollywood quando alcança certo êxito junto à bilheteria e crítica –, tudo graças ao interesse absolutamente pecuniário das indústrias do cinema.
Por outro lado, a parte mais aborrecida desta questão é a falta de qualidade das ditas continuações que muitas das vezes desvirtuam a idéia original – foi assim também com o copiadíssimo “Pânico” de Wes Craven e seu rival “Eu sei o que vocês fizeram no verão passado”...

Voltando-se então específica e necessariamente ao filme em destaque, “Premonição 4”, por sua vez, tem agora como personagem central Nick O'Bannon, isso porque a cada continuação de “Premonição” o protagonista é substituído por um ator nitidamente pior.
Já a direção e o roteiro ficaram ao encargo de dois veteranos no que diz respeito a estória: David R. Ellis (“Serpentes a Bordo” e “Celular – Um grito de socorro”) responsável pela direção do segundo e Eric Bress, também já familiarizado com o roteiro da segunda edição.

Bom, na trama, Nick, após uma ter uma horrível visão na qual uma brutal série de eventos provoca uma batida múltipla de carros, incinerando tudo a volta, matando muitos e deixando o local em destroços, convence seus amigos a evitarem a corrida. Porém, como consequencia, todos os que escaparam iniciam sua própria corrida pela sobrevivência, afinal, a morte irá requerer "seus direitos".
Diante de tal sinopse, como já era previsto, "Premonição 4" segue, sem hesitar, a mesma linha dos outros, alterando apenas a localização do iminente desastre que impulsionará o desenrolar sanguinolento.
A única novidade aqui, se é que podemos chamar assim, é a técnica de filmagem em 3-D – Respectivamente neste caso, um recurso de apelo estritamente visual utilizado para contornar a falta de consistência no roteiro –, fora isso, o resto é só fiasco!

Na verdade, se teve algum dos títulos da série que fez por merecer elogios, foi o primeiro filme. Ele supera todos os outros por meio de seus sólidos questionamentos, seu clima significativamente tenso e suas atuações bem mais comprometidas – no casting tinha Seann William Scott e Ali Larter, nomes bem mais expressivos do que teve qualquer outro da franquia.
O segundo até conseguiu marcar alguns pontos, por manter um sentido linear em relação ao precursor, preservando o contexto e inteligentemente alguns personagens (pena terem excluído depois o sinistro personagem patologista).
Sem contar que foi através de "Premonição 2" o início da evolução na elaboração das mortes. Porém, como o roteiro principal não dava margem estrutural a uma continuidade – como dito, ideia absurda e capitalista restrita aos interesses de Hollywood -, “Premonição 2” acabou se rendendo à mesmice. Enquanto no terceiro o desgaste da estória já havia se tornado incômodo, perdendo de vez a linha de raciocínio e limitando-se apenas às gratuitas mortes.
Agora, é aqui em "Premonição 4" que a saga perde todo o sentido da trama original,não restando um resquício sequer do que já foi um dia.
Nem mesmo as engenhosas mortes são mais suficientes, visto que nos anteriores tudo se saturou consideravelmente..

Portanto, após esse vislumbre, não resta mais o que falar de “Premonição 4”...
Eu comentaria sobre mais o quê? Sobre o fato de as cenas estarem mais corridas e forçadas? Ou que, apesar da distância cronológica, os efeitos especiais estão mais toscos? Ou devo frisar a inexpressividade dos personagens diante das mortes graças à falta de talento dos atores?
Porque, sem mais retóricas, o filme é só isso, óbvio, tacanho e sem carisma, desde o aspirante elenco às resoluções previsíveis.

Por fim, só me resta asseverar que os quatro filmes – curiosamente lançados de três em três anos – não se complementam, nem apresentam um mísero argumento para explicar as premonições, ou uma razão que seja para as mesmas terem ocorrido em lugares determinados, como avião, montanha russa (...); muito menos dão um motivo plausível para o dom resvalar entre os diversos personagens principais.
De qualquer modo, “Premonição 4” – por enquanto o último filme –, a meu ver, não teve outra intenção a não ser angariar bilheteria em cima de nossa juventude afoita por violência imoderada.

Filme "ATIVIDADE PARANORMAL"

2010-02-02T15:29:00.000-08:00

Se existe um filme que pode ser classificado como original por utilizar recursos de aspecto amador no que tange à filmagem é “A bruxa de Blair”.

O mesmo estreou sob a especulação de ser uma reprodução de uma fita supostamente encontrada em meio à floresta de Black Hills nos EUA por uma equipe de busca que vasculhava o local a procura do paradeiro de três jovens estudantes de cinema.
O conteúdo da fita filmado pelos próprios jovens, segundo as hipóteses, registrou o tenso momento pelo qual eles passaram na floresta até desaparecerem totalmente enquanto tentavam realizar um documentário sobre a lendária bruxa da região.

Sem dúvida, essa foi uma das jogadas de marketing mais bem-sucedida da história do cinema, pois até hoje existem aqueles que ainda acreditam na veracidade dessa versão.
Mediante a isto, pouquíssimas, mas insistentes projeções surgiram ao longo dos anos aderindo ao estilo e buscando assim uma ponta que seja de sucesso.
Julgando então os filmes adeptos da “gravação caseira”, é incontestável o fato de que os mesmos seguem à risca as inerentes características estruturais oriundas de “A bruxa de Blair”: cenas visualmente limitadas; cortes grosseiros; introdução e desfecho amorfo, e o clima realista e angustiante.
Se este não foi o responsável por lançar a moda, certamente popularizou a técnica, portanto, não tem como ele não ser a maior referência no quesito.

É claro que cada filme tem uma proposta diferente, como por exemplo, “Cloverfield – o monstro” e o espanhol “REC”, mas no fim é tudo efeito de um mesmo produto. Não são nada mais do que filmes pretensiosos e propositalmente "mal produzidos", com estórias que relativamente assustam pelo fato de retratarem uma situação utópica de forma verossímil.
O sobredito “A bruxa de Blair”, no entanto, é o único autêntico nesse âmbito, não por serem verdadeiras as suas alegações, mas por ser ele a maior inspiração desse estilo cru, de ângulos mal direcionados e tremidos. Portanto, por não haver mais novidades nessa questão, não vejo motivos para que mais filmes nessa linha surjam.

Mas ao que parece, o diretor (se é que posso denominá-lo como tal) Oren Peli, não obstante, pensa de outra forma.
Ao estrear no ramo da sétima arte, ele criou sua primeira obra conhecida como “Atividade paranormal”, um suspense que foi sucesso absurdo de bilheteria e também identificado por muitos como o mais competente herdeiro de “A bruxa de Blair”.
Reconheço que não se pode simplesmente desmerecer esse filme. Ele, apesar de oferecer bem menos do que propagam, tem lá seus momentos... insuficientes, mas tem.
Um fato interessante no tocante ao mesmo foi à idealização de Peli com relação à estória. Até onde sei, o roteiro teve bastante improviso e muitas alterações no decorrer de suas filmagens. O próprio desfecho foi refeito para que quando lançado alcançasse por sua vez um apelo mais pasteurizado.
Devido então a inesperada ascensão do trabalho assinado por Peli, surge a pergunta que não quer calar: o que faz de “Atividade paranormal” um filme tão solicitado? Ou melhor: como um filme filmado integralmente por uma única câmera, esta sendo utilizada muitas das vezes sob o recurso de “visão noturna” (uma imagem que não privilegia a visão do espectador), pôde arrastar tantas pessoas para o cinema?
Eu confesso: ainda não encontrei o porquê do êxito junto ao público, sinceramente...

Primeiramente, o filme tem aproximadamente uma hora e meia; nesse período, somos apresentados a um casal denominado como Katie e Micah, interpretados por neófitos atores de nomes homônimos. O cotidiano deles representado é o mais normalesco possível. Se o filme pode ser elogiado é exatamente por esse ponto: a naturalidade dos atores.
Quanto ao desenvolvimento da trama, gradativamente nós nos deparamos com o drama de Katie que começa a sentir-se coagida por uma presença maligna. Por vezes ela chega a afirmar que é possível sentir até sentir a respiração da tal entidade.
Diante disto, por iniciativa do marido , eles decidem filmar constantemente sua rotina doméstica em busca de qualquer evidência sobrenatural, inclusive, nos momentos em que estão dormindo.
Agora pensem em momentos extremamente fastidiosos em que uma lâmpada piscando, ou um vulto na parede são guardados justamente para a conclusão porque não há nada mais contundente a se mostrar durante o longa. Pensou? Pois é, isso é "Atividade Paranormal".
Devido a isso, eu posso atestar que todas as tentativas aqui de se retesar o espectador são pífias e óbvias. E como consequencia desse fato, fica a impressão de que não existe um roteiro, e sim, uma comumente representação do dia-a-dia de um casal, esta tão arrastada como a de qualquer mero mortal, exceto pelos frugais momentos tensos envolvendo, como já disse, vultos e luzes se auto-acendendo.

Talvez prevendo a apatia pela qual o filme seria envolvido, Peli decidiu inserir uma desnecessária cena de uma moça que havia passado pela mesma situação de Katie e agora tinha seu vídeo disponível na internet revelando o fim que a mesma teve.
O casal mobilizado a assistir o tal video, confere no mesmo uma réplica inópia de “O exorcista” com direito a uma moça amarrada na cama, com o rosto desfigurado e aparentemente possuída, fato este que não ajuda nem acrescenta nada ao filme.
Por fim, o único momento, digamos, assustador de "Atividade paranormal" se dá unicamente em seus minutos finais, visto que, o espectador para contemplar o tal momento, precisará de uma apurada paciência, senão, desistirá antes mesmo de o filme chegar a sua metade.

No mais, é totalmente certo o que muitos afirmaram: “Atividade paranormal” funcionou para alguns, já para outros ele não passou de uma imensurável experiência bizarra.
Nem o fato de sua bilheteria ter sido um sucesso, garante que todos tenham gostado - eu mesmo sou um dos representantes contrários.
Por isso, só recomendo uma coisa com relação ao filme: se você é uma daquelas pessoas que não se satisfizeram com a exibição de o supramencionado “A bruxa de Blair”, então nem pense em assistir a este filme aqui; imagine-o como uma sequencia piorada... preciso dizer mais? Acho que não.

Filme "ZUMBILÂNDIA"

2010-01-25T16:34:00.000-08:00

Um vírus letal assola todo o planeta e transforma a maioria das pessoas em famintos zumbis. Por tal motivo, os poucos sobreviventes, para se defenderem, se vêem obrigados a procurar um local seguro, evitando assim de serem devorados.

Parece uma sinopse familiar? É... eu sei, mas já adianto que não estou falando de “Diário dos mortos”, nem de “Madrugada dos mortos”, nem “Extermínio”, ou qualquer outro filme do estilo "mais do mesmo", e sim, de “Zumbilândia”!
Com certeza, você deve estar se perguntando: que raio de título infantilóide e bizarro é esse?
Bom, por meio dele, pode-se obviamente prever que a proposta deste filme, apesar de abordar pela milésima vez o corroído tema “mortos-vivos”, não é a mesma a qual estamos acostumados a ver.
Em primeiro lugar: para contornar o desgaste do gênero, a direção optou por inserir na estória uma linha humorística – o melhor exemplo que temos dessa novidade é o divertido “Todo mundo quase morto”.
Por isso, este filme, adequadamente denominado de “zumbilândia”, traz sua significante e necessária contribuição para repaginar o “universo dos zumbis”.

É certo que há cenas fortes e sanguinolentas e toda aquela típica carnificina do gênero, mas vale ressaltar que o clima dos acontecimentos estão sob um camuflado ar infante (nada comprometedor), desviando o filme de qualquer tipo de apelação. Méritos da esforçada direção do iniciante Ruben Fleischer e do empenho de seu engajado elenco.
No entanto, por mais paradoxo que seja, mesmo contendo essa essência ligeiramente juvenil, não o recomendo para os pequenos por ser o mesmo mais pesado do que se espera em suas primeiras tomadas.

A princípio, ambos os roteiristas, Rhett Reese, contando com a cooperação de Paul Wernick – ambos desconhecidos –, desenvolveram a estória para uma suposta série de televisão, em que a primeira metade do filme seria o provável episódio-piloto. Talvez os produtores pressagiaram o êxito do filme, e assim “Zumbilândia” veio direto para as telonas, tornando-se então sucesso de público e crítica nos EUA.
E graças ao seu desenrolar agitado, inovador e suficientemente atrativo, já se escuta rumores sobre suas sequencias (isso mesmo, no plural).

O ator Jesse Eisenberg (“Amaldiçoados”) – eficiente em seu estereótipo de nerd americano – é um dos protagonistas e ao narrar à estória em primeira pessoa dispensa aqui o intrincado e desnecessário cruzamento de informações em se tratando de filmes de terror.
Logo de início, ele apresenta ao espectador suas inúmeras e promissoras regras de sobrevivência, disciplinadamente seguidas por ele, que mostram como se sair ileso de uma infestação de zumbis, momento este em que ele se encontra.
Toda vez que Columbus, o personagem de Jesse, cita uma regra e o momento propício de executá-la, a cena é exemplificada na tela, descrita com direito a título em letras garrafais, rebobine da ação e ótica sob variados ângulos, tudo isso para que todos possam, meticulosamente, entender como funciona os seus elaborados escapes contra os iminentes ataques dos hostis zumbis.

Continuando com o elenco que, diga-se de passagem, é um show à parte, temos o versátil Woody Harelson (“Sete vidas”), encarnando um papel digno de seu perfil: engraçado, cínico, indiferente e destemido; sendo ele o responsável por ajudar involuntariamente Columbus (Jesse Eisenberg).
E para que tudo se torne funcionalmente mais caricato, o paradigma de anti-herói indestrutível que gira em torno do personagem de Harelson é “desvirtuado” quando contemplamos sua obstinação por achar um tipo específico de bolinho recheado, que para ele é mais importante do que aniquilar os perigosos mortos-vivos à sua volta.

Não posso me esquecer das representantes femininas do casting principal, composto por Abigal Breslin ("A pequena Miss Sunshine") e Emma Stone ("Superbad - é hoje").
Por algum tempo eu tive a pequena (já não tão mais) Abigal como superestimada. Após seu papel aqui, posso dizer que o talento dela não é extraordinário, mas merece às honras que já teve.
Já Emma Stone, bonita e carismática, me remeteu aos tempos áureos da carreira de Goldie Hawn, por ser ela uma espécie de versão morena e trinta anos mais jovem da tal.

Um detalhe que também merece ser revelado aqui é a inversão comportamental pela qual os personagens foram definidos.
Normalmente as mulheres em filmes assim colaboram para com os gritos e o pavor das cenas, enquanto os homens tomam as rédeas da situação, encabeçando os momentos cruciais da ação – embora esta seja uma visão antiquada, machista e clichê, que ainda persiste no cinema. Só que em “Zumbilândia”, qualquer homem que se atreva a mexer com a dupla de irmãs Wichita (Emma) e Little Rock (Abigal), se arrependerá.
Elas, por meio de uma bem explorada transposição de personalidade, são bem ordinárias – no bom sentido, claro. E à custa dos personagens de Woody Harelson e Jesse Eisenberg, elas protagonizam os momentos mais sacanas da estória, fazendo por isso, o ingresso valer ainda mais.

Das tantas qualificações, a bastante comentada aparição bem-humorada de Bill Murray tornou o filme ainda mais proveitoso. Ele afirmando seu arrependimento em participar do filme “Garfield”, foi impagável!
Quanto à parte visual do filme, só me resta prosseguir incessantemente com os elogios. A caracterização dos zumbis é precisa, aterradora e sutilmente cômica. A fotografia, esplêndida! A ambientação erma das cidades, super crível. Enfim, está tudo muito bem nivelado a qualidade do roteiro.

A única questão que poderia ser vista como problema neste longa é narrativa que em meados torna-se arrastada, mas por ser por um lacônico período, não é nada que prejudique o filme.
Na verdade, o público acaba entendendo que tudo não passa de uma produção esperta que soube brincar alternativamente com um tema desgastadíssimo, conseguindo também manter a qualidade junto ao enredo, devido ao esmero de toda uma equipe.
Sem mais, o ótimo roteiro é detentor de todas aquelas características inerentes ao gênero: competência visual, futilidade estrutural e inconsequência por parte dos personagens. Ou seja, o resultado não poderia ser mais satisfatório.
E para que o proveito seja por completo, recomendo que o espectador se focalize somente na identificação com os personagens (que é certa), na diversão (também garantida) e mais nada.
Acreditem: quem quiser assistir “Zumbilândia”, não irá se arrepender.

Filme "AUTÓPSIA DE UM CRIME"

2010-01-21T19:33:00.000-08:00

Mesmo sem muita expressão, o lançamento do filme “Autópsia de um crime”, ainda assim, deu o que falar. E foi por esta razão que resolvi assistir o filme.

A estória apresenta Ted Gray (Milo Ventimiglia, da série “Heroes”), um jovem médico que acabou de concluir a sua licenciatura entre os melhores da turma. Como consequência disto, ele se insere entre um dos mais prestigiosos programas de Patologia do país.
Logo, ele é convidado pelos jovens patologistas internos a se integrar ao grupo. E aos poucos, o comportamento duvidoso dos tais médicos, deixa transparecer certo mistério.
Por esta razão, Ted começa a sondar os colegas, descobrindo assim um jogo macabro realizado por eles, no qual ele se envolve voluntariamente.

O jogo pode ser descrito da seguinte forma: rotativamente, um dos médicos legista fica incumbido de trazer um novo corpo à mesa. Depois de feito, sem deixar evidências, todos se reúnem secretamente no hospital para realizar a autópsia no corpo, buscando identificar como o responsável praticou o homicídio.
Ganha a aposta àquele que conseguir cometer o crime com maior dificuldade na determinação da causa de morte, de forma que nem o melhor patologista consiga desvendar.

Continuando... Por esta premissa desenvolve-se uma trama fria, que incomoda em muitos momentos, principalmente pelas atitudes perversas tomadas pelos dúbios personagens.
O elenco, bem escalado, dá vida a personagens com personalidades igualmente doentias e calculistas, que não demonstram qualquer tipo de ética, pudor ou respeito com relação aos corpos em que trabalham. Podendo incitar aí uma inquietante curiosidade no público em saber se realmente existe casos assim.

No entanto, o desconhecido e ousado diretor Marc Schoelermann, mesmo tentando retratar os fatos de forma verossímil, conseguindo até extrair do elenco atuações seguras e naturais, traz uma superficial construção narrativa à trama, bem como o desenvolvimento.
A injustificável filosofia de vida dos subversivos médicos é transmitida sem muita lógica, deixando o filme vazio. Talvez, por esta razão, a produção é desnecessariamente recheada de apelativas cenas de sexo e violência.

O roteiro escrito pela dupla Mark Neveldine e Brian Taylor – os mesmos responsáveis pelo filme de ação “Adrenalina” –, peca pelo excesso, soando em alguns momentos exagerado, esquemático e até fetichista.
Outro ponto negativo a ser conferido no longa é em relação à fotografia. Demasiadamente escura e sem qualidade, a mesma passa a idéia de filme amador. Enquanto a trilha sonora, igualmente lamentável, é confusa e irritante.

Agora, levando em consideração a novidade do tema e o seu imprevisível desfecho, pode-se dizer que o filme alcança uma superioridade em relação às bombas do terror “série B” lançadas ultimamente.
Portanto, “Autópsia de um crime” pode ser considerado um entretenimento mediano, ainda que manifeste a sua única e deliberada pretensão em chocar quem o assiste.

Filme "A MULHER INVISÍVEL"

2010-01-21T19:21:00.000-08:00

Eu sempre tive receio de assistir películas brasileiras. Eu assisto, mas quase sempre não me agradam. Nem mesmo os grandes sucessos como "Carandiru", "Cidade de Deus" ou o superestimado "Central do Brasil".

Com certeza, são filmes que possuem certas qualidades, mas somente em compartimentos, dificilmente como um todo.
À princípio parece ser uma visão preconceituosa, mas a verdade é que me incomoda ver filmes tão crus, desperdiçando alguns bons atores.
Muitos soam como denotação de pobreza, sem preocupar-se com a mediocridade. A desculpa está sempre no baixo orçamento, nos parcos patrocínios... tudo bem, isso explica, mas não justifica.
Bons roteiros dependem mais de talento do que de qualquer outra coisa; o dinheiro é só o recurso que irá concretizar a idéia impressa.
Os filmes independentes e pecuniariamente inferiores já provaram ter muito mais consistência do que as superproduções descerebradas de Hollywood - "Transformers” se diga de passagem.
Então, só resta concluir que além da falta de dinheiro, falta aptidão cinematográfica em nosso país?
O elogiável "A casa de Alice", e o simpático "O auto da compadecida", ainda não me deixam generalizar, porém, a divisão que há entre a afirmação e a especulação é muito tênue.

Bom, voltando-se ao filme em específico, Cláudio Torres, o responsável pela elaboração do roteiro e da direção, entrega sua terceira obra intitulada como "A mulher invisível", esta comédia brasileira de caráter romântico.
Qualquer um a essa altura do campeonato não precisa ser cinéfilo para afirmar que as comédias românticas seguem uma espécie de raciocínio padrão para sua realização. Mudam-se os temas, enquanto o perfil dos personagens, assim como o desenvolvimento, e o desfecho das estórias, são invariavelmente os mesmos.
No Brasil não é muito diferente, a não ser por um considerável detalhe: a falta sofisticação.

Nesta projeção, o roteiro, nada original, nos apresenta o protagonista Pedro se desiludindo com sua mulher que, logo de início, confessa não aguentá-lo mais por sentir-se "invisível" em sua vida iludívelmente perfeita, e assim, o abandona em uma profunda depressão.
Após esse ocorrido, ele, inconscientemente, cria a imagem de uma mulher escultural chamada Amanda, totalmente adequada às suas fantasias masculinas: que entende e se interessa por esportes; que está sempre linda e disposta a fazer sexo; que perambula pela casa com lingeries provocantes; que não se incomoda em ser traída; que não discute a relação, e por aí vai.
Obviamente, ele não tem noção de que a tal beldade seja obra de sua imaginação.
Já dá pra imaginar que agora só resta contemplar as diversas situações atípicas e constrangedoras, pelas quais, Pedro irá passar.

A estória, a princípio, já se mostra requentada, com pontos que se apresentam evidentes desde o prólogo do filme.
Tudo é muito previsível, e por vezes caricato, mas graças às cenas de humor gratuitas é que "A mulher invisível" não é uma verdadeira perca de tempo.
Pelo contrário, é bem mais engraçado que muitas pretensiosas comédias ianques. Embora, isso não seja razão suficiente para salvar o filme da insignificância.

Selton Mello, ao interpretar o personagem central, oscila entre o razoável e o péssimo. Mesmo ele tendo oferecido atuações esplêndidas em novelas e em alguns filmes; mesmo sendo ele super requisitado em nosso cinema; ainda assim, fiquei com uma péssima impressão dele nesse longa. Ele não mostrou em nenhum momento seu notório potencial.
Exagerado, aparentemente desconfortável, e forçado em muitas das cenas – sem contar com dispensável tom de voz alterado –, Selton causa constrangimento em boa parte do tempo.
Só não diria que ele está canastrão no papel, porque esse título é de Luana Piovani, como a tal mulher invisível.
O que salva Luana é sua beleza inquestionável. Para o papel não teria ninguém fisicamente mais adequado. A coisa só desanda mesmo quando ela abre a boca. A sorte é que com ela em cena, principalmente seminua, ninguém irá se concentrar em sua representação.

Como elenco secundário, temos Vladmir Brichta (está bem, mas seu personagem é irritante); a simpática e não tão conhecida Maria Manoella; e o que há de melhor no filme, a irmã do diretor, Fernanda Torres ("Os normais"), que possui as melhores tiradas e rouba todas as cenas em que aparece. Pena ter sido tão mínima sua participação.

Agora, o que está sendo novidade nas comédias românticas americanas, como exemplo tem "A verdade nua e crua", é o linguajar chulo, acompanhado de leves palavrões.
Em produções brasileiras isso não é novidade – e sim, uma característica –, mas os diálogos de “A garota invisível”, por já serem superficiais, ficam ainda mais fúteis com o excesso de expressões vulgares do tipo "vou dar pra ele" ou "não tô comendo ninguém".
Não baixam o nível por completo, mas é aí que entra a "falta de sofisticação" citada anteriormente.

Entre outros defeitos, temos a edição que deixa a desejar; a fraca e deslocada estrutura narrativa; a contradizente trilha sonora (de muito mau gosto, por sinal); o desfecho meloso de sempre; e por fim, a artificialidade das situações: destaque para as cenas em que Selton se relaciona sexualmente com várias mulheres para esquecer o ocorrido com a esposa logo no intróito da projeção, com direito a uma pontinha bizarra de Karina Bacchi. E as tomadas de Vladmir Brichta fingindo cair (ou realmente caindo), tentando conquistar a personagem de Maria Manoella. Não tinham por mais em quê serem piores.

E pra não parecer injusto, reafirmo que o que não transforma "A mulher invisível" em um fracasso total, são as situações absurdas vivenciadas por Pedro.
Somente nesses momentos, que são bem engraçados, Selton Mello oferece algo mais convincente, afinal, timming cômico ele tem.
Pra mim, a cena que vale o filme é a do surto de Pedro em uma cerimônia com a presença de seu chefe e do governador.

Enfim, longe de ser um elogio (está mais para uma conformação), dentre os trabalhos de Cláudio Torres – "A mulher do meu amigo" e "Redentor" –, este é, com certeza, o mais apreciável.
Só posso dizer que, como espectador, continuarei a ser exigente no tocante à qualidade do roteiro de nossos filmes, contudo, estarei um pouco mais esperançoso por ver alguns avanços no cinema nacional – o recente e notável “Divã” estrelado por Lilian Cabral, é um exemplo.

Filme "JOGANDO COM PRAZER"

2010-01-21T19:05:00.000-08:00

Em seu início de carreira, Ashton Kutcher ao fazer parte do psicodélico e engraçadíssimo seriado “That 70´s Show”, uma sitcom com um “Q” de “Friends”, na qual ele co-estrelava e eu sequencialmente acompanhava, surpreendeu com seu carisma. Ali, ele conseguiu provar seu timming junto à comicidade, fazendo bem seu personagem e por vezes roubando a cena. Por este motivo, eu não entendo como alguém que iniciou a carreira de forma tão promitente, inclusive, tomando a ousada atitude de se distanciar da série que o lançou no mercado para tentar a sorte em Hollywood, hoje simplesmente não consegue oferecer nada além de um suposto rosto bonito.

E por mais versátil que ele tente aparentar, no fim, seu esforço apresenta sempre a mesma característica: a dubiedade.
Todavia, especificamente neste caso, não só Kutcher, mais também seu novo filme “Jogando com prazer”, estão igualmente sofríveis.

O diretor de “Jogando com prazer”, David Mackenzie, não é nenhum profissional de renome, apesar de ter feito dois bons trabalhos a meu ver: “Pecados ardentes” com Ewan Mc Gregor e “Olhar de desejo” com Jamie Bell. Contudo, o diretor inglês desta vez se supera na falta de objetivo. A estória do filme é fraca e desinteressante; as atuações, por sua vez, aborrecem com tanta irregularidade; e a gratuita denotação sexual das cenas constrange.

Na estória, Nikki (Ashton Kutcher), um típico gigolô que namora Samantha (Anne Heche), se sente privilegiado por suas tantas conquistas amorosas e financeiras. Isso até conhecer Heather (Margarita Levieva), uma garçonete do tipo que se enquadra no perfil de “mulher dos sonhos”, fazendo- o perceber o quanto ele não é realizado no amor. No entanto, esta não pode o corresponder romanticamente falando.

Não tendo muito o que falar deste filme, exatamente por ele ser incomodamente raso, o mesmo é só isso: uma razoável e avulsa película que não progride.
E como já dito, outro ponto de “Jogando com prazer” que vem causando polêmica, além do fato de sua estória não atingir uma sintonia, e assim, se estagnar em muitos momentos, é a sua deriva em cenas sexualmente tórridas e desconcertantes – sem querer passar a idéia de falso moralismo.

Voltando-se novamente ao desempenho do protagonista, eu nem sequer consigo alegar o que é pior: presenciar sua tênue interpretação, ou assistir uma atriz mediana e desenxabida como Anne Heche desbancá-lo.
E mesmo ele tornando claro para o espectador que o seu forte não é o drama, ainda assim, o mesmo insiste no gênero, como por exemplo, no filme “Por amor”, também recente, em que sua presença é então suplantada pelo talento da veterana Michelle Pfeiffer.

Agora, comparando-o a Meg Ryan quando esta, cometeu o crasso erro de estrelar o desnudo longa “Em carne viva” em 2003, este mesmo erro poderia ser reportado a Ashton Kutcher, devido a ele se envolver em um projeto similarmente fútil e expositivo como “Jogando com prazer”.
Afinal, ambos em assim o fazerem, desvirtuaram suas empáticas imagens, para se infiltrarem em produções contextualmente pobres e excessivamente erotizadas. Embora, é claro que, a repercussão negativa com relação à figura de Ashton com este filme não se equipara as mesmas proporções que teve a de Meg Ryan.
Em primeiro lugar, ela é mulher e ainda vivemos em uma sociedade latentemente machista. E em segundo lugar, vamos combinar que Ashton, mesmo sendo um ator, digamos, solicitado, este ainda não conquistou o título de “Queridinho da América”. Sendo assim, ele não perdeu muito, a não ser a chance de entregar ao público, pra variar, uma boa representação.

Então, se alguém pretende prestigiar algum trabalho de Kutcher, escolha filmes como “Jogo de amor em Las Vegas” ou “A filha do chefe”, que são clichês, mas garantem a diversão e constata a habilidade dele para com o humor; habilidade esta que parecer se restringir a esse gênero.
Sem mais embargos, concluo que o filme agradou a poucos (incluo-me nessa), alvoroçou os mais pudicos e não transmitiu mensagem alguma, portanto, não o recomendo.

Filme "VÍRUS"

2010-01-19T06:13:00.000-08:00

Antes de qualquer observação em relação a este filme, é preciso definir uma questão: “Vírus”, desde o seu prólogo, já apresenta altos sinais de dramaticidade que vão se acentuando no decorrer da fita, portanto, não se enganem com o cartaz ou o trailer do mesmo: não se trata de mais um terror sobre a propagação de um vírus mortífero, e sim, um drama.
A estória, como sugere o título, apresenta uma espécie desconhecida de vírus sendo o mesmo responsável por dizimar toda a população, restando assim apenas um irrisório número de sobreviventes, entre esles dois irmãos, a namorada de um deles e uma amiga de outro.

Em busca de um local seguro, tendo como referência uma casa de praia, na qual os irmãos passaram grande parte da adolescência, os quatro, de carro, encaminham-se rumo a este nicho, tendo como sua maior proteção no percurso apropriados litros de desinfetantes.
Não é necessário citar que o pano de fundo para esta aventura nada tem de original: pandemia global; extinção humana; clima apocalíptico; nada que já não tenhamos visto e sob diversas retratações. Mas é preciso frisar que em “Vírus” a abordagem alcançou certo primor. O motivo se dá por todo o desgaste do tema ser contornado pela intensificação dos conflitos pessoais dos personagens em detrimento à violência gratuita inerente do gênero.

Outro ponto interessante se dá pelas características sobrenaturais inexistentes aqui. O roteiro tenta (e consegue) seguir por uma linha bastante crível, abdicando-se de qualquer argumento que pudesse inserir os aborrecidos zumbis sedentos por carne humana. O clima até sugere a idéia, mas não passa de uma mera e proposital insinuação. Um tipo de “pegadinha” com àqueles que estavam à espera de mais um saturado filme de mortos-vivos.

Bom, a narrativa desta produção dá sequencia à intensa jornada dos quatro jovens em busca do supracitado local desinfetado e seguro. E por assim ser, seu argumento, ligeiramente considerável, aborda sociologicamente toda a tensão do momento.
As reações são subjetivas, mas todas refletem o pânico entre eles, seja reprimido ou explícito, diante dos caóticos e desérticos lugares por onde passam – méritos para a eficaz fotografia. E nada do que eles presenciam contribui para que a esperança na sobrevivência seja alimentada, inda assim, tentando não serem confrontados à insanidade, optam em conjunto pelo otimismo.

É claro que, devido à ação aniquiladora e melindrosa do vírus, por sua fácil transmissão no ar, os jovens são forçados a usar máscaras o tempo todo (auto-personalizadas até) e a esterilizarem tudo o que tocam. Por tal motivo, qualquer contato que seja com alguém desconhecido é reconhecido como perigo letal.
E assim, a trama se segue explorando seus personagens que, visivelmente vão se alterando no tocante ao temperamento, dando vazão à violência, ao egoísmo e a intolerância contra eles mesmos.
O roteiro não se aprofunda nas questões psicológicas, mas também está longe de ser uma representação superficial.

Voltando-se agora ao elenco, temos Chris Pine ("Star Trek"), dos atores aqui o mais promissor, não fazendo feio com sua segura atuação; já Piper Perabo ("Show bar"), sempre sensível, consegue se manter precisa e marcante em sua participação. Os outros não tem nomes expressivos, mas tiveram um desempenho razoável.
As regras de sobrevivência, do tipo que havia em “Zumbilândia” – é claro que sem o apelo cômico da situação – estão presentes aqui, mas sem a mesma importância. Elas somente elevam o nível de paranóia entre o quarteto.
Aliás, falando em "Zumbilândia" parece que estamos vivenciando a era dos filmes zumbis alternativos: comédia, agora drama... interessante.

Em relação ao ponto mais marcante do filme que se dá por sua verossimilhança, considerado sua maior qualidade é também seu maior defeito. O desenvolvimento do filme tem um decorrer progressivo, porém, periga por diversas vezes cair na monotonia. Culpa da direção inexperiente que, ao optar por simplesmente focalizar o comportamento humano, se esquece de ousar um pouco. Afinal, o tema está sendo mostrado sob outra roupagem (Leia-se sem zumbis), então era esperado que outros elementos substituísse a ausência de um vilão visível.

Enfim, sem efeitos especiais mirabolantes, ou desfecho repleto de susto e ação, o melhor mesmo do filme é o seu realismo, concluindo então que “Vírus” não é um exemplo espetacular da sétima arte, mas é minimamente recomendável e interessante.

Filme "ANTICRISTO"

2010-01-19T04:18:00.000-08:00

Graças a algumas de suas analíticas obras, enfocando, claro, o magnífico “Dogville”, eu considerei por algum tempo o cineasta Lars Von Triers como sendo alguém bastante capaz e introspectivo, não levando em conta, é claro, alguns dos poucos filmes inúteis dirigidos por ele.

Porém, por intermédio de seu último longa intitulado como “Anticristo”, ironicamente identificado como seu trabalho mais denso e filosófico até então, minha admiração pelo mesmo ficou meio abalada.
Muitas das vezes, estes profissionais da arte, visados por sua complexidade, não são compreendidos ao certo e acabam por receberem do público a indiferença, e assim, dos especialistas da área às vociferantes críticas. E quase sempre pelos mesmos motivos: a difícil assimilação da real intenção do roteiro.
Normalmente, a culpa fica por conta da linguagem excessivamente erudita e conscientemente evasiva, ou pelos excessos de metáforas e analogias em sua retratação. E, ao que parece, esse é o perfil do comentadíssimo “Anticisto” – merecedor de todo repúdio.
Porém, Lars Von Triers conseguiu ser plenamente entendido e mesmo que dividindo opiniões, bastante elogiado. Mas, nem por isso, este filme deixa de ser um trabalho bastante penoso de se acompanhar.

Em primeiro lugar: o filme se excede em suas alusões escriturísticas por não se limitar às entrelinhas, o que torna sua essência bastante cínica e polêmica. Não que isso seja necessariamente reprovável, mas sua deliberação, sim.
Como dito, todas as intenções do diretor neste filme são propositais, esperando conscientemente causar furor, aversão, desconforto, tudo na mais radical das acepções.
A idéia principal, por mais ilusória e metafórica que seja, é vendida como sendo totalmente absoluta, mesmo liberando espaço para outras interpretações, porque, no fim, levam ao mesmo objetivo - se é que existe um.
Parece que o autor quer somente ser visto e ouvido, não importando o que os outros pensem desde que estes absorvam, inquestionavelmente, tudo que for mostrado ali e formem assim opiniões sob a ótica dele.

Quanto à estória, esta relata, em partes, a insanidade e a impotência do ser humano diante de uma situação dolorosa – a perda de um filho.
O roteiro opta por destrinçar o comportamento humano, para simplesmente ratificar o quão irracional e contraditório ele é.
Os únicos personagens aqui, um homem e uma mulher, é o casal da trama, interpretados magistralmente por Charlotte Gainsbourg (premiada pelo papel) e Willem Dafoe (atuação também perfeita).

O início do filme já é o suficiente para chocar: o casal aparece fazendo sexo, de forma bem intensa (com direito a um close interno de penetração vaginal), até que, nesse exato momento, o filho destes acaba caindo de uma janela, resultando em um acidente obituário, sendo tudo presenciado pela mulher que, por estar aparentemente extasiada pelo prazer da relação sexual, manteve-se inerte diante da cena – a razão real de sua atitude vem gradativamente no decorrer do filme.
Ela, sucumbindo em um estado sufocante de depressão pelo ocorrido, conta com a ajuda do marido, este psicólogo, que decide fazer algo para livrá-la de seu tormento pessoal, quando, simultaneamente, o mesmo tenta superar a tragédia.
Então, ambos se retiram para uma casa no campo, denominada sugestivamente de Éden, buscando refúgio. O que eles não sabem é que ali todo o drama dos dois se travestirá do mais puro terror.

O maior mérito de Lars com esta estranha experiência chamada “Anticristo” é a sua capacidade de persuadir o espectador com seus personagens carregados, aliciando-os a adentrar em meio à sua loucura.Tudo é levado de forma bem progressiva em que o enredo flui sem impedimentos, devido ao belo trabalho das câmeras otimamente posicionadas, privilegiando cada detalhe de um dos mais belos trabalhos que já presenciei no que diz respeito à fotografia.
Sua conclusão literalmente torturante cria uma sensação antagônica entre o principio e o fim da estória. A primeira cena é totalmente estética, com direito a belas filmagens, ótima trilha de fundo e um visual rico em preto e branco. Por outro lado, o último ato do filme é totalmente responsável por sentimentos como repulsa, indignação, tensão e, no meu caso, desapontamento.

Não que eu esperasse um filme raso, com desfecho óbvio, tampouco de resoluções dóceis, afinal, se tratava da mais nova e pretensiosa obra do pedante Lars Von Triers, mas a questão é que não é um filme de fácil digestão.
O sentimento negativo que o filme insere na mente permanece durante algum tempo, não só pela nítida misoginia, ou as inconcebíveis mutilações e todo o clima horrivelmente claustrofóbico, mas por ser um trabalho, no fim, depressivo, assim como o próprio autor que, se encontrava nessa circunstância quando elaborou o filme.

Sem mais delongas, “Anticristo”, a meu ver, não passou de um mero abuso de argumentos, por vezes, incoerentes e sem propósito, descambando-se em um gratuito e generalizado exagero visual, impulsionados por uma mente, naquele momento, debilitada.
Se alguém quiser assistir a degradação humana pela visão de um melancólico em potencial, este filme é um prato cheio. senão, assista-o pelo aspecto técnico que, por sinal, está excelente. Do contrário, adianto: é um mero exemplar duvidoso e intransigente do cinema cult.

Filme "O NEVOEIRO"

2010-01-11T16:49:00.000-08:00

Muitas das obras de Stephen King que sofreram adaptações cinematográficas foram notoriamente ignoradas pela mídia, devido a falta de êxito junto ao público. Alguns exemplos frustrados podem ser citados aqui, como: o enganoso e sem nexo “O apanhador de sonhos”; o entediante e interminável “Rose Red - A casa adormecida” (eficaz também em nos fazer adormecer); O inconsistente “1408”, e o insosso “Janela secreta”. Portanto, graças a esses desastrosos títulos, eu criei certa resistência às películas baseadas nos escritos de King.

É certo que não posso ser radical, esquecendo os seus sucessos, inda assim, penso duas vezes antes de prestigiar seus trabalhos.

Mas a verdade é que, como nem tudo é absoluto no mundo do cinema, eu me surpreendi com uma de suas recentes adaptações, dirigida pelo também roteirista Frank Darabont, denominada como “O nevoeiro”.
O diretor Darabont parece ter se tornado um especialista em dar vida às obras de Stephen King. Em suas três experiências – “Um sonho de liberdade”, “À espera de um milagre” e “O nevoeiro” –, ele, unanimemente, obteve consideráveis acertos. E o mais curioso com relação aos três filmes é que a sensação de “confinamento” está relacionada em todos eles. O que nos mostra a uniformidade na forma de o diretor francês trabalhar.

Bom, o longa “O nevoeiro”, estrelado pelo “justiceiro” Thomas Jane (atualmete estrela do exótico seriado "Hung"), foi realmente pra mim uma grande surpresa. Eu não alimentava qualquer expectativa em relação a esta produção. Eu até me lembro de uma versão antiga de título homônimo de John Carpenter, em que consistia-se num terror habitado por almas vingativas e mortíferas que agiam contra uma cidade portuária, ocultos em meio a um tipo de névoa.
A princípio eu pensei que “O nevoeiro” de Darabont fosse um remake deste clássico do terror, tipo, uma espécie de retratação à horrorosa refilmagem de 2005, “A névoa”, mas não é. Não existe ligação entre os dois e o produto de Darabont é simplesmente muito melhor.

Em primeiro lugar, “O nevoeiro” foi divulgado como sendo um filme de terror... não que seja enganosa tal informação, mas todo o, digamos, “terror” da estória é apenas um pretexto para se aprofundar em um tema muito mais denso: o comportamento humano perante o desconhecido.
A estória do filme se passa, obviamente, em uma cidade pacata dos EUA, enfocando o personagem David Drayton (Thomas Jane), ilustrador de cartazes de filmes de Hollywood, que mora com a mulher e um filho pequeno.
Após uma forte tempestade, resultando em alguns estragos consideráveis em sua casa, ele, o filho e o vizinho, também prejudicado pelo temporal, vão até um supermercado próximo atrás de materiais para o conserto. E a partir daí eles ficam enclausurados no tal supermercado, com mais um grupo de pessoas que também estavam à procura de suprimentos, devido a um bando de criaturas grotescas e sanguinárias, envolvidas por uma espécie de névoa, que está ameaçando-os mortalmente do lado de fora.

Inicialmente, parece ser uma estória comum, com os aspectos peculiares de Stephen King, no entanto, vai além disso. Os vilões são sugeridos no primeiro ato do filme (nenhum é mostrado por inteiro), e Darabont, sem rodeios, se empenha em mostrar quão diversas são as reações e os conceitos de cada um dos indivíduos trancafiado ali.
Alguns beiram o desespero; outros, de forma extrema, se apegam a fé e arrastam outros com ele; outros se mantêm inertes; enquanto outros, com espírito de liderança, obstinam-se em escapar, não importando como. E sob tal variedade de sentimentos, o filme se segue linearmente tenso e limítrofe, assustando mais pela estupidez dos seres humanos, do que pelos próprios monstros. Todavia, não se podem menosprezar as criaturas, são elas realmente assustadoras, ainda mais por não sabermos ao certo o que elas são e de onde vem.
De qualquer modo, a sensação de agonia e ansiedade toma conta do evento. Ponto positivo para a trama.
O melhor de tudo é que todos os recursos utilizados aqui são condizentes com o que a estória que passar. Das tantas qualificações, temos os diálogos perfeitos e bem alinhados; o visual assustador; os efeitos muito bem produzidos; o clima inquietante e a precisa trilha sonora.

Outra questão a favor do longa são as atuações bem acima da média. Destaque para a indômita religiosa Sra. Carmody, interpretada por Marcia Gay Harden, que rouba a cena, ainda que sua fanática personagem tenha um comportamento manipulado, sob a idéia errônea de que todo religioso é irracional e com tendência homicida. Fora isso, seu papel é esplêndido e quase ofusca o elenco por inteiro. Pode-se dizer que, ela é o ponto chave para todos os desvarios causados entre os presentes no local, responsável também por formar dois grupos antagônicos, por a mesma acreditar ser a “enviada de Deus” para aquela situação apocalíptica, em que todos devem ser incitados por ela ao arrependimento – as figuras monstruosas segundo sua visão, representam o castigo de Deus como expurgo aos pecados dos habitantes da cidade.

Agora, o ápice do filme se dá mesmo em sua resolução altamente amarga e, digamos, pungente que, possivelmente, não agradará aos massivos espectadores. Estes acostumados a soluções fáceis, podem se decepcionar, contudo, eu adianto que não poderia ser melhor, graças a ousadia, inovação e imprevisibilidade da direção em não se deter pelo desfecho original do livro. Atitude bastante corajosa.
Até Thomas Jane, elogiável aqui, se superou no papel por normalmente sua interpretação soar um tanto inane.
A derrapada que o mesmo dá no último ato, com sua tépida reação diante do áspero ocorrido (que não posso sob hipótese alguma contar) consegue ser relevada, visto que, seu esforço durante todo o longa foi notável.

O argumento para a razão do nevoeiro, ainda que especulativo, foi o único ponto irregular da estória, no entanto, essa lacuna não desmerece o filme que, sinceramente, me divertiu e me surpreendeu.
Enfim, esta concisa estória merece ser vista e avaliada sob a visão pessoal de cada um. Com certeza, várias lições podem ser tiradas por intermédio deste roteiro muito bem dirigido e mais do que recomendado.

Filme "ARRASTE-ME PARA O INFERNO"

2009-12-29T13:47:00.000-08:00

Logo que foi lançado, devido às opiniões divergentes, eu não me interessei em assistir a este pseudo-terror intitulado como “Arraste-me para o inferno” (Drag Me to Hell), mas como tenho obsessão pela sétima arte, eu fiquei sem opção e tive que ver esta pérola.

Minha primeira impressão: decepção! Isso mesmo, eu sei que é um filme altamente subjetivo para Raimi, como uma espécie de auto-homenagem ou nostalgia de carreira, mas não me impressionou.
E já adianto: minha visão sobre o filme tem estrita relação com meu gosto pessoal. Eu nunca me identifiquei com filmes do subgênero terror-trash, nem quando estavam no auge, que dirá agora na Era dos “remakes – adaptações - plágios - cinematográficos”.

A estória é sobre Christine, uma jovem gerente de crédito bancário, que passa a ser atormentada por um demônio, resultado de uma maldição lançada contra ela por intermédio de uma senhora.
Tudo isso se dá por ser Christine a responsável pela negação de um empréstimo solicitado pela tal idosa, fazendo com que a mesma perca assim sua casa pela falta de pagamento da hipoteca. Por tal motivo, o culmine dessa represália sobrenatural é buscar Christine dentro de três dias para “arder” no inferno.

Bom, o inegável talento de Raimi, o diretor e roteirista aqui, foi reconhecido por volta dos anos 80, graças ao filme “A morte do demônio”. Talvez, por isso a recepção do público foi tão calorosa no que diz respeito a “Arraste-me ao inferno”, pelo fato de Raimi ter se mantido longe dos filmes de horror por um considerável tempo – motivado por seu empenho no projeto “Homem-aranha” –, marcando por meio deste seu retorno ao terror (ou a espécie alternativa do mesmo, criada por ele).
O prólogo do filme já nos dá referência de que este longa nos remeterá à época do debute de Raimi no mundo do cinema.
E por tal motivo eu até entendo que a maioria dos espectadores assimilou a intenção, pode-se dizer, intrínseca de Raimi com esse filme, porém, ainda assim não vejo isso como razão para tanta incúria por parte dele com a produção.

O filme tem um roteiro interessante, digamos até criativo e parcialmente bem montado, contudo, totalmente exagerado e picaresco.
As continuações de “A morte do demônio” que, no Brasil são conhecidos como “Uma noite alucinante 2 e 3”, tinham essa pegada cômica no roteiro, mas não era esquecido em nenhum momento o seu maior objetivo como representante do terror: assustar.
Em “Arraste-me para o inferno” não se vê nada além de sustos regados por recursos burlescos, causando um confronto comprometedor entre riso e medo. O excesso de situações versadamente repugnantes mostra que o diretor não perdeu a mão, mas sim, a noção de limite nesse quesito – o “beijo” que Christine recebe da velha, envolvido por um líquido esverdeado, é extremamente desagradável de se presenciar.
Constantemente o espectador é bombardeado com cenas asquerosas que se desandam em uma comédia descabida. O que deveria ser uma reminiscência da carreira de Raimi, acaba não passando de um deboche com seu próprio estilo.
Uma coisa é certa, poucos filmes de terror conseguem a façanha de inserir humor ao roteiro sem prejudicar a tensão. Definitivamente, “Arraste-me para o inferno” não se enquadra nesse aspecto.

Voltando-se agora à presença de Alison Lohman (“A lenda de beowulf”) como protagonista, eu posso afirmar que sua representação facécia ficou “bem ajustada” a proposta do filme. Não estou dizendo que ela seja uma má atriz, mas ela só precisou manter-se o filme todo com uma expressão de pavor. Sem contar que ela não se enquadra ao perfil de bancária como propõe o filme.
Ah, e não é só ela, grande parte do elenco não tem uma figura adaptável ao papel que lhe cabe, a não ser Lorna Raver, ao encarnar a velha odiosa e nada higiênica da estória, com sua performance brilhante e convincente. Ela conseguiu causar os mais variados sentimentos negativos em mim com relação à sua personagem – otimamente caracterizada, por sinal.

Já a trama, bastante genérica e de desfecho previsível, lembra alguns outros títulos cinematográficos tão senis quanto os filmes do extinto programa televisivo da Rede Bandeirante, o “Cine Trash”. Se isso é um ponto favorável, preciso rever meus conceitos.
Outros fatores que me incomodaram muito nesta projeção foram: o áudio constantemente destoado pelo som alto; os erros plásticos absurdos de continuidade em algumas cenas; e alguns efeitos especiais totalmente parcimônicos.
É aí que entra o tal argumento defensivo de muitos: o supracitado diretor estava querendo reviver os tempos de seu início de carreira, utilizando meios similarmente limitados aos existentes da época.
Tá, eu já entendi, só que isso seria aceitável se o filme fosse definitivamente uma sátira, mas não é. Isso não justifica a utilização de métodos obsoletos e o clima histriônico e antiquado da estória. Não preciso nem sequer citar a intolerável bigorna que aparece do nada (só assistindo para entender quão vil é a cena).

Todos sabem que o foco dos filmes de terror de hoje é totalmente distinto dos anos 80, época em que nada era tão crível no tocante a arte de amedrontar. A filosofia era: quanto mais sangue e mais explicitasses nas cenas, melhor. Entretanto, ainda mantenho minha opinião sobre a incoerência do filme. Sinceramente não consegui me envolver, mesmo sendo ele esforçado em entreter o espectador. Assistir algo somente para rir, quando na verdade a sensação deveria ser outra, sob a única recomendação de “não se levar a sério”, não combina com minha concepção de diversão. A categoria “comédia” é mais apropriada a esta visão.
Como disse antes, comédia e terror são gêneros que esporadicamente combinam, e aqui a relação dos dois, a meu ver, não teve êxito.
Também, um filme em que se tem a presença de Justin Long (“Ele Não Está Tão a Fim de Você”) seria demais pedir algo mais sério e definido. Apesar de sua presença no semi-assustador “Olhos famintos”, sua filmografia é marcada por filmes de caráter cômico, então... dizer mais o quê?

Concluindo, eu não consegui aproveitar o filme, mas não posso simplesmente denegri-lo, como também não posso recomendá-lo com todas as condecorações. Existem muitos que irão aproveitar bem o longa, já eu, não consigo indicá-lo sem antes alertar que não é um filme para ser relevado (mesmo!!).
Se você, leitor, é do tipo que curte rir de momentos bizarros não importando o contexto, este é “ô” filme, caso contrário, você se decepcionará como eu, mesmo compreendendo que "Arraste-me para o inferno" foi totalmente intencional em suas falhas.

Filme "MEU TRABALHO É UM PARTO"

2009-11-11T15:42:00.000-08:00

Lindsay Lohan já foi uma "adolescente em crise”, talvez por essa razão, nesses últimos anos ela optou por se mostrar uma adulta inconsequente.

Após seus desvarios alcóolicos, tendo como efeito inúmeros escândalos sociais, Lindsay parece não ter mais alternativa quando escolhe seus filmes. É um fracasso seguido de outro, sempre marcado por películas de baixo orçamento e direção inexperiente.
A jovem hoje, fisicamente mais magra e menos bonita – resultado de uma vida desregrada –, perdeu sua imagem “cuti cuti” de quando estrelava filmes produzidos pela Disney.
Em relação a isso, só posso dizer: “Lindsay Lohan não é mais aquela, olha a cara dela...”. A paráfrase perfeita pra definir a atual condição da carreira da loirinha.
Está certo que o intuito do comentário é falar sobre o mais novo filme de Lindsay, mas é necessário ter um mero vislumbre de sua vida pessoal, para entendermos o porquê de sua decaída na profissão.

Bom, o título do longa é uma tradução espertinha, mas nada original: “Meu trabalho é um parto” (Labor pains, 2009).
O roteiro conta a estória de Thea, uma jovem que a se ver ameaçada pelo desemprego na editora em que trabalha, inventa para seu chefe que está grávida, visando à idéia de não ser despedida devido a sua condição de “gestante”. Porém, sem pensar no que isso acarretará, ela mantém a farsa e passa a tirar proveito da situação em todos os sentidos.

Pra começar, o filme é uma bomba! Pois é, não há termo mais apropriado que este para definir esta produção. A estória é fraca, mal desenvolvida e muito sem graça. Quase a mesma descrição do desempenho sofrível de Lindsay no papel principal.
Tudo bem que ela nunca foi referência no quesito atuação, mas nota-se facilmente seu constrangimento ao representar à personagem que, mais deslocada impossível!
E mesmo tendo uma premissa aparentemente interessante, infelizmente, por conta da direção preguiçosa, tudo se tornou extremamente parco, pra não dizer, medíocre.
Os diálogos são superficiais, a fotografia e a arte nada inspiradas, e o elenco secundário não serve nem como suporte. Sendo assim resta somente Lindsay para carregar o filme, o problema é que ela não tem mais carisma pra isso.

A atriz Cheryl Hines ("Férias no trailer"), pouco aproveitada aqui, começa bem com sua presença ligeiramente divertida de personagem coadjuvante, no entanto, sem mais nem menos sua participação se torna esporádica, limitando-se a proferir falas sem importância.

As cenas, então, sob condição muito pior, destacam-se pelo aspecto amador e pela falta de agilidade em sua composição. Isso porque o posicionamento da câmera parece estar estagnado, filmando sempre o mesmo ângulo dos atores, como se estivessem em um episódio de sitcom – com exceção de uma tomada rápida no final feita pelo recurso de uma grua muito mal direcionada, o que também é uma informação irrelevante.

Entre tantos problemas técnicos e estruturais, como a trilha sonora quase nula e de baixo volume que deixa tudo ainda mais monótono, o filme simplesmente se arrasta e não atinge um ponto alto sequer.
E como se não bastasse, o desfecho se diverge em mais uma trama do subgênero romântico, que tenta utilizar a comicidade como distração, para culminar em mais um amor adocicado, manipulado e sem química. Pode até se dizer que este era o detalhe que faltava para tornar o enredo ainda mais debilitado.
Agora, pra piorar (!!!), nos momentos finais o roteiro tende a trazer alguns resquícios de drama, o que é óbvio à tentativa frustrada, se nem mesmo a comédia, que deveria naturalmente estar inserida à estória, funciona aqui.

Sem mais, “Meu trabalho é um parto” se conclui de forma ingênua, clichê e com todas as limitações imagináveis, entrando aí para o ranking dos fracassos cinematográficos de Lindsay Lohan, conseguindo superar até mesmo o terrível “Eu sei quem me matou”.
Depois disso só posso dar um conselho: prefira entrar em trabalho de parto a assistir este filme.

Filme "GAROTA INFERNAL"

2009-11-08T17:30:00.000-08:00

Ao tornar-se conhecida por co-estrelar o blockbuster de 2007 “Transformers”, Megan Fox se tornou referência em sensualidade, graças à silhueta perfeita e sua beleza estonteante. E porque não dizer, tornou-se por este motivo a garota-sensação na época.

Agora em 2009, após a sequência de “Transformers”, a morena volta protagonizando este terror teen intitulado como “Garota infernal” (no original “Jennifer's Body”), tornando-a novamente o foco da vez.
Com certeza, essa foi a oportunidade de Megan Fox provar ser mais do que um rostinho (e corpinho) bonito. Por certo não decepcionou, mas também não passou de uma performance mediana.

Outra que ficou conhecida na mesma época que Megan, foi Diablo Cody, a ex-stripper que se “redimiu” da profissão se tornando roteirista, tendo seu debute muito bem reconhecido com o Oscar de “melhor roteiro original” por seu trabalho em “Juno”, película estrelada pela notável Ellen Page.
Desta vez, Diablo é responsável pelo roteiro de “Garota infernal”. O filme foi aguardado “em cólicas” por muitos, alguns para verem Megan em um papel promissoramente sexy, outros para confirmarem se o talento de Diablo foi sorte de principiante.
Adianto que o filme não é de todo banal, mas não merece ser visto pelos motivos acima. Primeiro, a sensualidade de Megan, mesmo com ela se insinuando desde a primeira tomada, está um pouco comedida e sombria - detalhe este nada estimulante pra mim. Já o roteiro de Diablo, absurdo e fetichista, não é de todo ruim, mas nada comparado à “Juno”.

A estória é sobre Jennifer, uma “cheerleader” de colegial popular e sedutora, que mexe com o imaginário da rapaziada do colégio. Como companhia ela tem sua melhor amiga Needy (Amanda Seyfried), uma loirinha permissiva e com pinta de nerd.
Certo dia, uma aspirante banda de rock ao chegar à cidade atrai a atenção de Jennifer, provavelmente envolvida pela idéia de se relacionar com um cara da “cidade grande”.
Ela e sua passiva amiga Needy vão até o bar no qual rolará a apresentação, chegando lá o local é tomado por um incêndio, e sem que perceba isso, por estar estaticamente cativada pelo vocalista da banda, Jennifer é salva por Needy que, após livrá-la de ser carbonizada, não consegue impedir que Jennifer vá embora com a banda numa van.

A partir deste ocorrido, eventos estranhos começam a acontecer, envolvendo corpos de garotos mutilados por aparentes mordidas.
Needy, na mesma noite do acidente no bar, presenciou dentro de casa uma cena um tanto sobrenatural de Jennifer, após sua volta do "passeio" com a banda, então, ela começa a ligar os pontos e por fim, deduz ser Jennifer a responsável pelos assassinatos, tendo logo após a confirmação pela boca da própria, quando esta confessa ter sido vítima de um ritual satânico feito pelos roqueiros.
Os integrantes da tal banda de rock, certos de que por via do tal sacrifício conseguiriam fama (e conseguem!), erram na escolha da oferenda por não ser esta virgem, e como consequência abrem espaço para o aparecimento de um demônio no corpo da jovem moça. E agora, para manter-se forte, a criatura precisa se alimentar. Qual é o cardápio? Obviamente, garotos.
Como resultado desta aventura pode-se esperar mortes, sexo e muitas tiradas cômicas.

Bom, a meu ver a maior injustiça do filme é que Megan Fox leva todos os louros do longa, quando, na verdade, quem brilha é Amanda Seyfried, a Needy da estória.
Megan apresenta uma boa atuação, embora, para quem seja consideravelmente bonita não há dificuldade em instilar sensualidade, enquanto Amanda tem mais expressão e uma representação mais precisa.
Já no que diz respeito ao roteiro, o talento de Diablo é irrevogável, porém, a inclusão de humor nos diálogos, apesar de inteligentes e afiados, comprometem o terror, deixando uma pérfida impressão no tocante ao gênero.

Os adolescentes – como público alvo – serão brindados com uma trilha sonora típica à idade deles e um clima sugestivamente picante, preenchido por uma beldade de idade adulta, interpretando uma adolescente (fato muito comum em seriados) mais que oferecida. Um prato cheio pra galerinha dos hormônios.

Por outro lado, sob uma visão não tão otimista e pouco apaixonada, "Garota infernal" não cumpre o que promete por meio do thriler, o desenvolvimento também é meramente superficial, a fórmula não é original, não assusta, e a cena mais marcante, absolutamente, se dará pelo beijo super caliente de Megan e Amanda (pura apelação já que não acrescenta nada à estória)...
No mais, filmes assim ganham evidência por mostrarem ídolos adolescentes fora de papéis que os consagraram. O mesmo ocorreu com Vanessa Hudgens em “High School Band” e Zac Efron em “17 outra vez”. Só existem para angariar mais fama aos astros teens. E a bola da vez é Megan Fox.

Filme "O MISTÉRIO DAS DUAS IRMÃS"

2009-11-01T10:52:00.000-08:00

O gênero terror na visão oriental, quase numa escala unânime, sempre é explorado sob temas sobrenaturais que se restringem à figuras fantasmagóricas.

Por sempre usarem a mesma fórmula, não é de hoje que se desgastou o sub-gênero “terror psicológico”.

No mesmo caminho, temos os produtores de Hollywood que há anos, incentivados estritamente pela bilheteria, clonaram o tal “padrão de terror oriental”, e é só o que há desde então (maldita seja a influência de “O chamado”!!!).
Por este motivo, os filmes de terror (e não somente esta categoria) tem se tornado infelizmente uma espécie de compilação generalizada.

O filme “The uninvited”, que no Brasil tornou-se “O mistério das duas irmãs”, exemplifica bem essa era desprezível que impera em Hollywood.
O longa é uma adaptação americana da produção sul-coreana intitulada de “Janghwa, Hongryeon” (Nos EUA é “A Tale of Two Sisters” ) lançada em 2003. No Brasil, o original sul-coreano ganhou a tradução de “Medo”.

O roteiro é obviamente um carbono do oriental. Alteram-se os nomes, as locações, mas a essência da estória e dos personagens continua intacta.
A sinopse é esta: Anna (Emily Browning) e Alex (Arielle Kebbell) são irmãs e muito apegadas. Anna, a caçula, após presenciar a morte da mãe doente – resultado de uma explosão ocorrida no quarto em que a mesma costumava ficar –, se vê em um internato tentando se reabilitar do trauma, sem conseguir ao certo encaixar as razões pelas quais ela foi parar lá. Enquanto Alex tem certeza de que sua mãe foi assassinada pela madrasta Rachel (Elizabeth Banks), que trabalhava como enfermeira da mãe convalescente no local.
Ambas ao voltarem, simultaneamente, para a casa do pai, tentam desvendar o mistério da morte, a fim de revelar o responsável.
Nesse meio tempo, Anna passa a ver o fantasma de sua mãe que, parece indicar-lhe as pistas necessárias para se concluir o mistério. Devido aos indícios e ao comportamento estranho da madastra, as suspeitas contra ela só aumentam.

Bom, voltando à atenção ao roteiro, o mesmo possui alguns ingredientes básicos que, na verdade, servem mais como regras mesmo: a casa velha que faz ruídos; os sustos previsíveis; o corredor mal iluminado; o lago próximo a casa; a mocinha com roupinhas sem graça, de personalidade ingênua e curiosa; a nímia quantidade de sangue nas cenas, e por aí vai. Tudo muito aborrecido.
É certo que muitos filmes de terror consagrados também fizeram uso de alguns desses clichês, o problema é que essas produções infames extrapolam. Um bom roteiro, personagens bem elaborados, enquadramentos precisos, o uso da sonoridade como um apoio e não como a razão, são recursos em extinção nos filmes de terror.

Quanto à trama, esta se desenrola de forma lenta (outra característica irreparável do gênero), com um susto óbvio aqui, outro ali, além da presença de algumas figuras assustadoras. E logo o filme atinge seu ápice, seguindo todos os moldes já experimentados – vimos recentemente esse mesmo padrão sendo utilizado em “Evocando espíritos” – para render-se a conclusão.
E é aí que entra o único "escape" do longa: seu desfecho inusitado; a única razão para não o eliminarmos de vez do rol de filmes que, pelo menos entretem, mesmo quando inúteis.
O problema é que "O mistério das duas irmãs" deixa transparecer descaradamente seu único interesse que é apenas surpreender no final, independente do quanto tenha sido pífio o enredo até chegar ali.

É certo que a reviravolta do final é realmente surpreendente, com certeza méritos da inspiração de “O sexto sentido" (1999), porém, não há justificativa para um filme não se importar com seu contexto, somente para entregar um fim inesperado.
“Os outros" (2001) também utilizou uma tática similar para entregar algo imprevisível, mas isso foi feito de forma bem sofisticada e autêntica, sem deixar em nenhum momento sua identidade ser ofuscada.
Essa é a diferença entre utilizar uma referência e depender totalmente dela, como fez “O mistério das duas irmãs”.

Portanto, ao que parece, os irmãos Guard não levaram muito em conta o fato de dirigirem uma estória já existente, pois, ao recriarem a trama totalmente dependente do final (sem dúvida a parte mais relevante), fazem com que o filme só não seja comprometido caso o espectador não opte por ver primeiro a obra original sul-coreana.
Pelo sim pelo não, se isso acontecer, nada mais se salva, nem sequer o elenco...
E por falar em elenco, temos Elizabeth Banks interpretando a madrasta e comprovando que esse tipo de papel não se encaixa em sua pessoa. Enquanto a insossa Emily Browning, sendo aqui a mais convincente ao representar, erra feio na composição desleixada da personagem (que cabelo e que roupas são aquelas???). Já Arielle Kebbel continua sendo a mesma "garota - coadjuvante - de - filmes - inexpressivos".

Por fim, concluindo o paralelo entre o remake e o original, alguns podem não concordar, mas a obra sul-coreana dá um banho de superioridade. Os elementos utilizados por eles para se provocar o medo são bem mais elaborados, desde o clima aterrorizante da estoria às críveis atuações. Com isso, a mediocridade americana, por se intrometer em um estilo que não é seu, só é mais uma vez ressaltada.
Eu, particularmente, acredito que Hollywood só tem insistido em dar vida a essas "bombas" por um único e infeliz motivo: ainda há um considerável público pra isso. Até mesmo quem não curte, como eu, acaba contribuindo para com a bilheteria, mesmo que involuntariamente...
Por isso, eu imploro: não seja você mais um.

Filme "A ORFÃ"

2009-11-01T10:36:00.000-08:00

O filme “A órfã” (Orphan) não é o tipo de película que atrai pelo cartaz – o deste está especificamente medíocre –, muito menos pela sinopse. Sabe por quê?

Que novidade há em filmes sobre órfãos hostis, ou crianças macabras? A se julgar por outros títulos lançados que aborda o tema, nenhuma.
Porém, o diretor Jaume Collet-Serra provou que é possível repaginar o gênero, ainda que não seja de forma totalmente original.

Na estória, temos o casal Kate e John, tentando se readaptar a rotina de casal, após superarem problemas como infidelidade e dependência alcóolica.
Dentre tantos problemas, Kate também sofreu um aborto, e por tal motivo, ela e John decidem adotar uma criança para preencher essa lacuna emocional, apesar de acharem conforto na presença de seus dois filhos biológicos, Daniel e a pequenina Max que é também deficiente auditiva (consequentemente muda).
Então, ao aderirem a adoção, entra em cena Esther, uma menina de 9 anos, que possui um aguçado intelecto, acompanhado de talentos extraordinários, e um gosto peculiarmente nostálgico quanto à indumentária.
A partir da presença de Esther na casa, uma série de eventos perigosamente incomuns passa a ocorrer. E pelo comportamento inicialmente introvertido e suspeito da menina, Kate passa a acreditar que ela esteja envolvida nos tais acontecimentos; o problema é que nem seu marido, nem sua terapeuta, acreditam em sua versão: há algo errado com Esther.

Bom, a primeira lembrança que veio à minha mente ao assistir “A órfã” foi a de “O anjo malvado” (The good son, 1993) estrelado pelo suplantado Macaulay Culkin – elogiável como o vilãozinho do filme na época.
O filme também é ambientado no inverno, com direito a casa na árvore e a referências de acidentes ocorridos em lagos congelados.
Embora, mesmo com semelhanças fáceis de detectar, o espaço cronológico entre eles torna evidente as particularidades e os avanços do tema desde então.
“O anjo malvado” é um filme mais realista e mais comedido no tocante à violência explícita, enquanto “A órfã” recorre a um nível de sadismo e tensão pouco explorados em filmes sobre sociopatas infantis.
Desde o prólogo é possível notar que o longa não se trata de um suspense moderado.

O estilo do diretor Jaume no gênero, pode ser conferido anteriormente na descartável refilmagem “A casa de cera”, marcado por sua pouca consistência contextual, que tenta se compensar pelo visual perturbador que compõem suas cenas.
Em “A órfã” podemos começar por todas aquelas que envolvem a supracitada Esther, interpretada pela precoce Isabelle Fuhrman.
A atriz juvenil que, na verdade, tem 12 anos, e é o que há de melhor no filme. Normalmente um ator mirim ganha evidência na mídia quando este demonstra uma vanguarda habilidade em transmitir emoção. No caso de Isabelle, ela não precisa ser chorosa como Dakota Fanning, ou tão introspectiva como Halley Joel Osment, para o espectador perceber o quão insigne ela é.
Ela realmente demonstra com clareza a frieza e a dissimulação necessária para compor uma personagem tão desumana. E o melhor: ela realmente assusta.

Já a pequenina Aryanna Engineer, como a dócil Max, é uma graça. Eu me encantei ainda mais por ela ao saber que a mesma é deficiente auditiva na vida real.
Quanto ao elenco adulto, o ator Peter Sarsgaard, como John, está confortável no papel, mas é Vera Farmiga que convence melhor no quesito atuação (talvez por seu papel ser notavelmente mais exigente).

Num apanhado geral, pode-se dizer que o filme realmente não é autêntico e abusa dos clichês mais característicos. Até as personalidades de cada personagem é um verdadeiro revival de estereótipos: A mãe depressiva e dedicada, traumatizada por motivos pessoais, que tenta reprimir algum tipo de vício (como bebida, cigarro, ou remédios...); a criança que presencia tudo, mas que, por algum empecilho, não pode contar; o pai indiferente que põe em descrédito os alertas da esposa; o filho ciumento que se torna alvo fácil por sua prepotência; uma autoridade (religiosa, ou civil) ligada à criança que se dispõe a avisar a família...
Tudo muito proposital para que no momento certo cada um tenha sua dose de participação nos sustos e nas surpresas.
Ou seja, é o típico perfil de filmes em que o suspense está centrado na figura de uma criança misteriosa.

Enfim, sem querer parecer contraditório, “A órfã” é uma boa pedida para um suspense. Não que isso retire o incômodo que há em se ver tantos elementos requentados de obras similares, mas só o fato de ser um filme que apresente uma criança como antagonista, não sendo ela um ser imortal, já é um alívio.
O clima pesado e agonizante – ainda mais, para o elenco infantil que, por sinal, tira de letra – deste suspense progressivo, já garante a diversão. Destaque para o desfecho inopinado da trama.
Há alguns que afirmam que esse ou aquele conseguiu desvendar o filme premeditadamente, todavia, tem que se reconhecer que o final é, ainda assim, inusitado.
Agora, ressalto que assistir “A órfã” pode ser uma influência negativa para pessoas que são impossibilitadas de ter filho, se estas se impressionarem fácil. Afinal, após presenciarem tal experiência, mesmo que fictícia, a adoção poderá não ser mais uma opção para eles.

Filme "O PROCURADO"

2009-10-13T16:40:00.000-07:00

Sabe aquele processo de explosão de hormônios que todo garoto de 12 anos costuma passar, em que o gosto por tiros, socos, lutas ou qualquer outra expressão de violência parece ser o melhor que há? Então... O diretor Timur Bekmambetov ("Guardiões da noite"), parece ainda estar vivendo essa fase. E para ratificar isso, ele deu vida a esta projeção intitulada de “O procurado”, um dos filmes de ação mais “nonsense” que já vi.

Em primeiro lugar, esqueça Rambo, Macgyver, ou até mesmo o Neo da trilogia “Matrix”. O mais novo e absurdamente inverídico herói se chama Wesley Gibson!
Lembram-se do inofensivo Senhor Tumnus, o Fauno do filme “Crônicas de Nárnia: O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa”, pois é... ele é Wesley Gibson!!

A estória do filme é a seguinte: o supracitado jovem Wesley (James McAvoy) mora em uma pocilga muito mal localizada; tem um emprego estafante; uma namorada que lhe trai com seu melhor amigo; e ainda por cima sua personalidade é tão débil a ponto dele consentir tudo e qualquer coisa, se consolando com antidepressivos.
O que ele não sabia até então é que seu pai, o qual ele não conheceu, foi morto enquanto trabalhava para uma fraternidade de matadores que tem como objetivo aniquilar todos os assassinos que o destino os disponibilizar. O mais interessante é que quando tudo parecia não ter mais jeito, a tal liga vem à procura de Wesley para transformá-lo em um assassino tão bom quanto seu pai, impondo-lhe ainda a incumbência de matar o homicida do mesmo.

Como podem ver, não é nada demais. É uma estória simplista e nada inovadora... isto é, até vermos a composição das cenas.
O início do filme é interessante; mostra realmente como a vida de Wesley é vazia, metódica e angustiante. Seus quase- colapsos diários demonstram bem o nível de estresse do personagem, muito bem transmitidos pelo fauno... quero dizer, pelo ator James McAvoy.
A mudança brusca e involuntária na vida de Wesley, nunca mais será esquecida por ele que, agora é caçado e tem a obrigação de tornar-se apto para matar da forma mais hábil possível – tipo, algo como arrancar as asas de uma mosca com tiros não dão nem pro cheiro.
Então, sem muitas opções, ele ingressa nessa aventura com todo afinco.

A partir daí, ele, por intermédio dos membros da tal fraternidade, começa a passar por um tipo de treinamento nada ortodoxo, que consiste em ser esfaqueado e torturado de todas as maneiras que desejarem.
Para que a recuperação do rapaz seja eficaz e rápida, eles o imergem em uma espécie de sebo curativo que em questão de horas o deixa “novo em folha”. E isso acontece várias vezes, pelo fato de seu treinamento ser intensivo (leia-se constante).
Num período de poucas semanas, Wesley passa por uma transformação idiossincrática de dar inveja a qualquer um.

E como se não bastassem todos os detalhes incabíveis e fantasiosos com relação ao personagem principal, acredito que qualquer um que tenha ouvido falar do filme, sabe que aqui carros dão piruetas e caem de pé dando continuidade ao percurso; balas fazem curvas; os seres humanos resistem a qualquer ferimento; atravessam prédios distantes só no impulso de um salto; são irredutíveis à quedas de precipícios; brincam sobre trens em alta velocidade; tudo de forma bem “natural”.
“O procurado” simplesmente desafiou qualquer lei existente, desde a lógica às leis da física. E pode ter certeza que o longa não é ambientado em um plano virtual como em “Matrix” – este que deu margens aos absurdos visuais no gênero.
Pelo menos, o universo de Neo mantém a decência de defender uma realidade antinatural, ao contrário de “O procurado” que, descaradamente, apela para todo o tipo de recurso surreal dentro de nosso universo normalesco.
Eu não me espantaria se os personagens do nada começassem a voar, ou soltar fogo pelas ventas. Afinal, pelo que foi apresentado, estaria totalmente adequado ao script.

Quanto às atuações, o protagonista James McAvoy não decepciona totalmente. Ele tem expressão, é esforçado, mas não passa credibilidade como ator de ação. Ao contrário de Angelina Jolie que está totalmente à vontade em seu papel. Personificando uma mulher bruta e de poucas palavras, o máximo que ela precisa fazer é exalar uma hostil sensualidade, e a faz com maestria, mesmo já não estando tão bonita como antes.
Agora, quem não teve oportunidade de desenvolver bem seu personagem foi Morgan Freeman (ainda que importante para a trama).

O roteiro, por fim, tem bastantes furos, que tentam ser compensados com o excesso de efeitos especiais (muito bons por sinal), e a narrativa apressada. Tantos os cortes, como as cenas, tudo muito corrido, mas ainda assim funcional.
O maior desgosto que o filme causa é sua irrealidade exasperada mesmo. Tudo bem que o filme é de ação, mas até mesmo a ficção precisa de limites. Constrange passar boa parte do filme exclamando interjeições do tipo “aaahhh, que isso!!”. Entretanto, pode-se aproveitar alguma coisa de “O procurado”.
O que eu mais gostei foi às reviravoltas do último ato: bem imprevisíveis. Aliás, inesperada mesmo foi a cena de Wesley utilizando-se de inúmeros ratos numa tentativa de vingança, que não me cabe contar aqui. Eu só vi tantos ratos assim no excêntrico longa "A Vingança de Willard".

E pra concluir, o maior acerto do filme foi evitar clichês, como acentuar o drama do personagem central, ou criar um romance entre o mesmo e a mocinha da vez.
O filme, na medida do possível, diverte, mas peca, como já disse anteriormente, pelo demasio dos efeitos e das situações. Por isso, particularmente eu não gostei, mas não deixo de recomendar como entretenimento fácil.
Entre tantos conceitos equivocados do filme, fica a pérola final: se você não sabe o que fazer de sua vida, pegue uma arma e mate todos aqueles que te perturbam.
Infeliz inspiração... Como se o mundo já não fosse violento o bastante.

Filme "EU ODEIO O DIA DOS NAMORADOS"

2009-10-10T12:01:00.000-07:00

Falar sobre os conceitos de relacionamento ensinados pelas comédias românticas soa tão clichê quanto o próprio gênero. É quase impossível fazer uma resenha que se distancie do óbvio. Mas vamos lá...

A mocinha da estória, Genevieve (Nia Vardalos de “Casamento grego”), é dona de uma floricultura e “adora” o Dia dos Namorados pelo aumento das vendas de flores. O intrigante é que ela mantém um embate intrapessoal entre relacionamento sério e a tal data comemorativa.
Genevieve elaborou um método que consiste em ter apenas cinco encontros com cada cara que a interessar, e assim, segundo sua teoria, a felicidade e o romantismo são ininterruptamente garantidos, graças a casualidade, já que esse espaço restrito de tempo não dá margens para brigas, envolvimento, dor, ou qualquer tipo de mágoa, podendo ela no fim dos 5 encontros partir pra outra sem culpa.
Mas no fundo, a personagem evita relacionamentos por estar profundamente traumatizada, graças às experiências frustrantes que presenciou, por isso ela criou essa espécie de “mecanismo de defesa”. E assim, por causa desse jogo do amor, ela nunca se envolveu o suficiente ... até conhecer Greg (John Corbett).

No que tange ao roteiro, mesmo se rendendo aos clichês, é possível se divertir com o bom gosto e a elegância das cenas.
Os momentos de Genevieve com os dois homossexuais que com ela trabalham, rendem as partes mais cômicas, sem contar com seus outros amigos um tanto singulares.
Na verdade, os coadjuvantes dão um “Q” a mais. Todos são bons e engraçados. O que parece ter virado uma marca de Nia, pois todos os seus filmes são repletos de personagens secundários que estão ali para reforçarem o humor. Foi assim também com o mais novo filme dela "Falando grego".
O problema é que em "Eu odeio o dia dos namorados", o elenco de apoio não passa de um suporte sem qualquer destaque. O filme é do casal e apenas do casal.

Quanto à protagonista Nia Vardalos, eu a acho agradável, dona de um timming cômico tímido mas funcional, além de apreciar seu indiscutível entrosamento com John Corbett, mas mesmo em seu maior e mais despretensioso sucesso, “Casamento grego”, no que diz respeito à atuação, Nia é confusa e repleta de cacoetes. Poucas de suas expressões transmitem com afinco o que a personagem parece estar sentindo.
Ela me lembra um pouco a atriz brittany murphy, considerada por mim a atriz mais indecifrável no quesito atuação.
Nunca entendi as esgares e o semblante desligado de Brittany, assim como não compreendo o porquê de tantos sorrisos por parte de Nia ao encarnar Genevieve – ela sorri em 90% das cenas, o que soa forçado até mesmo para uma personagem que afirma exaustivamente no longa que está sempre feliz.

Continuando em Nia Vardalos, ela, notavelmente, não é a típica mocinha adequada aos padrões estéticos das indústrias cinematográficas, todavia, com o tempo ela melhorou bastante fisicamente. E o ápice desta melhora é possível ver em "Falando grego".

Voltando agora ao enredo, o filme tem suas pegadas à La “Casamento grego”, desde as gagues até à própria estrutura, principalmente pelo repeteco do casal protagonista.

A interação dos dois continua competente, façanha herdada pela primeira parceira. No entanto, a estória, ainda que desfrutável, é bem mais tépida e apressada.

Já a trilha sonora é um mimo. Bem delicada e romântica, sendo uma das coisas mais apropriada ao clima do filme.
Agora, o ponto mais aborrecido do filme é que as cenas não variam muito, limitando-se a mostrar o casal em seus encontros e mais nada.
Por sorte do espectador, as situações pelas quais eles passam são pelo menos engraçadas. Destaque para o passeio deles numa galeria com quadros bem excêntricos.

A diretora do filme que, no caso, é também a roteirista e a protagonista - pois é, Nia Vardalos quis fazer tudo! -, se esforça para entregar uma bela produção, no entanto, acaba entregando um final previsível e fastidioso do jeito que Hollywood gosta.
Por fim, "Eu odeio o dia dos namorados" é simplista, leve, divertido, e tem lá os seus acertos como já citei, mas é graças à química do casal e seus coadjuvantes carismáticos que esta projeção não é um total desastre.

Filme "TRANSFORMERS 2 - A VINGANÇA DOS DERROTADOS"

2009-10-09T17:41:00.000-07:00

Como era de se esperar, “Transformers 2 - a vingança dos derrotados” vem com a intenção de ser um dos maiores filmes pipoca de todos os tempos...

E eu não posso discordar, sendo que este é um dos filmes mais exagerado que já vi, em todos os sentidos.

Ao contrário do original, nesta sequência ninguém brilha ou ganha destaque, nem sequer o astro Shia Labeouf como o protagonista Sam. Tudo é ofuscado pelos gigantescos robôs visualmente indecifráveis.
Shia deve ter se sentido em um “revival” do filme “Controle absoluto”, pois mais uma vez, ele simplesmente precisou correr e correr muito (!!) o filme todo.
Em nenhum momento ele pôde explorar mais características da personalidade de seu personagem porque não houve essa abertura por meio do roteiro.
O diretor Michael Bay simplesmente deu uma continuidade simplória e sem nexo a estória do primeiro filme, e recheou o resto do longa com cenas de efeitos especiais extremamente complexas e profusas.
Pois é, ele não fez nada mais que simplesmente apelar para todo o tipo de efeito visual e despejar tudo na tela.

Ainda que a qualidade do gráfico do filme seja o único motivo elogiável, tudo é muito confuso em diversos momentos, como por exemplo, nas lutas e nas transformações - pra não dizer tudo!
Não será surpresa se espectador se perguntar o que está acontecendo em cena ao assistir à massiva presença de peças mecânicas em choque, faíscas, explosões, misturando-se cores, luzes e sons. Características mais do que oriundas se tratando do fútil Michael Bay.

Em relação à trama do filme, não há desenvolvimento contextual algum, somente pirotecnia, nada mais que isso.
O filme é tão apressado na composição de suas cenas que mais parece um thriller estendido (e põe estendido nisso!!). Cansa se deparar com tanta ação banal em uma duração tão prolixa.
Não houve chance também de se criar envolvimento, ou empatia pelos personagens como foi possível no primeiro. Até o próprio desfecho do filme não surpreende, sendo que de fato, não havia mais o que ser mostrado.
Enfim, se o primeiro não tinha um roteiro consistente, aqui é pior! Os escassos enredos foram todos acoplados em um só, formando um mísero compêndio sob uma lógica anacrônica que só serve de prumo para tanto barulho e tantas lutas.

A comicidade fácil e típica do gênero também não é deixada de lado aqui. As tiradas pastelões aqui soam, por incrível que pareça, como um alívio em meio a tanto alvoroço (destaque para uma cena com um aparelho de choque portátil muito engraçada).
Shia Labeouf demonstra melhor seu carisma em cenas cômicas. Afinal, não é nada empolgante para um filme com grande apelo para a ação, ter o herói correndo a todo tempo soltando gritinhos constrangedoramente agudos.
Já a toda boa Megan Fox, mais uma vez como a passiva namorada do mocinho, não faz nada no filme a não ser mostrar-se bela – o que ela faz com competência, claro!
Sempre filmada nos melhore ângulos, a câmera só busca enaltecer sua beleza pra alegria dos marmanjos de plantão.

Alguns furos ao longo do vídeo são gritantes. Uns são bem descarados, como o do personagem Agente Simmons (John Turturro) escalando uma pirâmide (isso mesmo, uma pirâmide!), e em questão de segundos o vemos sair do meio da mesma para o topo, sem mais nem menos.
Outra interessante é a do personagem Sam (Shia), ao ser ferido pelo impacto de uma bomba lançada contra ele, tendo assim a parte esquerda do rosto extremamente machucada; passada algumas tomadas, lá está seu rosto com apenas alguns arranhões. Penso que, talvez, ele tenha adquirido poderes de se regenerar como o Wolverine, vai saber...
E por falar em personagem do “X-men”, até mesmo uma decepticon revestida de aparência humana - pra ser mais exato, como uma insinuante garota - traz à lembrança os mutantes vilões da saga do professor Xavier.

Tem uma cena que de tão pífia me fez chorar de rir: Sam praticamente em uma experiência de quase-morte, com direito a todos os clichês desta situação. Não irei entrar em detalhes para não “estragar” o momento.
Aliás, clichês em nenhum momento são economizados aqui: Corridas em câmera lenta; muitos close up´s; pop rock meloso de fundo; a câmera circulando em traveling; o patriotismo explicito representado pela presença do exército americano; cenas aéreas exageradas, e por aí vai.

Outro fato que incomoda é a surrealidade que Michael Bay dá a estrutura óssea humana.
Shia cai de alturas descomunais e nada lhe acontece! Ah, não, eu não poderia esquecer que ele machuca a mão...
Ele, tipo, poderia rolar despenhadeiros, caminhões caírem sobre ele, e nada lhe aconteceria. Ou melhor, ele machucaria apenas a mão (aff...). Isso, é claro, até vir a próxima tomada para ela estar totalmente curada – falácias dignas de Bay.

Concluindo, Para se aproveitar “Transformers 2 - a vingança dos derrotados” (péssima adaptação do título original), basta desligarem o cérebro e aproveitar as exorbitantes explosões que compõem quase 80 % do filme.
Nem preciso diser que há esta hora a imagem de Shia Labeouf como "nerd" já se tornou indelével , e algum dia, infelizmente, isso pesará na carreira dele.

Filme "A GAROTA IDEAL"

2009-10-09T17:25:00.000-07:00

A julgar pela sinopse do filme “A garota ideal” ("Lars and the Real Girl"), eu diria que o dito popular “seria triste se não fosse cômico” cairia como luva para descrever esta projeção. No entanto, ao assistir o filme, eu parafrasearia esta expressão da seguinte forma: “seria cômico se não fosse lindo”.

Vamos então à sinopse para que possam entender o porquê...
Lars, um jovem adulto tímido, não consegue se relacionar com ninguém diretamente. Totalmente recluso, ele mal consegue interagir com seus próprios vizinhos que, no caso, são seu irmão e sua cunhada.
Então em um belo dia, ele aparece com uma boneca de silicone de tamanho real, usada para fins sexuais (mas não no caso dele), a qual ele apresenta como um ser humano, ou para ser mais exato, como sua namorada.
Segundo Lars, a boneca é uma jovem missionária brasileira chamada Bianca que adora crianças. E para dificultar mais, ele pede para o irmão a hospedar, pelo fato de Bianca acreditar no celibato.

Como podem ver a descrição da estória acima não se adéqua ao termo “lindo” que usei anteriormente para classificar a película. Mas acreditem: nada aqui é retratado de forma infame ou bizarra, nem sequer terá cena de humor fácil ou escrachado.
“A garota ideal” não passa de um belo drama, trasvestido de comédia. Até mesmo em seu trailer é possível enganar-se com a idéia de que será mais uma comédia de fim romântico. Mas o interessante é que o espectador só irá se dar conta da real intenção do filme quando realmente o assistir.

As tiradas cômicas e os momentos constrangedores existem sim, mas tudo é muito sutil, sem beirar em nenhum momento o ridículo. E por incrível (e paradoxo) que pareça, o filme pende para um lado tão profundo e denso como poucos filmes conseguem.
A falta de foco em um gênero específico funciona muito bem, por isso “A garota ideial” é tão uniforme em sua mescla de tipos.

Craig Gillespie, com sua ótima direção, marcando aqui seu debute, conseguiu a façanha de reproduzir uma situação embaraçosa e implausível, de forma altamente verossímil e emocionante, indo de confronto à própria impressão inicial.
Aparentemente o longa discorreria por uma linha medíocre, mas bastou cair nas mãos certas para se ter algo bem superior às expectativas.

Já com relação ao elenco, é altamente inspirador ver o minimalismo de cada representação. Os diálogos, as performances corporais, os olhares, as sentimentos exprimidos, tudo muito bem acoplado à trama.
Um integrante destacável deste considerável casting é a jovem Kelli Garner com sua natural e encantadora interpretação. Apaixonei-me por sua personagem. Aliás, todos são igualmente elogiáveis.
Kelli, assim como a maior parte do elenco, consegue conquistar o espectador nos pequenos detalhes, sugerindo em cada gesto uma intenção.
Outros nomes que merecem ser citados são de Emily Mortimer, como a cunhada de Lars, e Paul Schneider, como o irmão.

O roteiro altamente analítico de Nancy Oliver desenrola-se progressivamente, envolvendo o espectador com toda a meticulosidade.
Na estória, os moradores do bairro de Lars consentem em inserir a boneca em suas vidas, tratando-a como um ser literal, tudo para que Lars possa se sentir realizado, aceito e possivelmente “curado”.
Essa valiosa e tocante lição de altruísmo, quase extinta no cinema, é que deixa o filme ainda mais poético e filosófico.

Agora, sem esquecer a melhor parte, temos o espetacular protagonista Ryan Gosling (“Diário de uma Paixão”), que desconcerta qualquer um com sua bela atuação. Confortabilíssimo no personagem, ele transmite com maestria o comportamento complexo, iludente e reprimido de Lars; não é à toa que Ryan foi indicado ao globo de ouro na categoria de melhor ator por este papel.

Enfim, é claro que o filme não é perfeito, tem lá seus momentos exagerados e alguns leves furos, contudo, julgando-o no geral, ele atinge o ápice do que se espera de uma ótima projeção.
Ao apresentar uma visão écloga da vida em como ela deveria ser, sem sombra de dúvidas, esta obra de aspecto não-convencional, qualificada, intitulada como “A garota ideal”, é altamente recomendável. Estou certo de que irá emocionar até o mais indiferente e disperso ser humano.

Filme "A TROCA"

2009-09-29T17:49:00.000-07:00

Eu hesitei bastante em assistir "A troca" por não me identificar muito com filmes dramáticos, apesar de serem neles que se presencia, na maioria das vezes, as melhores atuações.

Num sábado à noite sem muito o que fazer, resolvi assistí-lo. E não me arrependi... tanto.

Eu não conheço muito a carreira de Clint Eastwood, talvez por protagonizar e dirigir filmes de gênero não tão atrativos a meu ver, mas confesso que ao assistir este longa, as comparações com o também dirigido por Clint, "Sobre meninos e lobos", foram instantâneas. Desde a temática similar - rapto infantil - até a criação classicista das cenas.

O roteiro se baseia em um caso real ocorrido entre 1928 e 1930. A personagem central Christine Collins, vivida pela bela Angelina Jolie (não tão bela aqui), sai para trabalhar e deixa o filho Walter em casa com um babá. Na volta não o encontra mais.
Ao recorrer à policia, eles restituem à ela uma criança presumindo ser a dela, o que não é. E mesmo ela mantendo-se relutante, o oficial responsável insiste na idéia de que encontraram a criança desaparecida.
A partir dessa premissa inicia-se uma história longa, fria e angustiante.

Angelina Jolie sempre foi reconhecida por seus lábios acentuados e insinuantes. Dona de uma beleza invejável e de uma postura incisiva no cinema, ela se apresenta aqui como uma dócil, frágil e recatada mulher, sem a beleza que lhe marcou durante sua carreira.
Apesar de eu não ter achado o filme emocionalmente definido, a atuação de Jolie foi pra mim enternecedora. Seus gestos, seu semblante, tudo muito bem representado e adequado à época. Mesmo não sendo uma tarefa fácil vê-la assim tão ingênua e contida.
Sua personagem, debilmente inocente com relação ao que lhe rodeia, sofre abusivamente pelas circunstâncias que lhes são impostas devido ao acontecimento com seu filho: ter de lutar contra a polícia de Los Angeles, para provar o erro deles na busca pelo menino, e simultaneamente tentar reaver o mesmo.

Por ser uma história real, é possível se sentir incomodado com tudo o que acontece com Christine. injustiçada inúmeras vezes, o seu culmine é o sanatório. Graças a ajuda do Reverendo Gustav Briegleb (feito habilmente por John Malkovich), um homem implacável em denunciar a intransigência e a corrupção da corporação de polícia de Los Angeles, Christine é ouvida e notada por toda a cidade, criando um alvoroço que ela jamais imaginará ou talvez quisera.

Em meio à seca dramaticidade, o filme envolve o espectador no início do filme, o problema é que Clint prolonga demais o video inserindo à história o julgamento do caso, detalhando cada ponto, tornando o longa menos empático. Principalmente por seu desfecho não ser o típico "final feliz".
É exatamente nesse momento que o filme tira o foco do sofrimento da mocinha, e tenta expurgar todos os erros acometidos à ela, apresentando a idéia de que a corrupção não está nas instituições, mas naqueles que as compõem, frisando as acusações, a investigação e a conclusão do caso. E assim, torna-o extremamente cansativo nos momentos finais (e quantos tiveram!).

Enfim, só posso dizer que "A troca" não é o filme que eu esperava. É mais inquietante do que emocionante. Em muitos momentos é sombrio, desviando-se mais para o suspense do que para o melodrama. E muitos pontos são exgerados e duvidosos (como o reverendo chegando na clínica na hora em que a personagem seria punida com choques em sua cabeça, evitando que assim o fizessem).

Mas o que mais me fez questionar o filme (e não o acontecimento em si) foi que a babá do filho de Christine nunca foi interrogada, como destacou muito bem um cinéfilo que admiro ao também resenhar sobre o filme em seu blog.
Então, para concluir, eu recomendo o filme, mas tenho a certeza de que qualquer um que vier assistí-lo distinguirá o excesso e a tibieza que Clint teve com uma tão comovente história.

Filme "CONSTANTINE"

2009-08-27T18:44:00.000-07:00

Antes de mais nada, meu comentário se restringirá a "Constantine" como filme, até porque não conheço exatamente sua versão original em HQ.

Keanu Reeves já provou que sabe muito bem selecionar as produções em que estrela. Não por serem filmes inteligentes, mas por terem grande apelo comercial e altíssimo orçamento. Está certo que isso não gera boas críticas ao seu desempenho, porém, enchem seu bolso. No fim, ele está no lucro. Sua imagem é bem propagada para os fãs, e sua carreira se mantém firme, a ponto de exigirem sua presença como protagonista, comprometendo até a concretização do projeto se assim não for, como no caso de "Constantine" - O personagem central do título é vivido por ele.
Protagonista também da trilogia arrasa-quarteirões "Matrix", Keanu Reeves está sempre com uma atuação inconstante, inexpressiva e de caráter tênue. Por incrível que pareça, ele ainda não conseguiu entregar uma interpretação primorosa. Em "Constantine" o que o salva são as cenas de ação em que o mesmo tem grande habilidade em realizar.

O filme tem um roteiro ostensivo e ambicioso, porém interessante. Seu foco é o choque que há entre os mundos paralelos conhecidos teologicamente como "céu" e "inferno". O nosso mundo, no caso o "Mundo real", não passa de uma divisa entre os dois mundos equidistantes.
Nascido com um dom que não desejou - a capacidade de reconhecer claramente os anjos e os demônios híbridos que andam pela Terra com aparência humana -, Constantine (Reeves) tirou a própria vida para escapar do tormento de suas visões. Porém, sua tentativa fracassou. Contra sua vontade, ele foi ressuscitado com a incumbência de proteger a fronteira entre o céu e o inferno, para aniquilar todos os demônios que teimam em vagar em nosso meio, mandando-os de volta ao seu " habitat".
Como um suicida em potencial, Constantine tenta expiar seus pecados por meio de sua missão - ele que está longe de ser um héroi convencional, muito menos espiritual. Concluindo então seu trabalho, ele ganha a salvação.

Rachel Weisz ("A múmia"), está maravilhosa interpretando gêmeas sensitivas. Realmente ela rouba a cena, e é de uma presença incrível, além de bela.
Como a policial Angela Dodson, Rachel pede ajuda a Constantine para tentar solucionar o caso da morte de sua irmã, a mesma (também intepretada por Rachel) que morreu sob circunstâncias sobrenaturais, deixando Angela perturbada, embora ainda cética.

Ao iniciarem a busca por respostas, Constantine e Angela, ficam a mercê de eventos estranhos e nada naturais, tornando assim evidente a batalha entre os mundos espirituais.
"Constantine" é de uma temática polêmica, assustadora e obscura. Em meio a tantos personagens heróis sem contexto, Constantine possui carisma, mesmo não tendo o melhor dos caráteres.

A estória não é lá uma obra prima, mas instiga a imaginação, estimulando a curiosidade pelo desconhecido.
O elenco base da trama mostra-se convincente e preparado. Somente Reeves não consegue se equiparar aos colegas. Porém, não está pior que em seus último filmes.
Peter Stormare, numa proposta sátirica, incorpora o diabo (inevitável o trocadilho) habilmente. Até mesmo sua feição natural é assustadora. Ele expressa com perfeição a imagem preconcebidamente suja e pavorosa de satã.
Tilda Swinton está singular como Anjo Gabriel. A ironia de sua androginia foi extraordinária.

As imagens são marcantes. A fotografia escura, com tons frios e fortes, é magistral. Sem contar na minuciosidade da direção de arte, e na edição precisa. O que auxilia muito nos sustos e na tensão das cenas. Os efeitos especiais também não deixam a desejar.
Agora, entre os pontos negativos está o diálogo banal e o roteiro incoeso. No entanto, "Constantine" é isso, um ótimo entretenimento; uma super produção hollywodiana perfeita para ocupar o tempo. Só não espere muito do filme - apesar de sua ousadia e pretensão -, pois assim o proveito é maior.

Filme "WOLF CREEK - VIAGEM AO INFERNO"

2009-08-27T18:28:00.000-07:00

Filmes de terror que se agarram a um mesmo tema, explorando-o até a última oportunidade, são vistos constantemente no cinema. Até a proposta é a mesma. Ou é remake do sucesso tal, ou supostamente baseado em fatos reais...

Com "Wolf Creek - Viagem ao Inferno" não é diferente. À princípio a estória é semelhante a de muitos filmes do gênero, o que poderia ter feito o mesmo passar desapercebido, pois, a polêmica gerada em torno de massacres em países específicos já foi levantada em alguns filmes, como em "O albergue" e "Turistas". Entretanto, mesmo sendo produzido às escuras e sem muito marketing, esta projeção conseguiu criar alvoroço entre críticos e público, em que as divergentes opiniões eram inevitáveis.

Eu não posso deixar de fazer tal comentário: "Wolf Creek" é com certeza mais inteligente do que os filmes convencionais do gênero. Com cara de documentário, mas com uma qualidade superior, o filme australiano é assustador. E mesmo possuindo alguns clichês, os mais reles e habituais são evitados aqui, até surpreendendo em algumas tomadas.
Pra mim, a maior façanha do diretor junto ao roteiro, foi prolongar a exposição dos personagens com seus diálogos dispersos no início do filme, fazendo com que o público crie uma certa empatia para com eles. E melhor, sem deixar escapar qualquer hipótese de quem (e como) morrerá.
E mesmo não sendo original, muito menos inovador, conseguiu ser notável, mesmo sob o efeito de um enredo requentado. Isso se deve a forma competente e convincente das interpretações.

A sinopse apresenta Liz Hunter (Cassandra Magrath, ) e Kristy Earl (Kestie Morassi) e Ben Mitchell (Nathan Phillips), três jovens que viajam para a Austrália. Ao chegarem no Parque Nacional Wolf Creek, eles conferem a segunda maior cratera do mundo. Ao entardecer eles decidem retomar a viagem, mas o motor do carro teima em não funcionar. Os três agora apreensivos só se acalmam quando obtêm a ajuda inesperada de um motorista de caminhão que estava ali por perto.

Sem um personagem central, mas com um foco sobre as duas moças, o motorista caipira revela-se um sádico de marca maior, responsável por horas de pânico e tensão, muito bem representados pelos atores. O clima angustiante da estória causa uma certa aversão ao público. O filme mesmo não sendo o mais explícito no quesito "tortura", consegue intimidar.
Por ser filmado em vários cenários desérticos, todo o isolamento dos jovens é retratado com naturalidade, o que perturba ainda mais.
As interpretações supracitadas, sem dúvida, foram responsáveis pelo impacto que o filme causou. Foram as mais verossímeis possíveis, o que pra mim foi um feito, já que a canastrice impera em filmes de terror adolescente.

Concluindo,"Wolf Creek" foi um dos poucos filmes que me incomodou como espectador. A sensação de ver o desamparo dos personagens cruelmente tormentados fisica e psicologicamente por alguém improvável, foi a mais desagradável - num bom sentido para a espécie do filme. Com isso, o filme atinge seu objetivo, pois não é qualquer pessoa que conseguirá ficar indiferente diante desse longa.
Eu esperava mais um passatempo dispensável ao julgar pelo tema, mas me deparei com algo bem produzido. As paisagens obscuras, a manipulação e belos ângulos capturados pela câmera; a ótima fotografia; cenas cruas quase sem corte... Tudo isso trouxe um realismo como nunca vi num terror.

Filme "PAGANDO BEM, QUE MAL TEM?"

2009-08-27T18:13:00.000-07:00

O prólogo de meu comentário destaca a tradução tenebrosa do título: "Zack e Miri Fazem Um Pornô" que foi adaptado para "Pagando bem, que mal tem?".

Com certeza o atrativo do filme não será pelo nome aqui no Brasil - ao contrário do país ianque.

O diretor e roteirista desta película, Kevin Smith, nerd assumidíssimo, entregou seu filme mais escancarado. Em contrapartida, o filme é concluído, curiosamente, de forma comportada.
Bom, na verdade é uma mescla. Inicia-se com todas as fórmulas apelativas em relação ao sexo, para desencandear simplesmente em uma estória de amor.

Na trama temos como protagonista, ninguém mais, ninguém menos que, Seth Rogen, já acostumado a interpretar o típico cara sacana, largadão, graças ao seu timing cômico incomum. Ele que vem ganhando espaço com sua postura irreverente e singular no mundo da comédia, é acompanhado pela bela atriz em ascenção Elizabeth Banks, que está simplesmente adorável.

Os personagens são super criativos e interessantes. Elizabeth incorpora uma mulher quase utópica, sendo romântica no teor certo, mas com um ar politicamente incorreto, muito além do comum. Ambos perfeitos nos papéis.
"Pagando bem, que mal tem?" causou muita polêmica para censura puritana dos EUA, desde um de seus cartazes que trazia a alusão dos atores (Rogen e Banks) praticando sexo oral um no outro, até as excessivas cenas de sexo explícito - apesar de simulativo - e os diálogos picantes, recheado de piadinhas sujas.
Realmente, muita cena de nudez foi mostrada. Até direito a ver o pênis do ator Jason Mewes que participa desta produção, o público teve. O que foi bizarro! Se fosse a Elizabeth nua frontalmente eu respeitaria...hehe (foi necessário a piada).

No filme, Zack Brown (Seth Rogen) e Miriam Linky (Elizabeth Banks) estão com sérios problemas financeiros. Eles que compartilham uma amizade sólida e confidente desde à adolescência, moram juntos. Porém, estão vivendo numa pindaíba sem igual.
Com meses sem pagar contas por causa de sua total falta de dinheiro, eles são jogados de volta a realidade em uma reunião dos antigos colegas de ensino fundamental, famoso High School. O que rende em algumas das cenas mais hilárias, com direito a uma briga de teor homossexual e um selinho por parte de Brandon Routh (o novo "super-homem") e Justin Long (figurinha carimbada do gênero) que fazem uma ponta no longa.

Ao chegarem em casa, Zack e Miriam se deparam com a casa sem energia elétrica, sem água, sem aquecedor, e etc... Diante disto, Zack tem a idéia deles fazerem um filme pornô estrelado por eles mesmo! Como são solteiros, sem familiares vivos, vivendo um pelo outro, a idéia vinga! Aí dá-se início as situações mais hilárias e sem-noção.
A cena em que Banks e Rogen vão desempenhar a cena de sexo deles, é a mais engraçada. Mesmo um tanto caricata, ela condiz com uma das propostas do filme que, é provocar riso a qualquer custo.
O elenco, merecedor de destaque, é simplesmente magistral! Com o hilariante Craig Robinson, as atrizes pornôs Traci Lords e Katie Morgan, e os supracitados Justin long, Brandon Routh e Jason mewes, o circo está armado (nessa frase quase há um duplo sentido, diante da essência do filme).

Diante de tantas cenas tórridas, com um certo exagero escatológico, o desenvolvimento do filme, ainda assim, apresenta uma estória romantizada.
Quando o filme acaba, o espectador fica com a sensação de ter visto uma simples comédia romântica. Todo aquele sexo parece uma desculpa proposital para apresentar um romance sob uma amosfera inusitada, mas que não foge ao lugar-comum.
O desenvolvimento clichê - amigos que desconheciam o real sentimento entre si - e a estória de amor soa, descaradamente, como uma aliviada para o clima erótico do filme. É como se o diretor quizesse desculpar-se por tudo que foi mostrado no início. O grande erro do filme. Não por conter uma subtrama de amor, mas por cair no piegas.

Embora dando umas derrapadas, o diretor Kevin Smith acertou em injetar argumentos tão seguros e absurdos - pornô enriquece e atraia qualquer um -; o que torna o filme interessante.
De qualquer maneira, o filme é bom. Diverte, com certeza! Não tanto quanto eu esperava, mas diverte...
Recheado de alfinetadas psicológicas, humor ácido, e tiradas explícitas e sutis, é um filme pra poucos. Graças a sua ousadia e irreverência. Contudo, esses "poucos" irão se deliciar com tantos elementos escrachados e ordinários.
Diante desse conjunto de idéias, recomendo o filme.

Filme "P2 - SEM SAÍDA"

2009-08-27T18:04:00.000-07:00

Este filme marca a estréia do cineasta Franck Khalfoun como diretor, co-roteirizando também esta obra juntamente com Alexandre Aja - figura também recente no meio cinematográfico.

o roteiro apresenta um segurança em um certo prédio, obsecado por uma executiva que, encaminha-se para uma promoção. Na véspera de natal, ela fica até mais tarde fidando um serviço. Ao chegar ao subsolo para ir encontrar-se com a família, ela se depara com a fixação desse segurança para com ela. Sobre essa base, inicia-se uma típica perseguição "maníaco/mocinha".
O lado voyer do segurança trouxe a ele informações sobre a jovem executiva Angela Bridges, personagem feita por Rachel Nichols ("Horror em Amityville"). Com isso, ela tenta escapar dele em um local devidamente trancado, sem qualquer ajuda próxima, dando corpo a um jogo de esconde-esconde movimentado. E adianto desde já que,"P2 - Sem saída" é exatamente o extremo de altos e baixos.

O enredo basicamente focaliza as artimanhas de Angela ao tentar escapar das investidas do segurança desequilibrado.
Ele inicialmente, sem mostrar intenção de torturar ou dar cabo da moça, esforça-se para convencê-la a ficar com ele, já que ele conhece seu histórico, sabendo que ela está envolvida intensamente com o trabalho e vivendo uma vida solitária. Porém, o evidente distúrbio do segurança vai ganhando força quanto à resistência de Angela.
Ele, possessivo e ciumento, mostra coragem suficiente para matar quem se "engraçar" pro lado da moça. E aí inicia-se o clichê: fugir o filme inteiro de alguém que é uma ameaça.

O clima do filme tem uma certa tensão. Não chega a ser pertubador, mas seu rítmo é acelerado, com interessantes cenas de ação e sustos (meio óbvias, mais válidas), conseguindo atrair a atenção.
O filme só não é melhor porque a estória não tem mais nada a oferecer. É exatamente uma perseguição incansável, e só!

Rachel Nichols mostrou que tem talento de sobra para transmitir desespero e retese. Não é um papel que exija exatamente um empenho da atriz, mas é suficiente para ver o potencial dela.
Já Wes Bentley ("Motoqueiro fantasma") só tem um ponto a seu favor: ele aparenta realmente ser um maníaco, graças a sua expressão. Porém, ele não mostra desenvoltura. O clima de pavor que o filme poderia atingir, não é alcançado devido a escalação infeliz de Wes para o papel.
Ele até se esforça para aparentar certo desarranjo mental, mas não convence, mesmo com sua feição propícia.
Os altos e baixos do filme serão exatamente descritos abaixo.
Altos: a trama é acelerada e com cenas de violência na dose certa. O que garante diversão.
Baixos: o maníaco que não dá densidade ao papel, enfraquecendo a atmosfera do filme, transtornando-a totalmente. Além do roteiro simples e limitado.

O filme porém tem seus momentos fortes, como a cena em que um coitado, por demonstrar interesse em Angela, é amarrado no piso do edifício e é esmagado por um carro contra a parede. É chocante e gráfico na medida certa.
O debute de Khalfoun é um sinal de que como estreante ele sabe entreter o público, e tem chances de aprimorar a técnica em comparação a essa película.

Filme "NOIVAS EM GUERRA"

2009-08-27T17:55:00.000-07:00

É notório que o cinema está em crise no que diz respeito à criatividade, pois não se vê nada mais que inúmeros remakes de sucessos passados, ou então adaptações de obras literárias. Filmes esses que simplesmente seguem à risca a mesma fórmula do gênero que lhe cabem... e no fim, é sempre entregue ao espectador estórias que não fogem ao convencional.

Como um perfeito exemplo, temos “Noivas em guerra”, esta comédia romântica encabeçada por mulheres – e voltada estritamente para as mesmas –, abordando o tema “casamento” sob a ótica capitalista de seus preparativos.
Adianto desde já que, esta produção aborrecida e recheada de asneiras, não acrescenta em nada aos amantes da sétima arte. Conseguindo apenas a proeza de ser minimalista em conceitos supérfluos.

As protagonistas são ninguém mais ninguém menos que Kate Hudson (que, no início de sua carreira, chegou ser considerada a “nova namoradinha da América”, em lugar de Meg Ryan) e Anne Hattaway (a mais nova queridinha de Hollywood).
A história é sobre duas amigas de infância, Liv (Hudson) e Emma (Hathaway), e como desde pequenas sonham com o casamento perfeito. Então, as duas recebem o pedido de casamento quase que simultaneamente. O problema surge quando, equivocadamente, o casamento delas é escalado para a mesma data no local do casamento dos sonhos das duas, sem qualquer chance de alteração por ser o local requisitadíssimo, do tipo que demora anos para conseguir um espaço na agenda.
Por este motivo, as duas não medem esforços para se sabotarem na tentativa de evitar que se casem no mesmo dia, dando inicio então a um embate dicotômico de rivalidade x amizade.

Como se pode ver, o motivo da briga por si só é banal, a meu ver desenvolvendo-se somente pelo fato de não ser sólido o suficiente o sentimento de amizade de uma para com a outra.
Além disso, os recursos usados pelas duas para se prejudicarem são simplórios e forçados. Vai desde entrar em um salão de beleza sem ser vista, e misturar a tintura de cabelo da outra, até entrar em uma clínica de bronzeamento artificial a jato trocando o tubo de coloração...
Outro exemplo improvável é a forma com que a personagem Emma (Hudson) induz o seu noivo a pedi-la em casamento. Totalmente ridícula!

Quanto ao desempenho das estrelas do longa, Anne consegue se manter confortável no papel, roubando as cenas, sendo a mais engraçada e com a melhor representação – destaque para a cena da aula de dança.
Kate Hudson, por sua vez, mais bonita aqui do que o normal, sai perdendo por seu comportamento esgareiro e sua atuação artificial. O que é triste, pois ela vem se mostrado ruim há algum tempo.
Já os atores que interpretam os noivos são chatos, manipulados e com interpretações dignas de seus papéis secundários.

Agora, ao apontar os fúteis argumentos da narrativa, eu destaco a discussão esquemática e sem nexo entre as mocinhas; assim como a crise existencial que ocorre com a personagem Emma e seu noivo... Resumindo, todos os questionamentos levantados pelas noivas – que não poderiam ser mais vazios.
E como é de praxe em filmes assim, a estória pende para o drama na metade do filme, e quando o desfecho se aproxima o pastelão se descamba na tela, com direito a “barraco’ e tudo!
No entanto, como se não pudesse piorar ainda mais, acontece uma reviravolta descabida em torno de um dos casamentos, sem um mísero desenvolvimento, e ainda por cima, de forma previsível.

No fim, a óbvia reconciliação das duas acontece, o problema é que vem muito fácil (o filme é tão clichê que não importa revelar esse detalhe).
Durante toda a película elas se mantem rivais e empenhadas em sabotar a cerimônia uma da outra; não soa nada convincente as duas voltarem, num piscar de olhos, a serem melhores amigas.
Portanto, por subestimar em todos os sentidos o intelecto do espectador, eu não recomendo este desgastado subgênero cômico intitulado de “Noivas em guerra”.

Filme "MORTE SÚBITA"

2009-08-27T17:39:00.000-07:00

O suspense "Morte Súbita" ("Rogue") chegou atrasado no Brasil, com uma divulgação quase anônima, apresentando um enredo corriqueiro: pessoas fugindo de um animal de tamanho exorbitante.

Aqui o vilão do filme é um crocodilo. Pelo menos não é um animal utópico, mas também não é nada atrativo.
Em um elenco composto de nomes inexpressivos, salvam-se os rostos mais conhecidos: Radha Mitchel ("Terror em Silent Hill") e Michael Vartan ("A sogra"), respectivamente os protagonistas. Os únicos que realmente atuaram no longa. O restante, coadjuvantes, foi risível. Expressões faciais do tipo "ops... ele foi devorado" era o que se via.

O início do filme é bem simples. Mostra Pete McKell (Vartan), um escritor enviado às águas do Kakadu National Park para escrever uma matéria sobre o local. Ele então se junta a um grupo de turistas em férias que saem numa espécie de balsa para contemplar o habitat dos crocodilos, sob os cuidados de Kate Ryan (Radha), a guia turística do local.
A estória não apresenta nada demais, apenas uma exposição rápida dos personagens até que a criatura ataque. O desenvolvimento é simplesmente isso.

Já a direção de Greg McLean merece elogios quanto a captação de imagens. A fotografia do filme foi o que teve de melhor. Assim como ele explorou no suspense "Wolf Crek (...)" as imagens do deserto para transmitir a sensação de isolamento das vítimas, aqui ele abusou de imagens aéreas para que o espectador sentísse a grandeza do ambiente paradisíaco em que estavam.
O roteiro também ficou por conta de McLean, por isso percebe-se a parca criatividade no desenrolar da estória que dá enfoque unicamente às cenas de risco. Exatamente o que ele fez no supracitado "Wolf Creek - Viagem ao inferno" que, mesmo assim, é superior a este longa aqui.

As investidas de fulga são totalmente clichês, buscando sempre a alternativa mais arriscada e descabida que obviamente irá culminar em morte.
O problema maior é que a falta de carisma do elenco é tanta que é impossível se importar com o desfecho deles. Fiquei mais apreensivo pelo cachorro da personagem Kate Ryan (Radha Mitchell) do que por qualquer outro.
Agora eu não sei se foi impressão minha, mas achei o filme rápido. Quando dei por mim, já havia terminado.
Não sei se isso foi vantagem, só sei que tive essa sensação.

O animal, como já é de praxe nesse gênero, tinha um tamanho descomunal, como já citado anteriormente. Porém, entre tantos animais exagerados que nos deparamos ao longo dos tempos em Hollywood, esse tinha um comportamento verossímil. Nada de habilidades forçadas e surreais.
O meu incômodo maior em torno dele foi o gráfico. Totalmente sintética sua aparência.
Na verdade, alguns efeitos especiais ficaram com um aspecto inacabado, porém, a maquiagem dos ferimentos ficou convincente, com exceção à mão machucada do personagem Pete McKell no último ato do filme, descaradamente descuidada.

Sem mais, "Morte Súbita" não tem muito o que se avaliar; não passa de um suspense trivial, acompanhado de uma ação comedida.
Acho até que pode ser identificado como uma opção de diversão comum, sem correr o risco de perda de tempo, já que para mim o tempo de duração foi sucinto.

Filme "ALMA PERDIDA"

2009-08-27T17:11:00.000-07:00

A primeira impressão que tive ao ver o cartaz deste filme foi que seria mais um filme de terror requentado, regado de sustos gratuitos. Só que eu não imaginava que seria numa escala tão superlativa!

A sinopse é a seguinte: a jovem Casey Beldon está tendo sonhos envolvendo um menino de olhos azuis. Eles se tornam recorrentes após seu vizinho de 4 anos, do qual ela cuida eventualmente, começar a fazer declarações sem nexo e a agir estranhamente. A partir daí a moça passa a acreditar que esteja sendo atormentada por um espírito.
A atriz Odette Yustman, que teve seu debute em "Cloverfield - monstro", interpreta aqui a jovem Casey.
Acredito que por ser ela dona de um rosto perfeito e uma silhueta desejável, o fator mais requisitado para sua escalação foi exatamente a beleza - acima até mesmo do talento - , já que a mesma iria ter seus atributos físicos ostentados no video.
Ela também possui uma certa expressão, porém, não o suficiente para segurar o filme, nem sequer para criar empatia no espectador.
Quanto ao restante do elenco, digo o mesmo: tem expressão, mas não o suficiente para salvar a película.

O roteiro, como já supracitado, é uma sucessão de clichês ininterruptos. Sua concepção não difere em nada dos filmes de terror já lançados. O que poderia ser apresentado como reminiscência, não passa de uma cópia barata. O pior é que não só de um filme, mas sim, de uma lista!

Com certeza o público irá identificar referências de "O chamado", "O grito", "O olho do mal", "O exorcista"... e a relação só se estende. Chega a ser constrangedor!
Eu mesmo, ao assistir o filme, citava em meio às cenas os outros possíveis filmes que, supostamente, inspiraram a idealização das mesmas.

A direção também erra, entregando um desenvolvimento aborrecido e confuso, culminando em cenas corridas em que quase chegam a ser aleatórias. A mocinha, por exemplo, ao mesmo tempo em que está uma cena na faculdade, aparece em outra tomando banho, sem qualquer ligação entre si.
Sem falar nos vários flashbacks misturando-se ao tempo real, tornando tudo muito superficial e chato.
O único destaque do filme são os efeitos especiais e a coloração azulada das cenas, porém, em alguns casos, o gráfico dá origem à figuras bizarras que não contribuem em nada para com a estória. São só sustos forçados. Isso porque os enredos em si são uma verdadeira salada.
A cena no banheiro da boate mesmo, com Casey rodeada de bichos nojentos, com direito a aparição de fantasma e tudo, é totalmente descabida.

A postura de Casey também não convence muito. Ela possui uma curiosidade exacerbada, totalmente proposital para desencadear as situações mais assustadoras.

Até mesmo ir sozinha de madrugada à um hospital para encontrar uma velha suspeita e esquiva, não soa como anormal para ela.
Já a cena final que, contém a parte mais movimentada do filme, soa até interessante, ainda mais pela sessão de exorcismo, mas quando o tal espírito que persegue a estrela do filme, passa a incorporar pessoas próximas a ela para atacá-la - inspiração que acredito ter vindo do longa "O jogo dos espíritos" -, faz desandar o único momento do filme em que poderia se ter proveito.

Concluindo, o diretor e roteirista da película, David S. Goyer, talvez por preguiça ou por conveniência, não sei (...), criou a maior colcha de retalhos cinematográfica já produzida.
O filme é tão sem originalidade que eu nem me esforcei em redigir um texto melhor. Por isso, eu não recomendo este longa. Se quiserem ver um filme de terror atípico, corra de "Alma perdida"!

Filme "EVOCANDO ESPÍRITOS"

2009-08-27T17:03:00.000-07:00

O terror “Evocando espíritos” possui uma temática tão desgastada, que para defini-lo usarei uma expressão na mesma situação: “enlatado”.

Isto se dá porque grande parte dos filmes de horror hoje é produzida sob dois conceitos estagnados: modismo e retorno pecuniário. Nada mais que isso...
O longa não só aborrece, como se enquadra perfeitamente no perfil de filmes descartáveis. É possível até relacionar, com facilidade, as diversas reminiscências cinematográficas que auxiliaram na composição das cenas do mesmo.
Títulos como, “O exorcista”, “Os outros” e “O sexto sentido”, são mais que referências aqui.

A estória é típica: uma família que se muda para uma nova casa, na qual habitam espíritos com assuntos inacabados, que precisam do auxílio humano para encontrar a paz...
Embora, para que isso aconteça, a direção explore negativamente a imagem dos tais mortos até a metade da película, para no fim transformá-los, deliberadamente, em pobres assassinos involuntários. Ou seja, pelo fato de as almas terem sofrido na casa antes de morrer, os novos moradores podem ser assombrados como justificativa.
A meu ver, o diretor ao optar por esta fórmula já corroída do gênero, deixa transparecer o âmago de sua intenção, que é apresentar mais um drama póstumo, tendo como subtexto, o atrativo terror - ou vice-versa... nesse caso, nem importa.

E como se não bastasse o roteiro requentado, esta projeção é arguciosamente vendida pela asserção de ser “baseada em fatos reais”. Informação constada nos créditos, tão pretensiosa e manipuladora como a de “Os estranhos” de Bryan Bertino. Um tipo de pretexto que está se tornando comum em Hollywood. Parece ser garantia de evidência na mídia.
A verdade é que a estória se fundamentou em um documentário exibido pelo Discovery Channel em 2002 intitulado de “A Haunting in Connecticut”.

Quanto às explicações apresentadas ao decorrer, não fazem o menor sentido. Não se sabe exatamente o motivo de os espíritos estarem naquela casa, muito menos quem os ressequiu até a morte e porquê. Nem sequer uma abordagem minimamente curiosa pôde ser extraída.
No que concerne ao desenvolvimento da estória, é notável o cuidado da direção de arte e de efeitos visuais no primeiro ato do filme. Porém, momentos próximos ao desfecho, cai consideravelmente à qualidade de tudo.

Agora, analisando o elenco, destaco o protagonista Kyle Gallner, que, apesar de não ser um exímio ator, não é de todo ruim. Sua expressão é um tanto inconstante, mas ainda assim está melhor que a veterana Virginia Madsen (a mãe na trama), travada e apática aqui.
O restante do elenco parece ter sido escalado como “volume” para a estória, não importando muito quem seja escalado para o papel.
por outro lado, apesar de mocinho da estória não ser uma decepção, seu personagem tem uma postura bem improvável, em que o mesmo não demonstra medo algum. Ao invés disso, ele paresenta uma aguçada curiosidade com relação às possíveis manifestações “além/túmulo”.
Ele pode ser equiparado à protagonista de “Alma perdida”, interpretada pela beldade Odette Yustman (“Cloverfield – O monstro”), no quesito "bisbilhotar".

As figuras bizarras que aparecem no início da trama até assustam, no entanto, na conclusão do filme as mesmas tornam-se caricatas e mal feitas – risível os bonecos descarados que são apresentados como corpos (reparem na foto acima).
Os clichês desgastados – isso mesmo, com direito a redundância – são espalhados na tela: sombras sobre os espelhos; luzes se apagando; ruídos desconexos; casa com alvenaria inacabada e de aspecto assustador; porão, sótão, alçapão, e tudo que uma casa mal assombrada tem direito. Além dos sustos previsíveis e a escuridão exageradamente propícia. Até mesmo a presença de um padre pode ser conferida aqui. Isso porque ele contém a maioria das respostas para as indagações da família com relação aos acontecimentos sobrenaturais que pairam na casa. Familiar? Vamos deixar quieto...

Continuando... A biblioteca – como sempre – é aqui a fonte mais eficiente para desvendar o mistério.
Temos também a falsa (e óbvia) sensação de se ter findado a maldição por meio de rituais e tal, o que na verdade só torna os espíritos mais hostis.
Enfim, o filme tem sim algumas particularidades que o torna assustador, até que se venha o final estragando tudo, tornando-o ínfimo, desnecessário e com ar de reprise.
Como disse na resenha anterior, "O filme é tão sem originalidade que eu nem me esforcei em redigir um texto melhor".
Se após esse vislumbre, alguém ainda estiver interessado em vê-lo, eu só posso lamentar.

Filme "A MÚMIA - TUMBA DO IMPERADOR DRAGÃO"

2009-07-14T18:42:00.000-07:00

Lançado em 1999, o divertido blockbuster "A Múmia" alcançou um sucesso tremendo nos cinemas e conquistou um número considerável de fãs. O que não é pra menos, já que estória é repleta de cenas de ação, recheada de ótimos efeitos visuais, e ainda conta com a presença dos entrosados protagonistas Brendan Fraser ("Viagem ao centro da terra - o filme") e Rachel Weisz ("Constantine"), dando vida a um simpático casal que passa por maus bocados com a tal múmia do título.

Devido a isso, a sequência "O Retorno da Múmia" logo foi lançada, sustentando assim o sucesso da franquia. Continuação esta que, além de manter a temida múmia, insere à estória um novo vilão chamado "Escorpião Rei", interpretado por Dwayne Johnson (conhecido pelo codinome "The Rock"), que teve aqui o seu debute como ator.
Logo após, veio o terceiro filme intitulado como "O Escorpião Rei", uma versão "spin off" do personagem homônimo, vivido novamente por Dwayne Johnson. No entanto, essa projeção não conta com a presença do casal O'Connell.
Então, para completar a série (espero), surge em 2008 o fiasco "A Múmia: Tumba do Imperador Dragão", com uma estória totalmente desfigurada e ambientada agora - sem motivos plausíveis - na China ao invés do Egito.

A meu ver, este novo filme só serviu para marcar a volta de Brendan Fraser como o personagem central Rick O'Connell, só que desta vez, ele - que está desconfortável no papel - não conseguiu convencer um minuto sequer como fez anteriormente. Principalmente nas cenas em que se pede um pouco mais de dramaticidade.
Como exemplo, tem o momento da reconciliação entre ele e o filho que, ao invés de emocionar, acaba soando cômico, tudo por causa do desempenho desajeitado de Fraser e sua expressão desproposital.
Quanto à bela Rachel Weisz, talvez prevendo o script vergonhoso, não participou da projeção. O que trouxe uma substituta para "Evelyn O´Connell", composta pela deslocada e sem carisma Maria Bello. Motivo este suficiente para que o filme perca ainda mais pontos, sendo que o clima de cumplicidade entre Brendan Fraser e Rachel Weisz, não pode ser conferido entre ele e nova "Eve".

Entre as "novidades" de "A Múmia: Tumba do Imperador Dragão", temos a presença do insosso e desconhecido Luke Ford como o jovem filho de Rick.
Ele e a também anônima atriz Isabella Leong, ao formarem um par romântico, desconcertam o espectador com tamanha falta de química.
Inclusive, o ator John Hannah, antes o coadjuvante mais engraçado aqui como o irmão de Eve, por sua vez, consegue a façanha de aborrecer em todas as tomadas em que aparece por limitar a sua participação a contar piadinhas infames.
E como se não bastasse tem a apagada presença de Jet Li, numa tentativa desesperada de repromover sua carreira, interpretando a múmia no lugar Arnold Vosloo (troca infeliz).

Agora, o elenco não é o único fator que traz insatisfação; voltando-se ao roteiro, é possível relacionar uma grande quantidade de furos e clichês...
O mocinho é mortalmente ferido e salvo por "mágica", enquanto figurantes morrem com apenas um tropeção. Uma paixão súbita e sem noção entre o filho de Rick e a filha de uma feiticeira. O típico final "estou perdendo, mas alguém do nada me salva". O batido conflito familiar. E não sendo menos importante, tem o argumento burlesco sobre o que ativa a "pedra" que traz a múmia de volta à vida: o sangue de alguém puro de coração. Ai!

Dando continuidade aos absurdos da estória, temos o aparecimento de um exército de mortos vivos no último ato. Assim como, alguns Yetis digitais mal elaborados que também dão o "ar da graça". Todos visualmente sintéticos.
E o pior, a própria múmia, apresentada com uma nova roupagem, ironicamente consegue se transformar em qualquer coisa, menos em uma simples múmia.

Por fim, não sei exatamente qual foi à intenção desse filme, mas sei de uma coisa, ele não diverte, não se desenvolve e ainda deixa explícito que a direção sob o comando de Rob Cohen (antes Stephen Sommers) se mostrou muito inferior.
Diante de um filme em que nem os diálogos são consistentes, só posso recomendar uma coisa: assista apenas o original e esqueça as sequências!

Filme "OS ESQUECIDOS"

2009-07-14T18:38:00.000-07:00

"Os esquecidos" foi, com certeza, a pior decepção cinematográfica que tive. E seu pior furo foi justamente onde não deveria: na conclusão.

Inicialmente o filme apresenta algo diferente de tudo que foi mostrado. Algo realmente inovador que prendia a atenção até do mais disperso ser humano.
Eu nem sequer conseguia cogitar uma hipótese para o desenlace da trama encabeçada por Julianne Moore ("Magnólia").
A forma com que foi construído o roteiro, à princípio, não deixava brechas para suposições. Realmente a dúvida e o a curiosidade foram despertadas ao acompanhar esse longa.

A estória do filme é centrada em Telly Paretta (Moore). Ela vive tentando adaptar-se a idéia de ter perdido seu filho de 8 anos num acidente de avião. Entretanto, logo seu psiquiatra, Dr. Munce, tenta convencê-la de que seu filho nunca existiu, e que suas lembranças são um distúrbio desenvolvido por ela.
Com as lembranças vívidas em sua mente, Telly inicia uma corrida para provar a existência de seu filho, porém tudo que ela tinha como "prova" sumiram sem vestígios. Até mesmo supostas fotos com ele.

Quase convícta de sua insanidade, ela conhece Ash Correll (Dominic West), e juntos continuam a busca por respostas, pois Ash também começa, por incentivo de Telly, a lembrar que tem uma filha, a qual ele não sabe onde está nem como a esqueceu.

Seguindo esse raciocínio, "Os esquecidos" tinha tudo para ser um marco no gênero do suspense. Com certeza se bem sucedido, já teria aí suas duas ou três cópias. Contudo, Gerald Di Pego, contentou-se em dar vida a um roteiro fraco e descartável.
É uma pena, pois friso que o início do filme é ótimo e instiga a imaginação.
"Os esquecidos" poderia hoje ser um clássico moderno, se tivessem tido o trabalho de elaborar com calma e racionalidade seu encerramento. No entanto, com seu final original conseguiu ser apenas um suspense banal, improvável e enganoso.

Para não dizer que o filme é de todo ruím, destaco a atuação de Dominic West ("300"), e principalmente Julianne Moore que, como sempre está impecável. Acredito que a construção e o trabalho que ela teve com Telly necessitava, até como respeito a atriz, um final dígno.

No mais o filme só funciona se assistí-lo até a metade. Assim seu final ficaria sob a curiosidade de cada um. Idéia ridícula? Não comparada ao desfecho do filme.

Filme "SEPARADOS PELO CASAMENTO"

2009-07-14T18:34:00.000-07:00

Bom, o filme "Separados pelo casamento" não é estritamente uma comédia romântica como foi divulgado. Há algumas cenas características, mas não o suficiente para rotularem o filme a esse gênero em específico. Inclusive, nem o próprio roteiro define isso.

O filme também não é uma propaganda enganosa como alguns críticos afirmaram, entretanto, foi um chamariz totalmente intencional vendê-lo como comédia romântica para o público.
Até o cartaz do filme – com uma imagem criativamente sugestiva ao título –, transmite a idéia de que o filme é um romance cômico convencional, o que não passa de uma mera e distrativa jogada de marketing. Sendo que, a película é simplesmente um retrato verossímil de um relacionamento problemático.

Como toda comédia romântica termina com a união do casal central, esta projeção recorre ao contrário, iniciando-se exatamente onde os filmes terminam: no "felizes para sempre", apresentando o que acontece após isso.
Apesar de haver alguns exageros, eu gostei muito da proposta do filme, não foi mais uma estória previsível e romantizada ao extremo.

A sinopse é esta: Um casal começa a ter problemas constantes em seu relacionamento devido a incompatibilidade de genes. A solução extrema tomada por ambos é a separação. Porém, decidem continuar juntos no apartamento mantendo uma vida individual.
Diante desta situação, os enredos se descambam em provocações diretas e indiretas, onde um sabota os planos do outro, culminando em um clima insustentável.

O maior acerto do diretor Peyton Reed foi escalar Vince Vaughn ("Penetras bom de bico") e Jennifer Aniston (da extinta série "Friends") - eles que tiveram um affair durante as gravações - para estrelarem a película. Ambos foram totalmente convincentes em seus papéis.
O clima pesado das discussões; a revolta pelos motivos banais; a tensão da relação; tudo foi muito bem transmitido pela dupla.
Vince que normalmente estrela filmes pastelões, passou a segurança de todo um preparo para encarnar seu personagem. Mesmo aparentando às vezes inibição, ele conseguiu cumprir o que o papel pedia. Além dele ter cooperado com a criação do roteiro.
Jennifer Aniston ainda não é uma atriz memoravel, mas ela consegue interpretar tudo que lhe é oferecido. Para uma personagem complexa como esta, precisava realmente de alguém talentosa, e ela foi a melhor pedida. Talvez outra figurinha carimbada do gênero não conseguisse explorar o papel como ela fez.

É evidente que o filme é interessante - apesar da estória papalva - graças à interação do casal. A dessemelhança em relação às comédias românticas padrão é logo notada, e essa distinção proposital torna o filme singular, e talvez precursor de um estilo realístico e alternativo.
Os diálogos inteligentes e bem costurados da trama tornam o filme frio em alguns momentos. Atrevo-me até a afirmar que espectador fica com a uma sensação de estar presenciando pessoalmente as discussões acaloradas do filme que, chegam a constranger.

Peyton Reed ("Sim senhor!") conseguiu criar um filme sólido, diferente e realista. Pode agradar o público que não aguenta mais romances prenunciados, como pode ofender os espectadores que curtem filmes ingênuos e açucarados.
O final atípico, mas compreensível, foi uma conclusão ousada a meu ver. E a maturidade para tal desfecho já basta como ponto positivo para o projeto.
O filme teve seus momentos exaltados, frívolos, pretensiosos, mas como o casamento é uma experiência única para cada casal, não se pode criar um paradigma comportamental, por isso, Gary Grobowski (Vince Vaughn) e Brooke Meyers (Jennifer Aniston) pode estar em qualquer lugar, até mesmo em nós.

Enfim, "Separados pelo casamento" é recomendado por mim por estes motivos acima, e principalmente por não ser só mais um integrante da liga dos DVDs cor de rosa.

Filme "QUARENTENA"

2009-07-14T18:22:00.000-07:00

A idéia de refilmar uma película nem sempre é algo sensato. Por isso eu acredito que se não tem nada superior a acrescentar a estória, refilmar é obviamente desnecessário.

A questão é que Hollywood só considera um filme como qualificado, quando ele é produzido em território americano, ou pelo menos, por concepção dos mesmos.
O sucesso de público que obtiveram os filmes de temática "terror psicológico", foi o impulso para as excessivas cópias americanas inspiradas em filmes de origem nipónica. Ou seja, cópias americanizadas não são novidade.
O que é mais irritante nisso tudo é que, quase todas as refilmagens americanas de filmes bem sucedidos de outros países, são fracas e deturpadas, levando ao ridículo o tema.

Quando eu assisti "Quarentena" foi inevitável não utilizar outro prelúdio para meu comentário. Não há como não ressaltar sua insignificância em relação ao roteiro matriz.
Propositalmente, talvez buscando trazer certa peculiaridade a esse remake, o diretor John Erick Dowdle, incluiu alguns fatos, alterou outros, realmente modificando um pouco a cópia do filme original, o terror espanhol "REC", sob a direção de Jaume Balagueró e Paco Plaza.
As mudanças que poderiam ser um ponto positivo para o filme, sairam "pela culatra". Com uma edição mais apurada, "Quarentena" apresentou pontos que em "REC" não vemos, porém, com isso os furos ficaram mais evidentes na trama. E a base para o enredo ficou mal ajustada. Além disso, conseguiu tornar o filme menos realista. O clima naturalmente claustrofóbico que o original apresenta, não ganha força nessa precipitada versão ianque.

O foco de "REC" é basicamente o desespero dos moradores de um prédio em não conseguirem lidar com a situação de emergência que está os atingindo com a propagação de um vírus entre eles que os tornam "zumbis"; em "Quarentena" a narrativa dá lugar exatamente ao título: o isolamento das pessoas no prédio devido ao incidente viral.
"Quarentena" não consegue ser verossímil, como "REC". Nem a tensão do acontecimento, nem o medo dos moradores do prédio convencem no filme.

O maior feito do filme, foi escalar a atriz Jennifer Carpenter, para interpretar a protagonista Angela Vidal. Apesar de não ser ainda um nome expressivo em Hollywood, Jennifer consegue incorporar bem seus personagens. Ainda que force um pouco, ela consegue transmitir, até mais que Manoela Velasco (a protagonista de "REC") que, também é boa, o pavor do momento.
Jennifer Carpenter, através de sua feição, seu histerismo, a respiração ofegante e pesada, consegue compor uma Angela mais perturbada. Ela é a única peça que incrementa esse terror.
Seu bom desempenho para o gênero pode ser conferido também em "O Exorcismo de Emily Rose" e no seriado "Dexter".

Em "REC", a estória que poderia passar desapercebida, conquistou platéias pela forma com que foi apresentada. É claro que a origem do vírus é mostrada de forma parca e não concreta, mas isso não prejudica o contexto.
O decorrer da trama envolve quem assiste por seu universo escuro e sem solução. Entretanto, as modificações que foram feitas por "Quarentena", infelizmente não melhoraram em nada, o que acabou tornando essa adaptação inferior e dispensável.
Conclusão: Sem dúvida, "REC" é o único que vale a pena ser visto.

Filme "SEX DRIVE-RUMO AO SEXO"

2009-07-14T18:15:00.000-07:00

A versão sem cortes de "Sex Drive - Rumo ao sexo" é simplesmente uma brincadeira escrachada do diretor e roteirista Sean Anders, juntamente com Jhon Morris, também roterista e produtor do longa que, consiste em adicionar mulheres e homens nus às cenas, sem nenhuma ligação com a estória. Simplesmente estamos assistindo ao filme e passa alguém nu na cena. O close, claro, nos seios e nos pênis. Tosco!!

Bom, esquecendo essa besteira por parte da produção, o filme conta a estória de Ian, interpretado pelo desconhecido, porém, carismático Josh Zuckerman.
Ian, tem o perfil convencional do nerd virgem, que contrabalança sua personalidade entre a ingenuidade e a perversão sexual.

Ian, tem um melhor amigo, Lance, um tipo super sacana que desperta o interesse da mulherada. O curioso é que Lance, interpretado pelo cheinho e também pouco conhecido Clark Duke, foge ao esteriótipo de beleza adolescente. O que gera menos clichê ao batido perfil do personagem garanhão.

O roteiro aqui segue a mesma fórmula explorada desde os anos 80: jovens aventurando-se em busca de sexo casual.
O estilo de comédia do precurssor "Porki´s", ressucitado nos anos 90 por "American Pie", é exatamente a base para o desenvolvimento desta trama sacana.
Além dessas comparações, "Sex Drive - Rumo ao sexo" tem um estilo bem similar ao de "Eurotrip - Passaporte para a Confusão". Entretanto, diante de tanto cotejo, a aventura de Ian, ainda assim, tem uma certa peculiaridade.

Ian, trabalha numa espécie de lanchonete que vende donnuts (roscas) no shopping center local. Por isso, ele, esporadicamente, precisa se caracterizar de rosca gigante, realizando o trabalho de panfletagem para divulgar o local. O que simplesmente é culminante em seu declínio social.
Constantemente avacalhado pelo irmão mais velho, e superado pelo irmão mais novo, Ian, ainda virgem, resolve atravessar o país em busca de uma loira que ele conheceu num site de relacionamento.
Iludido com a idéia de iniciar-se sexualmente com ela, ele, juntamente com Lance, e sua melhor amiga Felicia, interpretada pela fisicamente perfeita Amanda Crew, parte em busca da Srta. Tasty (codinome virtual da loira).
É exatamente nesse ponto do roteiro que é inevitável não reportá-lo à "Eurotrip - Passaporte para a Confusão".

As loucuras pelo meio do caminho são óbvias, porém, a participação de James Marsden como Rex, o irmão mais velho de Ian, é o que acelera mais a trama.
Rex, otário, bruto e ironicamente homofóbico (assista para entender), sai à procura do irmão, por conta de seu carro Pontiac GTO Judge de 1969 que, Ian pegou sem pedir, para impressionar seu contato da net.

Durante a viagem nesse Road Movie, o trio se depara com várias situações bizarras, tendo como a principal uma comunidade Amish, retratada aqui de forma exagerada e subjetiva. Tem até uma ponta do grupo de rock, Fall Out Boy, se apresentando para eles.
O diretor Sean Anders consegue dar um ar desprentensioso à essa comédia, porém, não consegue fugir dos clichês e do desfecho prevísivel, inferindo em um romance barato.
Apesar de ser um filme estritamente adolescente - tanto em sua concepção quanto em seu público alvo - , o filme tem muitas cenas engraçadas, mesmo possuindo uma linguagem depreciativa, mesclada a um amontoado de nudez desnecessária.
Há duas cenas de risada gratuíta, porém, marcantes no filme pra mim: uma é a cena em que Ian cheira o dedo do irmão mais novo (alusão à superioridade sexual do caçula) com direito a um diálogo cômico; a outra é de Ian ajudando uma jovem bêbada, aspirante a Amish, que vibra sempre que ouve a palavra "Rumspringa" - nome dado a uma festa tradicional deles que, foi reproduzida aqui em forma de bacanal. São dois episódios bobos, mas que me fizeram gargalhar.

Confesso, o filme podia ser melhor, mas vale assistir descompromissadamente... frisando, longe do público infante.
O resultado é razoável, mesmo considerando o fato de seu roteiro ser uma costura de vários filmes do gênero.
O destaque do longa vai para o protagonista que, pode se tornar figurinha fácil nesse tipo de filme, e para a participação de Seth Green, como um sarcástico Amish (eu sei, é redundante remeter o adjetivo "sarcástico" à figura de Seth Green, mas foi necessário...).

Filme "17 OUTRA VEZ"

2009-07-14T12:05:00.000-07:00

O filme “17 outra vez” é uma comédia criada sob medida para arrecadar bilheteria, tendo como público-alvo os adolescentes. Em outras palavras, é mais um filme bobo e superficial.

O ídolo teen do momento, Zac Efron, é quem protagoniza o vídeo. Ele que, dependendo do ponto de vista, pode ser considerado carismático e bom dançarino, tem uma incontestável falta de talento no que diz respeito à representação. Visto que seu sucesso se dá por um único motivo: sua beleza.
Aí eu me pergunto: pra quê bom desempenho se a indústria do cinema se contenta apenas com rostinhos bonitos? Pois é... Infelizmente é verdade.

Voltando-se agora ao enredo do filme, o mesmo é nada mais que uma película batida sobre um adulto voltar a ser jovem.
E não é de hoje que temas como regressão e troca de corpos se desgastou nas comédias. Ainda assim, isso não é impecílio para que “obras” como esta sejam feitas aos montes pelos ianques.
Em “17 Outra vez” não é diferente. Mais uma vez, nos é mostrado alguém que está sendo afligido por algum tipo de problema, e que por intermédio de forças sobrenaturais, sofre a famigerada troca de corpos – ou, como no caso aqui, o retrocesso etário –, para que assim se possa ser identificado à raiz de sua insatisfação, tendo então, a oportunidade de se corrigir.
Ah, o que acontece, é claro, somente no desfecho, já que durante todo o filme, devido às circunstâncias, o personagem passará por diversas trapalhadas ao tentar se adaptar a nova realidade e a desvendar o porquê do acontecido.

Bom, produções desse tipo, normalmente são sem criatividade. Sem contar na falta de o mínimo que seja de raciocínio lógico. E pior, contam ainda com o “auxílio” de interpretações sem graça e sem naturalidade. Resultando-se assim, em mais um carbono de tantos outros vídeos que temos por aí.
De acordo com esta linha de raciocínio, eu só posso afirmar que os mesmos artifícios usados em películas similares como em “De repente 30” e “Sexta-feira muito louca”, simplesmente não funcionam aqui.

O roteiro em si é uma apresentação de recorrentes fatos aborrecidos. Entre eles está à razão da tal troca de corpos que não é satisfatoriamente definida.
A postura de Zac como um adulto preso a um corpo adolescente, também não convence. Aliás, o comportamento de todo – eu disse todo (!) – o elenco é forçado e esquemático. Sem falar na forma improvável com que o mocinho se relaciona, e se aproxima de sua família... E não para por aí o festival de furos e clichês.
Os personagens são redundantes em tantos estereótipos. Os diálogos rasos e sem nexo. E a falta de química está "presente" em todas as cenas.
Por consequência disto, desde que eu assisti ao filme, não consigo parar de enumerar os furos que o mesmo apresenta.

Outra questão que importuna muito, é que o protagonista é uma versão masculina da aspirante à atriz Hillary Duff.
Ambos são esforçados, porém fúteis, e não conseguem manter segurança por meio da atuação, apelando assim para seus atributos físicos e para projeções que enfoquem isso.
Só espero que ele, como resultado da fama, não opte pelo típico estilo de vida dos jovens astros de Hollywood que se cansam do rótulo da “ingenuidade”, aventurando-se em papéis duvidosos, com o acompanhamento da dependência química, tipo um (a) “maucalay/Lindsay Culkin/Lohan” da vida.

O personagem central da estória, Mike, só serve de arrimo para a alta exposição de Zac Efron.
Sendo assim, o filme existe apenas para desfrutar da bem-sucedida imagem que Zac tem tido na mídia. Idéia esta que fica mais evidente graças aos passos de dança que ele protagoniza junto à brega equipe de torcida de colégio, logo no início do filme. Uma óbvia reminiscência ao folhetim “high School Musical”, sucesso que lançou Zac no mercado.
Portanto, o roteiro é nada mais que um subtexto, ou melhor, um pretexto para manter o galãzinho num vídeo com mais de uma hora de duração, visando o lucro que será angariado pelo público teen – corrigindo, pelo público feminino com menos de 12 anos.

No entanto, o único momento positivo que consegui extrair deste filme foi rever o querido Matthew Perry – o saudoso Chandler do icônico seriado “Friends” – , mesmo sendo ele mal aproveitado no papel de Mike quando adulto. Uma perda de oportunidade considerável que a equipe teve de se arrancar algumas risadas através dele.
Quanto ao ator Thomas Lennon, como melhor amigo de Mike, está bizarro! Com seu personagem totalmente inverossímil, moldado sob uma combinação de cafonice e exagero, só irrita. As cenas dele com a diretora do colégio são patéticas e constrangedoras! Com direito a mais referências do exaustivo “Star Wars” nos diálogos, e tudo o que permeia o mundo dos nerds.

Por estes tantos motivos, acredito que qualquer pessoa com o mínimo de senso crítico se sentirá incomodada com “17 Outra vez”. O filme que de tão pífio, pode ser definido por um simples e trivial adjetivo: bobo.
Mas preciso frisar que o problema não é a temática jovem, ou a intenção deliberada da direção de Burr Steers em passear por um produto do cinema de massa, e sim, a falta de total originalidade, em que não há um resquício sequer de argumento coerente. Somente um mosaico repetido e simplório das situações mais artificiais.

Finalizando o comentário, o longa não me agradou. Pra mim, foi uma verdadeira perda de tempo parar para vê-lo. Por isso, não recomendo. Nem mesmo para quem se denomina fã do rapazinho com cara de boneco "Ken"...
Ah, para quem não conhece, é o namorado da Barbie.

Filme "ELE NÃO ESTÁ TÃO A FIM DE VOCÊ"

2009-07-08T20:11:00.000-07:00

Grandes expectativas eu alimentei em relação a “Ele não está tão a fim de você” antes de assisti-lo. O motivo? Inicialmente por ser um filme com um elenco recheado de estrelas.

Infelizmente, após ver o vídeo, o resultado não foi nada satisfatório em muitos sentidos, principalmente no que diz respeito ao casting que, não podia soar mais aspirante.

Normalmente filmes do gênero são repetitivos e previsíveis quanto à temática escolhida; este aqui não foge à regra. Não existe nele motivos suficientes para que se possa o enaltecer, nem sequer classificá-lo como indispensável – pelo menos, para os homens. Contudo, por algumas sutilezas, o mesmo se desvia consideravelmente da mesmice.
O roteiro inicialmente se mostra confiante, trazendo dilemas e questionamentos amorosos atuais à tona, porém, o seu desenrolar se desgasta por soar pretensioso além da conta, como se o mesmo estivesse ali para revelar o conceito-mor da essência dos relacionamentos.

O ingênuo diretor Ken Kwapis, apresenta nove personagens sob o intuito de fazê-los vivenciarem diversas situações amorosas, em que se possam abordar as questões culminantes de cada uma para que se voltem, unanimemente, para um fim específico: revelar a indiferença masculina nas relações amorosas, como o próprio título antecipadamente define.
O primeiro maior problema do filme é exatamente esse: apresentar suas conjunturas assim, de forma extremamente didática. Parece que ao invés de entreter, o filme está ali, substancialmente, para ensinar à singular e boa lição sobre o amor. Presunção percebida desde o intróito do filme até os depoimentos avulsos entre o discorrer da estória – mais interessantes que a estória em si.
O que poderia funcionar como uma bela brincadeira junto ao tema derrapa por forçar a barra numa seriedade desnecessária. Portanto, o que começa habilmente bem, se torna chato como um vídeo educacional, o que teria mais êxito se não fosse tão óbvio.

Os diálogos na trama funcionam em parte. Em meio a conceitos interessantes, o mesmo cai no piegas pelo excesso de expressões niquentas como “homem dos meus sonhos”, “foi mágico o nosso encontro”, “sei que você gosta de mim por causa dos sinais”, “essa é a regra... essa é a exceção”, e etc. Pecando assim, por perder a naturalidade do momento.
E como se tornou praxe em filmes românticos, os estereótipos estão presentes, a novidade é que os tais não estão exatamente delineados. Os furos maiores mesmos ficam ao encargo das situações desgastadas em que se envolvem os personagens.

Os clichês também não são claramente os vilões; o supracitado roteiro em si – ainda acima da média – é que falha pelo excesso. Sem ápice ou um ato marcante, vemos aqui nada mais que um desenrolar previsível e longo de inúmeras histórias recheadas de peripécias.
O ponto forte do filme poderia ser aquele que atraiu minha atenção a princípio: o grande elenco... Caso o mesmo não se destacasse simplesmente pelos belos fenótipos.
Todos os atores escalados aqui tiveram um desempenho insosso, limitando suas interpretações em conversas incessantes.
Jennifer Connelly e Bradley Cooper até estão confortáveis em seus papéis, possuindo os personagens mais exigentes em termos de atuação. Já Justin Long e Ginnifer Goodwin (com sua personagem irritantemente bem representada), carregam o filme e roubam quase todas às cenas, ainda que não sejam interessantes (como todo o resto), enquanto Scarlett Johansson não faz nada a não ser mostrar-se insinuante. Ben Affleck, porém, continua insistindo em uma profissão mais do que provada por si mesmo que não é para ele, equiparado a canastrona Drew barrymore, totalmente apagada.

O segundo maior problema desta produção é o drama hiperbólico que a direção cria em torno de alguns assuntos banais. Beth (Jennifer Aniston), por exemplo, que não se contenta com seu um romance sólido por ela não estar oficialmente casada com seu cônjuge, aborrece, tornando a questão uma vicissitude versão de conflito adolescente, o que ocorre com os outros casos.
É claro que a proposição dos enredos pode incitar no público feminino uma identificação pessoal, mas fazer com que elas se importem de forma significativa com as personagens, é improvável.

Agora eu confesso: o filme não é ruim, mas poderia ser melhor, assim como os cenários que mantiveram o mesmo aspecto, com tijolos à mostra e ambiente rústico em quase todos os lugares.
No fim, “Ele não está tão a fim de você” se conclui com recursos típicos de comédias românticas, com cenas apaixonadas, comportamento masculino manipulado e desfecho positivo em cada núcleo.
A comicidade ficou em dívida, mas com o discorrer da estória vemos que o enfoque não era esse, e sim, cumprir deliberadamente – de forma até bem intencionada e com certo conteúdo – , seu exclusivo papel: desiludir as mulheres.

Filme "A VIDA É BELA"

2009-07-08T17:05:00.000-07:00

Protagonizando, dirigindo e co-roteirizando essa película, Roberto Benigni conseguiu entregar um dos mais belos filmes tragicômicos dos últimos tempos.

O filme tendo como referência um holocausto, conta a estória de Guido Orefice (Roberto Benigni), um homem judeu que se apaixona por uma professora. Ela, Dora (Nicoletta Braschi), que estava noiva de um jovem rico, é cortejada de forma tão encantadora e incomum por Guido que, acaba abandonado o noivo para investir num romance mais poético, digamos assim.
Através dos métodos usados por Guido para conseguir conquistar Dora, podemos ver sua essência onírica e otimista de encarar as coisas.
Os dois casam e tem um filho, Gisué. Ao passarem os anos sob os efeitos da segunda guerra mundial, Guido e seu filho são levados prisioneiros para o campo de concentração devido à sua origem semita. Consequentemente, Dora, sua esposa, entrega-se também aos Nazistas, ficando na ala feminina do mesmo campo.

O clima pesado, as ocorrentes mortes, o demasiado mal trato, tudo soa demais para a mente de uma criança processar. Por este motivo, Guido, numa tentativa de aliviar a imagem dos acontecimentos, apresenta toda aquela situação a seu filho como um jogo em que os alemães desempenhavam papéis de maus, e no qual se ganhavam pontos por cada atividade feita.

Esse homem de grande imaginação e alto astral tenta distrair a atenção dos seus para que todo aquele pesadelo seja amenizado.
As cenas em que ele tenta contato com sua esposa, inclusive oferencendo-lhe música pela rádio do local, é tocante!
Ele consegue manter o filho em seu alojamento escondido por semanas, visto que as crianças não ficam com seus pais. Assim ele adia a morte, sem perder a esperança e sem comprometer o clima do jogo inventado para o filho. Até mesmo a ferida exposta de alguém é garantido ao filho de que faz parte da brincadeira.

A narrativa do filme é pura poesia. A beleza está em cada imagem, analogia e metáfora captada. A trilha sonora, os cenários, o enquadramento aterrador, são envoltos numa obra primorosa, sob um humor sutil, puro e apaixonante.
Em meio às cinzas, Guido faz questão de apresentar a variedade de cores para o filho, não deixando em nenhum momento de convencê-lo como "a vida é bela", por mais irônico que soasse em sua realidade.
independente se as cenas ao redor mostram o contrário, Guido mantem-se firme em sua fantasiosa idéia de que tudo é um jogo.

Após um filme assim é difícil não achar razões pela qual "Central do Brasil" perdeu para ele a estatueta de melhor filme estrangeiro. O bem apresentável filme de Walter Salles, com a ótima atuação de Fernanda Montenegro, não tinham consistência suficiente para superar a beleza de "La Vita è bella". O filme é belo até no nome. Um trocadilho mais que justo.

A mensagem mais firme do filme com certeza é a sensação de "papel cumprido" que Guido transmite. Bem sucedido em sua luta pelo amor de Dora no primeiro ato do filme, repete a dose com o filho que em nenhum momento desconfia da gravidade da situação.
A cena mais comovente e marcante dessa projeção, sem dúvida é o momento em que Guido passa diante do filho com uma arma em sua mira para ser executado, e o filho escondido (por acreditar que é necessário para o jogo) observa seu pai que segue sorrindo e fingindo marchar para que o pequeno acredite que é apenas um brincadeira. Realmente conter as lágrimas neste momento não é uma tarefa fácil.

O filme mantém um bom nível desde sua fotografia escura até as atuações que, ainda não superando Fernanda Montenegro, foram precisas. Era de se esperar o Oscar.
"A vida é bela" é um dos poucos filmes que assisti sem a pretensão de ver algo bom e me surpreendi.